Agents of Shield o procedimientos Marvel

¡Ja! Parece que me repito pero es que el caso de Agents of Shield es muy similar al de Sleepy Hollow. Agents of Shield es la nueva serie de ABC basada en las aventuras de unos agentes relativamente ordinarios en el extraordinario universo cinemático de Marvel. La estructura y funcionamiento de esta serie es exactamente igual al de tantas otras series: hay un caso semanal y autoconclusivo además de los arcos de los personajes. En este caso, hay un gancho extra: todo sucede en el mismo universo que Los Vengadores, película que recaudó una cantidad exagerada de dinero.
Por el momento, la serie no parece que vaya a sorprender demasiado a pesar de cameos de primer orden pero el magnetismo del Agente Coulson y el gancho Marvel pueden darle un punto extra. Veremos.

Hasta los mitos acaban

El verano se acaba y con él, varias series de televisión que nos han acompañado durante años. Es triste ver partir a estos camaradas pero ser testigo de su inevitable degradación es mucho peor. Así, con el ánimo ligero, nos despedimos de tres series míticas: Dexter, Breaking Bad y Futurama.
Dexter se encuentra en los últimos compases de su octava temporada y aunque el nivel ha fluctuado mucho (la temporada de tema religioso fue un poco decepcionante), la historia del vigilante psicópata nos ha brindado grandes momentos. A pesar de la abrumadora cantidad de capítulos que hay por delante si se decide empezar desde cero, Dexter sigue siendo una buena recomendación para aquellos que se aburren con las series más sesudas. Acabará pronto, probablemente tendrá un final controvertido, pues es lo que suele suceder, y luego, será enterrada en el mausoleo de las buenas series que murieron de viejas, en su cama, con las sábanas de Holanda.
Otra serie, de mayor calado su cabe, al que le llega su momento es Breaking Bad. El final de esta serie mítica se ha convertido en noticia y cada lunes miles de voces comentan por la red el último capítulo en emitirse. Breaking Bad tiene 5 temporadas de oro puro, ineludibles para cualquier amantes de la ficción serializada y que pronto reposarán en el Olimpo de las historias.
La historia más triste de esta elegía es la de Futurama pues ayer mismo nos abandonó cuando todavía era joven, con energía de sobra para aguantar unos cuantos años más. Aunque hay quien critica sus últimas temporadas como las más flojas, el estratosférico nivel de las primeras temporadas no facilita el trabajo de los guionistas. En fin, nos despedimos de Futurama con la descarada esperanza de verla resucitar por tercera o cuarta vez, cual Lázaro reincidente.
Que empiece el funeral vikingo...

Black Mirror o la obligada mirada al reflejo

Charlie Brooker apareció ante los focos con Dead Set, una miniserie zombi ambientada en la casa de Gran Hermano versión UK que sorprendió a propios y extraños por la gran calidad que rezumaban sus heridas a pesar de una premisa poco llamativa. Su segunda aparición es la aclamada Black Mirror.

Black Mirror es una antología de tres episodios por temporada (de momento hay dos y yo sólo he visto la primera) de difícil definición. Cada episodio tiene una ambientación y personajes distintos pero todos comparten un tema común: la relación entre la tecnología y nuestro modo de vida actual.

Los tres episodios que he visto hasta la fecha han resultado muy gratos: bien escritos, interpretados y producidos. Obviamente, no tienen los medios de las grandes producciones yanquis, pero estos pérfidos ingleses saben gestionar y adaptar un presupuesto reducido para crear una excelente narración sobre las trampas de los caminos que seguimos como sociedad.

Yo no lo dudaría. Si aún no tenéis un ojo puesto en la televisión británica ya estáis tardando. En breve, el comentario de otra sorprendente serie made in UK. Be seeing you!!

Algo brilla en la noche...

¡Sí! ¡Asombroso! ¡Es una buena noticia! Comedy Central ha estrenado el trailer de la nueva temporada de Futurama así que... ¡Disfrutad! ¡Es una orden!

Futurama
Get More: Comedy Central,Funny Videos,Funny TV Shows

Summer?! Shiiiit...

Saucer Country: gran concepto, mala ejecución

Vértigo es un sello que parece condenado, sobretodo desde la salida de Karen Berguer, y eso me entristece. Otra cosa que también hunde mi humor es leer un cómic con una premisa más que interesante pero que falla en su ejecución, en los pequeños mecanismos que deben hacer avanzar la historia. Enterarse de que dicho cómic no tiene posibilidad de reencauzarse ni salvarse pues ya tiene fecha de cancelación es como bailar al borde de la depresión.
Saucer Country es un cómic escrito por Paul Cornell y dibujado por Ryan Kelly que trata sobre una gobernadora de Nuevo México candidata a la presidencia de los USA que aparentemente ha sido abducida por extraterrestres. La idea de poner a un personaje con cierto poder y recursos en el centro de una trama de abducciones me parece muy interesante pero la guinda es el tratamiento de la mitología propia de los OVNIs. Cornell une todas las heterogéneas y disparatadas historias sobre platillos volantes, extraterrestres y sondas anales en un conjunto muy interesante dónde se explora la cualidad de lo real, los miedos y prejuicios, la paranoia y el misterio.
Lamentablemente, el diseño de personajes, los diálogos y la presentación de las sub-tramas no están a la altura de el high concept presentado por Cornell. Ryan Kelly hace un buen trabajo sin más con sus dibujos pero es el guión y su construcción donde falla Saucer Country.
En mi humilde opinión, la posibilidad de explorar esa nueva mitología contemporánea basada alrededor de OVNI's y extraterrestre, bajo constante influencia de los medios de comunicación y de las ficciones relacionadas, ya vale el precio de entrada pero la cancelación asegurada y el bajo nivel del guión complican las cosas.

Aprende con Star Wars: Segunda fase

Aquí acaba este corto experimente, de la manera más sencilla y previsible. El episodio 3, La venganza de los  Siths es tan mala como las anteriores dos. Es una película donde se potencia la espectacularidad de los efectos visuales y de los combates en detrimento de la coherencia y tridimensionalidad de los personajes y tramas. De nuevo, el análisis de Red Letter Media es divertido y afinado aunque el peculiar comentarista ya haya dicho casi todo lo posible en los anteriores análisis. Luego, como saliendo de un túnel oscuro y mediocre, disfruté de las dos primeras películas de la saga original: lo que ahora se conoce como A New Hope y The Empire Strikes Back. Las diferencias entre ambas formas de entender el cine es demencial y a pesar de los años transcurridos entre una trilogía y otra, las películas originales siguen siendo mucho más disfrutables.
Que conste que no lo digo por ese afán de realzar lo antiguo pues, en general, tengo que hacer un esfuerzo para ver los clásicos añejos. No soy uno de esos espectadores elitistas ni mantengo que todo tiempo pasado fue mejor (pero casi). Aún así, la consistencia, la solidez y la fluidez de las películas originales supera por mucho a lo encontrado en la nueva, hiperdigitalizada, ultradefinida y megaespectacular nueva trilogía.
Hollywood ha olvidado aquello de "menos es más" y, corrupto hasta las entrañas, lo ha transformado en un "mucho es mejor". La dosificación es un aspecto fundamental de la creación de ficción y cuando todo es grande y espectacular, el espectador pierde las referencias, se satura y todo se  percibe como un conjunto amalgamado e inconsistente incapaz de grabarse en la memoria. Éstas son importantes lecciones que aprender como aprendiz de guionista.

Aprende con Star Wars: Primera fase

Tras ver unos cuantos episodios de la serie de animación Star Wars: The Clone Wars, me mordió el gusanillo y decidí revisitar la saga desde su nuevo, reciente y digital principio. Recuerdo que al ver la nueva trilogía, pensé que no era demasiado buena y sé que hay muuuucha gente que está de acuerdo conmigo, pero no conocía las profundidades del estropicio perpetrado por George Lucas hasta que descubrí las geniales críticas de Red Letter Media.
De momento he visto The Phantom Menace y The Attack of the Clones, las dos primeras, así como sus respectivas críticas aquí y aquí respectivamente, aunque ya os aviso que las reviews completas duran una hora y pico que vale la pena gastar. Estos análisis se basan principalmente en los guiones e historias más que en otros aspectos técnicos pero el comentarista muestra muestra un amplio conocimiento en creación de personajes y desarrollo de tramas, además de explicar todos sus argumentos con amplios detalles. Más allá de la calidad del análisis, las review de Red Letter Media son muy divertidas. Gracias a la magia de la interpretación, el comentarista se convierte en una especie de ultra-nerd agresivo y psicótico que mezcla sus problemas conductuales con la ira que siente hacia Geroge Lucas por mancillar la saga Star Wars y, aunque a veces el humor es un poco salvaje y políticamente incorrecto, resulta muy divertido.
Así, si quieres reírte un rato mientras aprendes las chapuceras simas que son los agujeros del guión de las dos primeras (nuevas) pelis de la saga Star Wars os recomiendo el experimento que yo he realizado. Ved las películas y luego ved las reviews, imagino que para cuando llegue a la trilogía original me parecerán las mejores películas nunca filmadas. Ya os contaré.

XCOM: Enemy Unknown o resucitando la estrategia por turnos

Leyendo un muy interesante post-mortem de XCOM: Enemy Unknown en RPS, he pensado en escribir mi propio comentario sobre este remake del que es uno de mis juegos favoritos: UFO: Enemy Unknown. En 1994, Julian Gollop et al. desarrollaron un juego de estrategia en el que controlabas a una organización secreta que debía enfrentarse a una invasión extraterrestre. Las grandezas de este juego pixelado son demasiadas como para nombrarlas pero os aseguro que, a pesar de tener ya 15 años más o menos, la primera vez que lo jugué, quedé anonadado, enganchado y extasiado a partes iguales. El nivel de complejidad, la cantidad de opciones distintas y la variedad de escenarios y situaciones es casi abrumadora. En fin, el juego original es una obra maestra y aún hay mucho que decir.
Este año pasado, los chicos de Firaxis han sacado a la venta un remake que, aunque no tiene las mismas posibilidades ni de lejos, ha recuperado un poco de la magia de aquella joya digital de 1994 y ha devuelto a la franquicia XCOM al lugar de honor que se merece.
En el post-mortem y en los comentarios que lo siguen ya se mencionan una amplia cantidad de cambios y mejoras que se podrían realizar en una potencial secuela para acercarse aún más a la magnificencia de UFO. Ahora sólo cabe esperar que otros desarrolladores se percaten del éxito y las posibilidades de este género híbrido de táctica y estrategia. ¡Vamos! ¿A qué esperáis?

Cloud Atlas o el entramado de historias

Cloud Atlas es la última película de los hermanos Wachowski junto con Tom Tykwer y está basada en la novela homónima de David Mitchell. Cloud Atlas es una de esas películas que cuentan varias historias situadas en diferentes espacios y tiempos. En la novela original, el cemento que unía todas estas historias es la propia acción de leer u observar la historia de otros; cada uno de los protagonistas lee u observa la historia anterior en una cadena en la que el lector es el último eslabón. Esa interesante estrategia para unir las distintas historias es inaplicable en la película, que procura unir las historias mediante vínculos temáticos, visuales y musicales que no llegan a tener la misma fuerza.
Aún así, las 6 historias tienen cierto valor de manera individual aunque no llegan a explotar en ningún momento. Personalmente, por cuestión de gustos, he disfrutado mucho de las dos últimas, que podrían clasificarse en ciencia-ficción y post-apocalíptico respectivamente. La historia del asilo para ancianos resulta divertida pero al resto les falta algo más de gancho para atrapar al espectador.
Cloud Atlas dura tres horas y a pesar de ello, consigue entretener durante todo el metrage. La pena es que todas esas historias juntas no consigan ser más que la suma de sus partes. Este tipo de entramados de historias variopintas me gustan e interesan pero a Cloud Atlas le falta más potencia en los hilos que la conforman.

Doctor Who Christmas Special The Snowmen o los peligros del largo sendero

Es ya costumbre para Doctor Who, ofrecer un especial de Navidad con un extra de duración o presupuesto. Este año se ha llamado The Snowmen y giraba alrededor del concepto de nieve telepática que quiere conquistar el mundo. Sí, los argumentos de de Doctor Who suelen ser así de disparatos cuando los resumes en una linea.
Hace ya mucho que escribí el comentario de esta veterana serie de ciencia-ficción pero el tono y estilo ha cambiado muy poco desde entonces y tras varias temporadas, empieza a mostrar señales de desgaste. En The Snowmen, el Doctor está cansado, triste y alejado de su verdadera esencia después de sufrir una gran tragedia personal. Por supuesto, el especial sirve para devolver al Doctor a su estado de ánima más habitual y, sobretodo, presentar quien será su nueva compañera de viajes. El problema reside en que ese patrón de tragedia, solitario retiro y vuelta al ruedo ya ha sucedido y aún parece condenado a repetirse de nuevo en el futuro.
La presencia y descubrimiento de ese patrón quita un poco de magia a la serie pero creo que es un mal inevitable. Doctor Who tiene una serie de elementos ineludibles que limitan enormemente la posible evolución de la serie y que provocan esa sensación de repetición y de haberlo visto antes. Supongo que Moffat y compañía también se han dado cuenta de este problema así que de cara a los nuevos episodios podemos esperar alguna que otra sorpresa.
En fin, pese a todo, los episodios de Doctor Who siguen siendo entretenidos y originales (¡nieve telepática!) así que esa sensación de repetición en los arcos de temporada es un mal menor.

Sensacional detalle de Inception

Inception es obviamente una película con muchas capas y detalles conectados unos con otros de manera magistral: el movimiento subjetivo en un mundo se traduce en movimiento global en el siguiente, la sensación de caer que te lleva del sueño al nivel anterior, las reacciones del subconsciente cuando se siente atacado...

Hoy, a través de una página de humor llamada Cracked.com, me he encontrado un detalle que todavía no conocía y que se suma a todos los anteriores para realzar aún más si cabe la calidad de esta gran película. Vean este video:

¡Qué delicioso detalle! El tema principal de la banda sonora no es más que una variación ralentizada (recordáis que el tiempo pasa a diferente ritmo dentro de los sueños, ¿verdad?) de la canción que los personajes usan para reconocer el momento de despertar. Así, Nolan nos situa permanentemente dentro del mundo de los sueños pues oímos constantemente la canción de Edith Piaf. Grande. Si Inception me parecía una de las grandes películas de los últimos años, ahora todavía más.

Assassin's Creed 3 o la pérdida del rumbo

Cuando la gente de Ubisoft sacó el primer Assassin's Creed, estaba seguro que este juego, a pesar de algunos defectos, se iba a convertir en una franquicia de éxito que yo iba a disfrutar largo y tendido. Básicamente había dos resistentes pilares sobre los que construir una saga divertida, interesante y cautivadora. Los dos pilares son la jugabilidad del parkour o free run que está tan de moda y un argumento de ciencia-ficción con infinitas posibilidades.
Lamentablemente, en el transcurso de varios juegos, esta franquicia ha caído en picado. Si no me equivoco, esta enésima iteración ha tenido buenas ventas igual pues así funciona el mercado, pero el juego es cada vez peor. En la parte argumental, ni esta tercera parte ni las anteriores han sabido aprovechar todo el potencial narrativo de la idea primordial que la movía, la posibilidad de revisitar los recuerdos de tus antepasados a través de la memoria genética, pero eso no supone ninguna tragedia pues el elemento clave en todo juego es,  sin duda alguna, la jugabilidad. En este punto es donde Assassin's Creed 3 ha fracasado profundamente.
Para empezar, la elección del escenario: la guerra de independencia, me parece un completo error pues la arquitectura propia de la época no permite la fluidez de movimientos, la libertad de escoger tu propia ruta ni las espectaculares persecuciones de los juegos anteriores. Y ahí no acaba la cosa, los controles parecen más lentos que antes y el personaje protagonista se desenvuelve con mucha menos soltura y agilidad ante los obstáculos. Igual que en los varios GTAs, siempre ha sido divertido liarla y huir de la policía durante el máximo tiempo posible, en los AC siempre era divertido huir de los guardias por tejados y callejuelas pero ahora ya no lo es.
Si yo estuviera al mando de semejante leviatán, le daría dos o tres vueltas de tuercas, emplazaría la acción en  una ciudad futurista o post-apocalíptica para tener la libertad de configurar un escenario ideal para el parkour y confeccionaria, o mandaría confeccionar, un sistema de navegación más analógico y con una alta velocidad de respuesta. Pero eso no va a suceder y, mientras tanto, lamento ver hundirse a una franquicia realmente prometedora. Sadface...

Space Battleship Yamato o ciencia-ficción épica estilo japonés

La nave Yamato fue un barco de las fuerzas armadas japonesas que ha logrado un estatus casi legendario por su defensa de Okinawa. Un productor japonés con buen olfató decidió usar el nombre y leyenda para crear un anime sobre una nave estelar con la misión de proteger la Tierra y así nació, Space Battleship Yamato. Con el auge de los efectos digitales, la última década ha visto innumerables mangas y anime recibir el tratamiento live-action y Yamato no podía ser una excepción.

Los primeros 5 minutos de la película nos sitúan en un penoso futuro dónde la raza humana está perdiendo una guerra contra unos desconocidos extraterrestres. Un misterioso mensaje con esquemas incorporados permite que Japón pueda construir la Yamato, una nave espacial avanzada capaz de viajar a otras galaxias y equipada con un mega cañón de la leche. La Yamato y sus valientes se embarcan en busca del origen del mensaje y hay alguna que otra batalla.

Que mi tono indolente y sin fundamento no os engañe, Space Battleship Yamato no es ninguna obra maestra pero tampoco es una basura. Se trata de una película entretenida, cargada con un ligero exceso de metraje por aquello de dar al menos dos escenas a todos los personajes que salían en el anime. A mi me ha recordado un poco a Battlestar Galactica y a El Juego de Ender sin llegar a las mismas cotas de calidad. Supongo que lo peor de todo es la comprobación de que hoy en día, todos los blockbusters se parecen, lo hagan los yanquis, los españoles o los japoneses.

Looper o el atractivo de los viajes en el tiempo

Las historias sobre viajes temporales molan. Es una verdad palpable y medible en la escala de molonismo de Newmant. Todavía recuerdo ver Doce Monos, donde Bruce Willis también es protagonista, con unos amigos para luego quedarnos 5 horas discutiendo sobre lineas de tiempo, paradojas, dimensiones circulares y relaciones causa-efecto. De hecho, diría que Doce Monos es la película sobre viajes en el tiempo de la generación pasada y Looper lo es para la actual. Obviamente, hay otras películas sobre viajes en el tiempo (como Jacuzzi al pasado) pero estas dos pertenecen al subgénero particular donde realmente se profundiza en temas y conceptos estrechamente relaciones con el viaje temporal en vez de usarlo como medio para otros fines, comedia en el caso del jacuzzi.
Looper es una película ambiciosa que mezcla varios ingredientes típicos de la ciencia ficción para componer unas dos horas de entretenimiento inteligente y atrevido aunque sin llegar a la excelencia. La historia gira alrededor de unos asesinos muy particulares llamados loopers. Estos asesinos se encargan de eliminar a la gente que una organización criminal del futuro envía al pasado, de esa manera la eliminación es limpia y total. El problema para nuestro looper protagonista es que, cuando se le aparece en frente su futuro yo, es incapaz de acabar con él, iniciando una cadena de acontecimientos que le llevará a conocer a una madre e hijo un tanto especiales y relacionados con una misteriosa figura que, en el futuro, está liquidando a todos los loopers. A pesar de esta sinopsis apresurada y de lo que puedan leer en las internetes, Looper no es una película excesivamente complicada. No más que la mayoría de películas sobre viajes temporales y menos que los films más frikis del género como Primer.
Además de un guión muy bien parido, complejo pero claro, Looper disfruta de varios actores de gran tonelaje y de una dirección firme, limpia y con sentido del espectáculo. Las secuencias de acción son entretenidas pero además, resultan lógicas consecuencias del desarrollo de la trama, no piezas autónomas ensambladas a golpe de martillo. Looper es una excepción en el panorama hollywoodiense, una película inteligente, alimentada por una premisa interesante y realizada con gusto y personalidad. Antes de irme a casa a comer, sólo me queda recomendarla.

Misfits S4 o el moribundo ganso

Todo el mundo sabe que productores y ejecutivos de casi todas las industrias del entretenimiento no tienen ningún tipo de remordimiento en exprimir cualquier ganso de dorados huevos hasta que no queda más que el tuétano por vender. Así, el brillante ganso suele degenerar en una especie de patito feo que apenas se mantiene en pie, vil sombra del que fue.
Más o menos, eso es lo que ha pasado o está pasando con Misfits, aunque no tan radical. En esta cuarta temporada, han añadido dos personajes nuevos al buen Rudy y al sosainas de Curtis, el único que aguanta desde la primera temporada. Rudy sigue siendo el más entretenido e interesante de todos ellos.
Misfits ha abusado demasiado de las tramas autoconclusivas con jóvenes afectados por la tormenta y ha llegado al punto en que la única alternativa que le queda es tomárselo a broma y funcionar como una especie de parodia de sí mismo. El problema que tiene esa senda es que toda las historias que se cuentan pierden gravitas y no llegan al espectador con tanta potencia como antes.
Como anécdota, en el tercero y último episodio emitido, apareció un tercer Rudy que parecía que podía dar un meneo importante a la serie pero por desgracia acabó siendo una trama autoconclusiva más que desaprovecha a un gran antagonista en potencia.

The Watch o comedieta Rated R

The Watch es un producto audiovisual típico de la factoría hollywoodiense. Nacido de la brillante mente creativa de un ejecutivo de la Fox, se reunieron los productores y guionistas, le dieron unas vueltas al mejunge, le pusieron un impermeable para que no le salpicaran ciertos acontecimientos trágicos y lo pusieron a la venta. El resultado final es una comedia para adultos llena de gags escatológicos en la que un grupo de pringados suburbanos se enfrentan a unos aliens que ha recibido un 17 sobre 100 en Rotten Tomatoes (las mejores críticas que ha recibido son del estilo "no es buena pero hay películas peores").
Para ser completamente honestos, admito que solté alguna que otra carcajada gracias a los 4 actores principales, que dominan el tempo de la comedia y tienen buena química entre ellos. De hecho, la razón por la que me decidí a ver The Watch es la presencia de Richard Ayoade, más conocido como Moss en The IT Crowd. Uno sólo puede esperar que alguien más se de cuenta del gran talento de este señor y que le veamos en películas de más calibre.
En fin, The Watch es una de esas películas muy limitadas, que sólo vas a poder disfrutar si la ves con los amigotes y unas cuantas cervezas para ayudar a bajarla. A los coleccionistas completistas de Ben Stiller les encantará.

Saga: otro pedazo de cómic de Brian K. Vaughan

Además de los consabidos trabajos que cualquier autor de éxito acaba haciendo para Marvel y DC, Brian K. Vaughan, otro de esos calvos con talento del mundo del cómic, ha realizado dos series originales y de gran calidad: Ex-Machina y Y: the last man. Ahora ya podemos añadir una tercera serie para confeccionar un verdadero trío de ases y su título es Saga.
Saga es una historia que mezcla ciencia-ficción (con sus naves espaciales, planetas variados y guerras galácticas entre razas enfrentadas) y la fantasía (hay fantasmas, magia, espadas brillantes y gatos parlantes) en una extraña mezcla sorprendentemente uniforme y atractiva. Los protagonistas de Saga son Marko y Alana, dos miembros de las dos razas "principales" que se enamoran y deciden desertar para dejar atrás el conflicto absurdo que debería enfrentarles. Saga empieza con el nacimiento de Hazel, hija de Alana y Marko que hará las veces de narrador ocasional, y continúa con una larga huida mientras nobles y cazarecompensas los persiguen por todo el planeta.
Además de la originalidad de las razas, planetas y planteamientos y de la indudable calidad gráfica de Fiona Staples en los lápices, el mayor éxito de Saga son los diálogos y los verosímiles personajes que los articulan. Todos los personajes de Saga hablan y se comportan como seres reales y cercanos; teniendo en cuenta que varios de ellos son robots aristocráticos con televisiones por cabeza, el trabajo de Vaughan está cercano a la proeza intelectual.
De momento, en España sólo ha aparecido el primer tomo recopilatorio de Saga pero desde ya os aseguro que se trata de una obra indispensable para los amantes del cómic y la ciencia-ficción.

Total Recall o con eso me conformo

Ya he hablado varias veces de las bondades y maldades de las expectativas  de la influencia que tienen en el disfrute o no de una película. Es fácil adivinar que, en el caso de Total Recall, remake del clásico homónimo dirigido por Verhoeven y protagonizado por "Swarchi", las expectativas estaban muy bajas. Es lo que suele suceder en esta fiebre de remakes de grandes de grandes películas: el nuevo film tiene un presupuesto mucho mayor que el original, varias estrellas en sus papeles protagonistas, espectaculares secuencias de acción a rebosar de CGI pero ni un ápice del espíritu o la fuerza de la obra original.
Aún así, en este caso, encontré este remake bastante entretenido a pesar de la falta de originalidad o sagacidad de la peli de Verhoeven. Las secuencias de acción están muy bien planteadas y todo lo demás sirve como decoración, adornos y elaboradas elipsis que nos llevan de la persecución con coches magnéticos hasta la pelea en los tejados. Por señalar algo, además de los FX, diría que la Beckinsale es la mejor de la película en su papel de agente despiadada, pero tampoco es que la mujer tenga un elaborado papel con el que trabajar.
No es peor ni mejor que John Carter, quizá un poco mejor que la última Resident Evil y sus vacíos de guión no llaman tanto la atención como los de Prometheus pero aún así, esta Total Recall (2012) pertenece al ancho y poco riguroso grupo de los blockbusters de acción de domingo.

The Sunday Sitges Marathon Movies

Al igual que el año pasado sobre estas fechas, ya ha acabado el Festival de Cine Fantástico de Sitges. Algún día, cuando me salgan los dólares de las orejas, podré disfrutar de este festival, que parece hecho a mi medida, como Dios manda, atendiendo a presentaciones y estrenos. Hasta entonces, creo que tendré que limitarme a las maratonianas sesiones del último domingo del festival. En esta ocasión sólo pude ver tres películas por problemas internos, dolorosos retortijones, pero considero que fue una sesión bastante aprovechada aunque quizá no tanto como la del año pasado.

La primera película que vi, tercera de la maratón, se titula Maniac, remake del clásico y violento slasher de William Lustig. Maniac cuenta la historia de un asesino en serie profundamente perturbado interpretado por Elijah Wood. El director es Franck Khalfoun y los guionistas y padrinos son Alexandre Aja y Gregory Levasseur. Sinceramente, no soy muy fan del género pero esta Maniac tiene una peculiaridad que la hace un poco más interesante: casi todo el metraje del film se compone de plano subjetivos. Khalfoun utiliza unos recursos muy bien planificados para situarnos en la mente del homicida con muy buenos resultados. También es cierto que ese tipo de cámara puede ser un poco mareante pero el experimento formal y algunas ideas argumentales y visuales de la película hacen de Maniac una película recomendable incluso para aquellos que no frecuentan los slashers, el terror ni el gore.

El segundo film fue Grabbers, una película de monstruos con amplias dosis de comedia realizada en Irlanda. El monstruo es un extraterrestre compuesto principalmente de tentáculos, el escenario una solitaria y desconectada isla frente la costa irlandesa y los protagonistas una pareja de policías municipales. De las tres películas de la jornada, ésta fue la más normal y directa. Grabbers es una película de entretenimiento bien realizada y con puntillas de guión muy divertidas y muy bien escritas. Para que os hagáis una idea, uno de ganchos de la película es que el monstruo no tolera el alcohol en la sangre de sus víctimas y a mitad película, los habitantes de la isla organizan un fiesta con barra libre en el único bar que hay; lo que siguen son una docena de abuelos borrachos, cura incluido.

John Dies At The End es la última película de Don Coscarelli y fue la última de la maratón. Por trailers y demás, mis expectativas estaban bastante altas y la sensación final que me dejó el film fue dulce y amarga a la vez. La mejor versión del argumento que puedo dar sería algo así: David y John, viejos amigos, descubren una nueva droga que le permite ver e interactuar con una nueva dimensión que pretende invadir nuestro mundo y que sólo ellos pueden combatir. Esta breve frase se queda corta lo mires como lo mires pues John Dies At The End es una locura de principio a fin. Algunos de los despropósitos que articulan la trama resultan realmente divertidos, originales e inesperados (la transformación de un pomo de puerta en un pene para evitar que los protagonistas escapen es brillante) pero el conjunto final es demasiado caótico y psicotrópico.

Revolution o rellenando el molde

Revolution apareció rodeada de una gran expectación gracias al equipo creativo: JJ Abrams (Lost, Star Trek), Jon Favreau (Iron Man) y Kipke (Supernatural). Semejante constelación de estrellas tenía que acabar en una serie de altas audiencias o eso se decían todos. Hasta la fecha se han estrenado dos episodios y creo que no les ha ido mal pero aún es pronto para decir si tendrá éxito o no.
Por mi parte, considero que estos dos episodios son material suficiente para empezar a comentar, así que a eso vamos. Revolution gira alrededor de un evento fantástico e inexplicable: la electricidad deja de funcionar. Quince años después del fin del mundo tal y como lo conocemos, se han establecido milicias y "nuevos estados" por todo Estados Unidos mientras que la gente sencilla ha vuelto al campo para poder sobrevivir. Es un panorama post-apocalíptico relativamente conocido pero con cierto potencial. En el centro de este nuevo mundo tenemos a una familia estrechamente relacionada con el suceso inexplicable y el arranque de la serie se centra en el rescate de uno de los miembros de la familia que ha sido secuestrado por una milicia.
Revolution usa, como tantas otras series, el molde generado a partir del éxito de Lost pero no añade ningún ingrediente innovador ni original. Tenemos el misterio central y las tramas que desarrollan ese misterio, también tenemos a un grupo de protagonistas conectados entre ellos que incluyen una chica guapa, el friki inteligente, el tio duro, el interés romántico... Lo típico, vamos.
Evidentemente, no soy muy optimista en cuanto a lo que esta serie pueda aportar más allá de un entretenimiento bien realizado pero, aunque poco plausible, la posibilidad de sorpresa está ahí. De momento, Revolution tiene los ingredientes para ser una serie de televisión entretenida y poco más. Lo mejor de la serie en estos dos episodios es la imponente presencia de Giancarlo Espósito de Breaking Bad, y por ende, su personaje, mano derecha del villano principal.