Hasta los mitos acaban

El verano se acaba y con él, varias series de televisión que nos han acompañado durante años. Es triste ver partir a estos camaradas pero ser testigo de su inevitable degradación es mucho peor. Así, con el ánimo ligero, nos despedimos de tres series míticas: Dexter, Breaking Bad y Futurama.
Dexter se encuentra en los últimos compases de su octava temporada y aunque el nivel ha fluctuado mucho (la temporada de tema religioso fue un poco decepcionante), la historia del vigilante psicópata nos ha brindado grandes momentos. A pesar de la abrumadora cantidad de capítulos que hay por delante si se decide empezar desde cero, Dexter sigue siendo una buena recomendación para aquellos que se aburren con las series más sesudas. Acabará pronto, probablemente tendrá un final controvertido, pues es lo que suele suceder, y luego, será enterrada en el mausoleo de las buenas series que murieron de viejas, en su cama, con las sábanas de Holanda.
Otra serie, de mayor calado su cabe, al que le llega su momento es Breaking Bad. El final de esta serie mítica se ha convertido en noticia y cada lunes miles de voces comentan por la red el último capítulo en emitirse. Breaking Bad tiene 5 temporadas de oro puro, ineludibles para cualquier amantes de la ficción serializada y que pronto reposarán en el Olimpo de las historias.
La historia más triste de esta elegía es la de Futurama pues ayer mismo nos abandonó cuando todavía era joven, con energía de sobra para aguantar unos cuantos años más. Aunque hay quien critica sus últimas temporadas como las más flojas, el estratosférico nivel de las primeras temporadas no facilita el trabajo de los guionistas. En fin, nos despedimos de Futurama con la descarada esperanza de verla resucitar por tercera o cuarta vez, cual Lázaro reincidente.
Que empiece el funeral vikingo...

Hemlock Grove o algunas cadenas arriesgan

Hemlock Grove es la nueva apuesta de la cadena yanqui Netflix. La novedad reside en que todos los episodios de la primera temporada fueron colgados en Internet el día en que se estrenó. Sinceramente, no sé cómo les ha salido el experimento, pero viendo que una gran cantidad de espectadores consume ficción a través de Internet, este tipo de apuestas me parecen más que sensatas.
Las serie en sí gira alrededor de unos bestiales asesinatos en el pequeño y extraño pueblo de Hemlock Grove. Una de las más obvias inspiraciones de la serie es la genial Twin Peaks aunque está versión más gore y sobrenatural no llega a las cotas de excelencia de la obra de Lynch y Frost. Aún así, la sutileza, los secretos y misterios, la atmósfera bizarra y el sello "Para mayores de 18" hacen de Hemlock Grove una serie entretenida y curiosa, al menos durante los 7 episodios que he visto hasta ahora.

Black Mirror o la obligada mirada al reflejo

Charlie Brooker apareció ante los focos con Dead Set, una miniserie zombi ambientada en la casa de Gran Hermano versión UK que sorprendió a propios y extraños por la gran calidad que rezumaban sus heridas a pesar de una premisa poco llamativa. Su segunda aparición es la aclamada Black Mirror.

Black Mirror es una antología de tres episodios por temporada (de momento hay dos y yo sólo he visto la primera) de difícil definición. Cada episodio tiene una ambientación y personajes distintos pero todos comparten un tema común: la relación entre la tecnología y nuestro modo de vida actual.

Los tres episodios que he visto hasta la fecha han resultado muy gratos: bien escritos, interpretados y producidos. Obviamente, no tienen los medios de las grandes producciones yanquis, pero estos pérfidos ingleses saben gestionar y adaptar un presupuesto reducido para crear una excelente narración sobre las trampas de los caminos que seguimos como sociedad.

Yo no lo dudaría. Si aún no tenéis un ojo puesto en la televisión británica ya estáis tardando. En breve, el comentario de otra sorprendente serie made in UK. Be seeing you!!

Zero Dark Thirty o las horas oscuras

Como toda buen obra de arte, Zero Dark Thirty ha creado muchísima polémica y controversia. Unos acusan a Bigelow, directora y productora, de hacer propagando a favor de Obama; otros dicen que su película ensalza y promociona el uso de la tortura y que es una crítica velada al último presidente yanqui. A estas alturas, supongo que todo el mundo sabe que Zero Dark Thirty cuenta la historia de la persecución a Bin Laden por parte de la CIA.
A pesar de sus casi 3 horas de duración y de saber cómo va a acabar, esta película te mantiene enganchado a la pantalla y eso, por si sólo, ya es un gran éxito. Zero Dark Thirty se cuece a fuego lento, presentando primero a la protagonista, símbolo de los obsesionados con la caza al enemigo público número uno. Luego aprendemos sobre los métodos oscuros y terribles que usan para obtener información. Vemos cómo la tortura deja huella en los que la aplican y los resultados que obtienen, dejando a juicio del espectador el valor y coste que implican. Finalmente, cerca del final, vislumbramos el girar de los engranajes de la CIA, un girar lento, cobarde, egoísta y tan humano como el resto de mecanismos burocráticos de los gobiernos de todo el mundo. Bigelow usa una lija de grano gordo para deshacerse de esa capa de glamour que el cine hollywoodiense esparce prolíficamente por encima de espías y agencias gubernamentales para quedarse con lo que importa: el factor humano.
Zero Dark Thirty es una película ancha, en la que caben muchas cosas y por ello no puedo dejar de recomendarla. Bigelow apunta alto y sólo eso ya es digno de admiración.

End of Watch o la culpa no es sólo del formato

End of Watch es un thriller policíaco con dos problemas básicos. El primero es la elección de un formato Found Footage versión ultra-light en el que se saltan las reglas del formato casi constantemente. ¿Para qué montas todo el tinglado de las cámaras forzando la verosimilitud de la historia si luego apenas usas ese material? Esta evolución natural pero degenerada del Found Footage sólo consigue sacarte de la historia cada vez que aparecen planos, indistinguibles en calidad visual, que no han podido ser grabados por ningún personaje de la historia. Hacia al final, ya te has acostumbrado a que se pasen por el forro el formato y se nota menos pero al principio es un problema grave.
El segundo problema que tiene End of Watch es la decisión de otorgar el verdadero protagonismo a uno de los policías en vez de distribuirlo entre los dos. Aunque parezca una tontería, esa elección hace que toda la película y sobretodo el final sea más predecible y más simplón.
Por otra parte, la trama, actores y el diseño de la acción están muy logrados, ciñéndose a un realismo interesante y lleno de detalles. A pesar de haber empezado el artículo con lo peor de la película, he disfrutado bastante de End of Watch aunque no la recomendaría a todo el mundo.

El Informativo Nocturno o la muerte del periodismo

Jonathan Hickman es una de las nuevas estrellas en el panorama comiquero yanqui y uno de los guionistas fuertes de Marvel. El Informativo Nocturno, escrita en 2006, es una de sus primeras obras y básicamente se trata de una crítica feroz e hiriente a periodistas y medios de información.
La historia gira alrededor de un grupo en el que se reúnen todos aquellos que han sido seriamente dañados por la falta de escrúpulos o código ético de periodistas y medios. Liderados por la misteriosa Voz y con la Mano como cabeza visible, este grupo empieza una ola de atentados contra periodistas, reporteros y todo aquel relacionado con los medios de comunicación de masas.
Personalmente, casi siempre disfruto de las obras que hacen una crítica inteligente y documentada de aquellos sectores de la sociedad que están obviamente podridos hasta la médula ósea. El Informativo Nocturno pertenece a este grupo pero hay una pizca de exageración y un punto de comedia gamberra que quitan seriedad a una propuesta que plantea verdades como puños. Para aquellos que gusten de comentarios más elaborados, recomiendo visitar la crítica que han hecho en Frikis Reconocidos SA.

Saucer Country: gran concepto, mala ejecución

Vértigo es un sello que parece condenado, sobretodo desde la salida de Karen Berguer, y eso me entristece. Otra cosa que también hunde mi humor es leer un cómic con una premisa más que interesante pero que falla en su ejecución, en los pequeños mecanismos que deben hacer avanzar la historia. Enterarse de que dicho cómic no tiene posibilidad de reencauzarse ni salvarse pues ya tiene fecha de cancelación es como bailar al borde de la depresión.
Saucer Country es un cómic escrito por Paul Cornell y dibujado por Ryan Kelly que trata sobre una gobernadora de Nuevo México candidata a la presidencia de los USA que aparentemente ha sido abducida por extraterrestres. La idea de poner a un personaje con cierto poder y recursos en el centro de una trama de abducciones me parece muy interesante pero la guinda es el tratamiento de la mitología propia de los OVNIs. Cornell une todas las heterogéneas y disparatadas historias sobre platillos volantes, extraterrestres y sondas anales en un conjunto muy interesante dónde se explora la cualidad de lo real, los miedos y prejuicios, la paranoia y el misterio.
Lamentablemente, el diseño de personajes, los diálogos y la presentación de las sub-tramas no están a la altura de el high concept presentado por Cornell. Ryan Kelly hace un buen trabajo sin más con sus dibujos pero es el guión y su construcción donde falla Saucer Country.
En mi humilde opinión, la posibilidad de explorar esa nueva mitología contemporánea basada alrededor de OVNI's y extraterrestre, bajo constante influencia de los medios de comunicación y de las ficciones relacionadas, ya vale el precio de entrada pero la cancelación asegurada y el bajo nivel del guión complican las cosas.

Killing Them Softly o la adecuada ausencia de lo sutil

Como casi todo ser humano, soy un ente contradictorio: me gusta la fantasía y la ciencia ficción, lo dulce y lo salado, las rubias y las morenas... En el cine, a veces me gusta que el tema o mensaje de la película sea sutil y difícil de señalar, y a veces prefiero que sea tan directo como un puñetazo en la cara. Killing Them Softly quizá no es tan directa como un puñetazo pero sin duda es un buen tortazo.
Protagonizada por Pitt, Gandolfini y Liotta entre otros; dirigida y adaptada por Andrew Dominik, Killing Them Softly cuenta la historia de una grave crisis entre los mafiosos de Boston. Años atrás, uno de los mafiosos robó a los demás y aunque el asunto acabó diluyéndose, todo el mundo sabe quién fue el culpable. Aprovechándose de eso, unos criminales de poca monta deciden volver a robar a los mafiosos, sabiendo que la culpa recaerá en el mafioso. Ahí entra en escena el personaje de Pitt, un tipo que se ocupa de arreglar problemas contratando sicarios o haciendo el trabajo sucio él mismo.
Esta historia relativamente sencilla, cobra vida gracias a unos diálogos muy logrados y de gran verosimilitud, un diseño de personajes espectacular y una dirección atenta, capaz de usar montajes paralelos, cámaras lentas y otros recursos en su justa medida. Por supuesto, los actorazos que se pasean por Boston también tienen gran parte de culpa.
La historia está ambientada en el 2008, durante la campaña electoral en la que Obama desbancó a Bush en la presidencia de los USA en plena crisis económica. Ya sea a través de la radio o la televisión, oímos constantemente los discursos de ambos políticos aunque ningún personaje se haga eco de ellos o los comente hasta la última escena de la película. Gracias a esos injertos sacados de los discursos reales, se hace obvio que la historia de mafiosos de Killing Them Softly es un paralelismo con la terrible crisis económica que nos atenaza, una crisis creada por ladrones a los que sólo les importa el dinero. Parte de la gracia reside en que no es una historia espejo en la que cada personaje toma el lugar de una persona real pero el fondo, las motivaciones, los mecanismo que usan los personajes y su manera de hablar es muy similar.
Killing Them Softly es una película muy interesante y muy bien ejecutada por méritos propios. Si luego añades ese punto de convergencia con la situación actual de este nuestro planeta, se convierte en una obra que yo calificaría de excelente.

Utopia o surreales conspiraciones británicas

Utopia es definitivamente la grata sorpresa de este inicio de año. Se trata de una serie británica sobre 5 individuos que se ven atrapados en una conspiración a gran escala que gira alrededor de un manuscrito secreto. Este brevísimo resumen no sirve, ni remotamente, para hacerse una idea de qué tipo de serie os estoy hablando. Utopia es una serie sobre el surrealismo, sobre el absurdo, sobre el control y sobre nuestra sociedad. Una buena manera de definirla sería mezclar el estilo ambiguo y extraño de Twin Peaks con la trama de Rubicon. De hecho, el motor de la serie no es descubrir el gran misterio o al villano tras las cortinas; aunque por supuesto nos tientan con esa información, lo que a mi me ha atrapado es ver cómo evoluciona esta trama y personajes tan poco convencionales.
Si la originalidad y frescura de la trama, personajes y sus diálogos no fuera suficiente. Utopia logra una apreciada pero poco habitual identidad propia basada en una fotografía de colores muy saturados, una banda sonora atmosférica y una dirección consciente y pausada. Utopia es una serie arriesgada que decide saltarse descaradamente las habituales reglas del juego para recrear emociones e ideas que muy pocos productos audiovisuales, y menos aún que aparezcan en televisión, consiguen reproducir.
Básicamente, sin más rodeos y usando esa arrogante palabra con limitada y menguante credibilidad, Utopia es arte. Más que recomendada.

Seven Psychopaths o los anhelos de los locos

Marty McDonagh, responsable de la interesante In Bruges, es el escritor, co-productor y director de Seven Psychopaths, una película sobre la amistad y la creatividad en Hollywood. Colin Farrel es el protagonista-conductor de una historia en la que su personaje, un guionista atascado en un guión meramente abocetado, sirve como centro de gravedad alrededor del cual giran el resto de pintorescos personajes. Los tres que reciben más atención están encarnados por Woody Harrelson, Sam Rockwell y Cristopher Walken, sin duda las estrellas de la función.
Seven Psychopaths se construye a partir de un guión claro y muy bien estructurado que maneja los largos diálogos tan bien como las escenas más visuales para hacer una ácida y divertida sátira de los arquetipos del thriller mientras ilustra los deseos y motivaciones de personajes extravagantes aunque familiares. El guión incluye también una pizca de metaficción que mezcla las tribulaciones del guionista de Adaptation con la pasión por las historias de Pulp Fiction (mención especial a la historia de fría y lenta venganza).
Parece mentira que sea tan fácil hacer una película que, sin ser una obra maestra del cine, resulte interesante, original y digna de recordarse. Sólo se necesita una dirección mediana, sin exagerados aspavientos; un guión alejado de las ideas corporatizadas y las tramas creadas por comité; y unos cuantos actores de talento. Aún así, por fácil que parezca, hay muchos que siguen sin darse por aludidos.

Spec Ops: The Line o más seriedad en mi shooter militar

Spec Ops: The Line es un juego curioso que se acerca lo justo al machacado género que es el shooter militar para marcarse una variación interesante e inteligente. En vez de usar la clásica vista en primera persona, SOTL hace uso de la tercera persona y del sistema de cobertura de juegos tipo Gears of War. El juego también incluye dos acompañantes que luchan a tu lado con una AI bastante decente pero cuya contribución más importante sucede en la trama y tono del juego. La última característica que hay que conocer para hacerse una idea precisa de la jugabilidad de SOTL es el uso de la arena. El juego está ambientado en una Dubai devastada por la guerra y por una terrible tormenta de arena que casi ha sepultado ese oasis de cristal y acero en medio del desierto. Así, la arena acumulada en techos de cristal o tras grandes ventanales puede ser usada para sepultar enemigos o para distraerlos.
Básicamente, esos son los pilares de jugabilidad de SOTL y con ellos consiguen que disparar a enemigos a través de los múltiples niveles del juego sea divertido. ¿Qué más se puede pedir? Pues se pueden pedir muchas cosas y los chicos de Yager Development lo saben. En los últimos años, los shooters militares han apostado por tramas hollywoodienses repletas de set-pieces y escenas preparadas tan espectaculares como sea posible. En cambio, SOTL ha apostado por un setting exótico e interesante, un Dubai arrasado, y han añadido una trama emotiva y personal sobre las barbaridades de la guerra.
No voy a decir que Spec Ops ha conseguido reinventar el género ni que se trata de una obra maestra pero es claramente superior a los últimos Call of Warfighting sin ninguna duda y, a pesar de no ser muy fan de los shooters con sistema de cobertura, puedo decir que he disfrutado y lo recomiendo a todos los amantes de FPS, TPS y otros juegos belicistas.

Cloud Atlas o el entramado de historias

Cloud Atlas es la última película de los hermanos Wachowski junto con Tom Tykwer y está basada en la novela homónima de David Mitchell. Cloud Atlas es una de esas películas que cuentan varias historias situadas en diferentes espacios y tiempos. En la novela original, el cemento que unía todas estas historias es la propia acción de leer u observar la historia de otros; cada uno de los protagonistas lee u observa la historia anterior en una cadena en la que el lector es el último eslabón. Esa interesante estrategia para unir las distintas historias es inaplicable en la película, que procura unir las historias mediante vínculos temáticos, visuales y musicales que no llegan a tener la misma fuerza.
Aún así, las 6 historias tienen cierto valor de manera individual aunque no llegan a explotar en ningún momento. Personalmente, por cuestión de gustos, he disfrutado mucho de las dos últimas, que podrían clasificarse en ciencia-ficción y post-apocalíptico respectivamente. La historia del asilo para ancianos resulta divertida pero al resto les falta algo más de gancho para atrapar al espectador.
Cloud Atlas dura tres horas y a pesar de ello, consigue entretener durante todo el metrage. La pena es que todas esas historias juntas no consigan ser más que la suma de sus partes. Este tipo de entramados de historias variopintas me gustan e interesan pero a Cloud Atlas le falta más potencia en los hilos que la conforman.

The Walking Dead S03 empieza fuerte

Este año, como no me veo manteniendo la regularidad que se merece, no voy a escribir el artículo semanal de The Walking Dead pero sí me gustaría comentar el gran arranque de temporada. De momento, han estrenado tres episodios y todos ellos han sido interesantes. El primero de todos empezó con una larga secuencia sin diálogo que, personalmente, me encantó.
En esta tercera temporada, Rick y los demás han llegado a una localización clave en los cómics y es de esperar que pasen toda la temporada, quizá más, en la famosa cárcel que pudimos atisbar al final de la segunda temporada. Los guionistas han tomado la buena decisión de hacer pasar unos meses entre temporadas, de manera que vemos cierta evolución en el grupo de supervivientes. Rick es mucho más "dictatorial", su mujer está mejorando su actitud, Daryl sigue integrándose poco a poco... Ninguna queja por ese flanco.
Tras breves vistazos en los dos primeros episodios, Andrea y Michonne consiguen el protagonismo que merecían en el tercer episodio en el que también aparecen un par de personajes nuevos, muy bien escritos e interpretados. Por desgracia, tengo una espinita clavada con Michonne. En los cómics es uno de los personajes más interesantes pero en la serie, al menos de momento, resulta un poco plano. Quizá es porque la actriz no tiene mucho material con el que trabajar, habrá que esperar y ver.
En general, podemos estar contentos con The Walking Dead. a mi entender, están manteniendo un estándar de calidad bastante elevado, los episodios son entretenidos y las audiencias acompañan lo suficiente para que la fe en la continuidad de esta serie esté justificada. Long live to zombies!

Aro Tolbukhin: en la mente del asesino o extraña ficción documental

Aro Tolbukhin pertenece a ese peculiar género que es el falso documental. He puesto "extraña" en el título porque incluso dentro del campo falso documental, los directores y guionistas Agustí Villaronga, Lydia Zimmermann y Isaac P. Racine toman una serie de decisiones que complican mucho la definición y categorización de esta película. Como ya adelanta el título del film, este falso documental pretende abrir las puertas de la mente de un perturbado asesino acusado de quemar vivas a 7 personas y que posteriormente confiesa el asesinato de 17 mujeres más.
Aro Tolbukhin está compuesta por imágenes de archivo reales o muy bien falsificadas (indígenas viviendo en las junglas de Guatemala, la guerra y las guerrillas...), imágenes de archivo falsas en las que aparecen los protagonistas de la historia (el propio Aro y una monja con la que establece cierta cercanía), unas entrevistas a estos mismos protagonistas y una amplia cantidad de recreaciones. Estas recreaciones resultan confusas pues, al contrario de lo que suele suceder en la gran mayoría de documentales falsos y verdaderos, construyen escenas muy cinematográficas e íntimas, poco objetivas. De hecho, más que recreaciones parece que en Aro Tolbukhin se mezcle el falso documental de una historia concreta con una adaptación para ficción de esa misma historia.
Cosas raras aparte, la realización de Aro Tolbukhin es sutil y muy eficaz. Los actores pasan por los personajes reales que representan y hay ciertas secuencias de gran poderío emocional. A pesar de estos logros, el regusto final que se me quedó tras ver la película se basa principalmente en esa extraña complejidad que avanza sin rumbo exacto.

Insomnia: el thriller y la culpa

Insomnia es el título original de una película noruega de 1997 así como lo es de su remake yanqui en 2002. La película que vi ayer es el remake, dirigido por el aclamado Nolan tras la fantástica Memento y protagonizada por Al Pacino, Robin Williams y Hillary Swank. Como Twin Peaks, Insomnia empieza con el asesinato de una joven en un lugar remoto, en este caso es Alaska. Huyendo de ciertos problemas con Asuntos Internos, dos detectives de Los Angeles llegan al lugar para echar una mano a los policías locales del lugar. Todo el asunto se complica cuando, perdido en la niebla, uno de los detectives dispara al otro y decide encubrir el accidente.
Aunque Insomnia no es uno de esos thrillers sorprendentes y originales con giros impredecibles, se trata de un película realizada con mucho mimo, cuidado por los detalles y una factura general de muy alto nivel. No se trata de dar brincos en el sofá sino de contemplar la gran dirección de Nolan y las interpretaciones sosegadas de Pacino haciendo de astuto policía torturado (un papel que le hemos visto hacer cientos de veces y que siempre clava) y Williams haciendo de astuto escritor desequilibrado (Robin Williamas hace muy bien de loco). Swank tiene un papel bastante reducido en comparación y con mucha menos chicha que los otros dos. Por su parte, Cristopher Nolan consigue que las dos horas de película pasen con fluidez, mezclando imágenes subjetivas y oníricas para meternos en el pellejo de los personajes y sembrando toda la información con sutileza y claridad. Insomnia es el tercer film de Nolan y fue el primero que dirigió para la Warner Bros. Es una suerte que el gran talento que demostró en sus primeras y más humildes producciones no se haya diluido al sumergirse de lleno en las turbias aguas de la gran industria hollywoodiense. Se conoce que el próximo proyecto de Nolan es Man of Steel, la próxima película de Superman, dirigida por Zack Snyder, donde Nolan ha hecho las veces de productor y guía espiritual. Si Marvel ha hecho bien en poner su universo cinemático en las manos de Joss Whedon, DC no se ha equivocado eligiendo a Nolan para que lleve las riendas del suyo.

666 Park Avenue o entre el cielo y el suelo

666 Park Avenue es la nueva serie del gran Terry O'Quinn, más conocido como John Locke por losties de aquí y allá, para la ABC. Los protagonistas de esta serie son una pareja joven que consiguen un trabajo como encargados de mantenimiento de un gran y lujoso edificio de apartamentos. El giro sobrenatural es que el edificio parece estar poseído y su dueño, Terry himself, se dedica a tramar tentadores pactos como si fuese un demonio clásico.
Una vez más, lamento que el formato escogido por esta serie sea el de los episodios de tramas autoconclusivas más el obligado arco mitológico de temporada. Siguiendo con las tendencias contagiosas, las tramas episódicas son las menos interesantes de todas y corren el riesgo de hacerse inverosímiles pues sus protagonistas, hasta el momento, han sido siempre habitantes del dichoso edificio, el Drake. En cambio, el misterio central de la serie tiene mucho potencial y amplia capacidad para crecer con conflictos místicos entre las fuerzas del bien y del mal.
Para mí, el atractivo principal de esta serie, además de explorar los aspectos mitológicos del Drake, es disfrutar de la interpretación de Terry O'Quinn del diabólico y sibilino dueño del edificio. Este calvo sexagenario tiene la capacidad de imprimir un punto humanitario al personaje incluso cuando se dedica a condenar almas. Por otro lado, no hay otro capaz de dibujar esa sonrisa tan rematadamente amenazadora y arrebatadora. El otro personaje que llama la atención es la mujer de diablo, interpretada por Vanessa Williams, que parece que apoya y sigue el juego de su marido pero que esconde sus propios secretos. El resto de personajes, incluidos los dos protagonistas, son bastante más planos aunque la verdad es que  no han tenido mucho material para brillar.
666 Park Avenue es otra serie de misterio con tintes sobrenaturales que pretende atrapar a las grandes audiencias igual que Terry O'Quinn hace con los habitantes del Drake. El tiempo dirá si lo consigue.

Vegas: mafiosos contra cowboys

Tras la cancelación de No Ordinary Family, Vegas supone el retorno del gran Michael Chiklis aka Vic Mackey al mundo de la televisión en el papel protagonista de Vincent Savino, un mafioso de Chicago que llega a Las Vegas para poner orden. En la otra esquina del cuadrilátero tenemos a Dennis Quaid como Ralph Lamb, un ranchero reclutado por el alcalde para ejercer de sheriff y limpiar la ciudad. El ring también es importante en sí mismo pues no se trata de la ciudad que conocemos sino una representación, imagino que bastante fiel, de lo que era Las Vegas en 1960. Hasta el momento, dos episodios, 1960 no se diferencia mucho de 2010 más allá de la inútil lucha por evitar que la ciudad se coma el campo y los ranchos.
A diferencia de otras series, los dos episodios que he visto no me bastan para emitir un juicio categórico sobre esta producción aunque así, a primera vista, es interesante, entretenida y no te hace sentir estúpido. Entre los secundarios tenemos a Carrie-Anne Moss aka Trinity y al padre de la defenestrada Terra Nova pero sin duda, la estrella del show, muy a pesar de guionistas, directores o Dennis Quaid es Chiklis. El problema de tener una única estrella es que difícilmente va a ser capaz de cargarse toda la serie sobre los hombros para llevarla hasta las puertas del éxito.
Personalmente, tengo un interés muy subjetivo en esa época concreta de la historia de los USA y eso ya me tiene convencido para verla, pero me temo que a Vegas le va a faltar una pizca extra de varios ingredientes, sobretodo tramas y desarrollo de personajes, para llegar a alcanzar las cotas de calidad a las que aspira. Veremos si con el transcurso de los episodios, Vegas es capaz de crecer o si por el contrario se queda agarrada a lo establecido en estos dos primeros episodios.

Adiós a los cascos con cuernos

Hace poco llegó a las librerías especializadas el último tomo de Northlanders, la serie de Vertigo creada por Brian Wood sobre vikingos. Cuando digo último lo digo de verdad, el tomo llamado La Trilogía Islandesa es y será el tomo final de esta serie que no ha disfrutado de los laureles que merecía. Northlanders no ha llegado a convertirse en la gran serie que vaticinaba sus primeros números pero siempre ha mantenido un nivel de calidad bastante elevado basada en la fidelidad histórica, personajes potentes y complejos y, por supuesto, vikingos. Como con los ninjas, si añades vikingos a casi cualquier cosa, siempre mejora.
La Trilogía Islandesa explica la historia de la colonización de esa isla helada por parte de los vikingos que escapan de la unificación de Noruega. Brian Wood cubre una franja de unos 400 años dando todo el protagonismo a un clan ficticio que lucha por imponerse en la isla del hielo.
Mi gran decepción personal y subjetiva con esta serie es que Wood decidiera construir una serie de relatos separados entre sí en vez de unificar todas las ideas, personajes y hechos históricos en una única y gran historia. Obviamente, no habría sido posible contar las variopintas historias que Wood ha narrado en los 50 números de esta serie pero la posibilidad de seguir a un clan o una población vikinga a través de los siglos me resulta mucho más atractiva que la desconectada suma de relatos interesantes pero inconexos que ha acabado siendo Northlanders.
El rasgo más significativo de esta serie es la fidelidad histórica y todo aquel que se sienta mínimamente interesado por el extraño y frío mundo de los vikingos debe leer Northlanders. Aprender es bonito.

La Chispa de la Vida o exageraciones de una sociedad enferma

Álex de la Iglesia es uno de mis directores españoles favoritos gracias a películas como Acción Mutante, El Día de la Bestia y 800 Balas. La Chispa de la Vida, protagonizada por José Mota y Salma Hayek, es la última película que ha dirigido aunque ya está con las manos en otra masa. El rasgo por el que más aprecio a este horondo y genial cineasta es su dedicación a hacer sus propias películas. Cierto es que de vez en cuando le ha dado por probar cosas distintas, como hizo en los Crímenes de Oxford, pero aparentemente siempre sigue el camino que dictan sus pies; igual que Wes Anderson, por cierto.
La Chispa de la Vida cuenta la historia de un publicista en paro que en su día disfrutó de los laureles del éxito gracias a la campaña de Coca-Cola homónima pero que hoy en día vive al borde de la quiebra y la desesperación. Cuando su último intento de conseguir trabajo sale mal, Roberto visita el hotel donde pasó la luna de miel con su esposa, Luisa. Por desgracia el hotel ya no existe pues han encontrado las ruinas de un anfiteatro romano y Roberto tiene la mala suerte de caer y clavarse un hierro en la cabeza. Pronto, una marabunta de prensa, médicos, bomberos, políticos y curiosos se reúne alrededor de Roberto, que no puede ser trasladado al hospital por la gravedad de la herida.
De la Iglesia utiliza el recurso de la exageración mostrar varias facetas de ésta decadente sociedad nuestra, donde el morbo, la fama y el egoísmo encuentran el caldo de cultivo perfecto para crecer sin límite ni control. Técnicamente, la película es más que correcta y tiene un buen guión. Como muchas otras películas de De la Iglesia, no es una comedia al uso aunque está plagada de momentos cómicos, negros como el azabache la mayoría de ellos. Para mí, la mayor sorpresa del film es la interpretación de José Mota, con el que disfruto bastante en sus gags y sketches pero que en esta película cumple con nota en en otros aspectos más dramáticos y sutiles.
A pesar de todos los puntos positivos, a La Chispa de la Vida le falta esa pizca de genialidad y brillantez que tienen otras de sus películas y que tan difícil es de definir o encontrar. Esta película no es otra obra maestra que añadir a la filmografía de nuestro querido director vasco pero sin duda se trata de una buena e interesante película que española que deja en ridículo a muchas de las películas yanquis con las que nos bombardean semana tras semana.

Moonrise Kingdom o el sueño de una escapada

Wes Anderson es uno de esos directores que ha decidido no subirse al carro de las grandes producciones hollywoodienses para seguir haciendo exactamente las películas que quiere hacer. Sus films tienen siempre ese toque casi ceremonial que atestigua la presencia de verdadero amor por el cine.
Moonrise Kingdom cuenta la historia de un niño y una niña que deciden escapar juntos así como la de los adultos que intentan encontrarles. Por supuesto, como sucede con las buenas películas, el resumen no cuenta nada en realidad así que luego dejaré el trailer. El verdadero meollo de la película está en una realización muy personal y en unos actores sutiles e interesantes. Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray y el resto de actores "estrella" brillan como no pueden hacerlo en los blockbusters yanquis pero las estrellas supernova de la película son Jared Gilman y Kara Hayward. Ambos interpretan a los niños protagonistas con una calma maravillosa, con un punto adulto en sus conversaciones y una energía que sin duda llega al espectador.
Después de ver miles de películas sin identidad, industrializadas en todos sus procesos, se agradece profundamente sentir la visión particular de un director que no sigue lo patrones establecidos sino que se apoya en aquellas herramientas concretas que le sirven para esta película en concreto: ese narrador extraño que augura el desastre, la fotografía brumosa y desaturada, el ritmo, la ambigüedad...
Por otro lado, Moonrise Kingdom no cae en la trampa de la inaccesibilidad ni resulta pretenciosa en ningún momento. La película se disfruta sin aburrirse ni enfadarse, no quiere ser una obra de arte sino entretenimiento del bueno, del que te hace pensar y que, de vez en cuando, te pone de puntillas en la cuerda floja esperando que Anderson no sea capaz de enseñarte según qué cosas.
¿Podéis imaginar que sucedera si absolutamente todas las películas: adaptaciones, secuelas, pelis de acción o comedias románticas si hicieran con este cariño y personalidad? Sería tan bonito...