Informe de estado televisivo prevacacional

Parte de la culpa por la falta de artículos diarios en este blog recae en el Skyrim, cuya presa sobre se está relajando. Otro tanto por cien de esa culpa dividida tiene que ver con mi escapada a Valencia en pocos días para ejercer por segunda vez en mi vida de coordinador en unos campamentos.
A pesar de todo, he decidido escribir un último artículo antes de irme para comentar el estado de las series de televisión que estoy siguiendo ahora mismo así que vamos al turrón.
TERRA NOVA: No surprises here. Desde el piloto, la serie se ha desarrollado exactamente como predije, a base de episodios autoconclusivos que, a su vez, han desvelado lentamente los componentes de una trama principal un pelín floja. A estas alturas, sólo un milagro podría reencauzar esta serie en algo realmente digno de ver. Personalmente, dudo mucho que ese milagro suceda, pero como hay dinosaurios pues ahí sigo.
HELL ON WHEELS: Evidentemente, HoW sigue muy lejos de Deadwood y sus posibilidades de alcanzarla son más bien escasas. Aún así, este western está apuntando maneras y pese a no llegar a los niveles de excelencia de Deadwood, Hell on Wheels es una serie muy entretenida y única en su género en televisión.
HOMELAND: Sin duda, la mejor serie de televisión del momento, Homeland sorprendió a propios y extraños con unos primeros episodios de alta calidad que desafiaron todas las espectativas que uno pudiera tener. Ahora, a un episodio del final de la primera temporada, parece que nuestras oraciones han sido escuchadas pues nos encontramos ante una de las mejores producciones del género en mucho tiempo. En todos estos episodios, Homeland ha tenido tiempo de bascular levemente y dar algún mal paso pero, en general, no ha dejado de sorprender con sus tramas y maravillar con sus personajes, muy bien construidos y mejor interpretados. En fin, si tienes que escoger sólo una serie más, no lo dudes, Homeland.
BOARDWALK EMPIRE: Nada ha cambiado en Boardwalk Empire. Productores, directores, guionistas, actores y demás elementos que convierten esta serie en realidad, todos ellos hacen un gran trabajo en la última serie original de la HBO. Aún así, como ya he comentado en otras ocasiones, hay algo que falla. Un pequeño mecanismo conectado a el resto de los engranajes que no me deja engancharme y apasionarme como otras veces me ha pasado con otras originales de la HBO. Lo que me jode, es que aún no he identificado completamente el pequeño mecanismo averiado.
ONCE UPON A TIME: Justamente el último episodio de esta serie fantástica fue uno de los mejores de lo que va de temporada pues por fin se atrevieron a lanzarse de cabeza al meollo propuesto por la premisa inicial: un personaje secundario empezó a recordar su "otra vida" y pagó muy caras las consecuencias. Once upon a time pretende ser el próximo bombazo televisivo pero me temo que a pesar de ser entretenida e interesante, le faltan un par de elementos clave para acabar de enganchar a todos esos espectadores que se sientan a disfrutar de la serie sin acabar de sumergirse por completo es su propuesta.
DEXTER:  Se conoce que un episodio malo de Dexter es generalmente mejor que la mayoría de episodios de la mayoría de series. Así, aunque siempre es un placer ver a Michael C. Hall en pantalla, esta temporada es la más floja hasta la fecha. Imagino que tras 6 temporadas, es fácil caer en la tentación de los simples trucos y tropezar en piedras que ya habían sido salvadas. Por suerte, Dexter es Dexter.
MISFITS: Llenar los zapatos de Nathan no es tarea fácil pero no podemos achacar el descenso en calidad y diversión a Rudy, quien tiene sus momentos, sino al muy común síndrome de la repetición que ataca a toda serie de episodios autoconclusivos con un freak semanal. Misfits tiene que ser valiente y dar el salto al formato serial. Mientras no lo hagan, muchos de sus episodios parecerán forzados y maniqueos.

Fright Night o el moderno vampiro clásico

Una vez más acometo el comentario de un remake sin haber visto la película original pero teniendo en cuenta el clásico argumento que dice que cada película debe sostenerse por si misma, me encuentro en la posición ideal para opinar sobre Fright Night sin verme condicionado por la brillantez de la película original o su ausencia.
Fright Night cuena la historia de un chaval que descubre que su vecino es en realidad un terrible vampiro asesino. A contrareloj, el protagonista deberá poner a su madre y novia a salvo, conseguir la ayuda de un supuesto especialista y trazar el arriesgado plan que acabe con su vecino de pesadilla.
La película pertenece a ese género que mezcla comedia con terror y que en este caso sirve para devaluar ambas propuestas de manera que ni hay muchas carcajadas ni muchos sustos. Sólo un poquito de cada.
Lo que más me ha gustado de la película es ese tono a relato clásico modernizado. La trama de la película es similar a tantas otras pelis de vampiros en blanco y negro e incluso el final resuena con los ecos de miles y miles de chupasangres, sus criptas secretas, sus seguidores y sus clásicas debilidades.
Aparte de este efecto melancolía y del tirón mediático de Colin Farrell, Fright Night no tiene mucho que ofrecer, otra sencilla oferta de cine entretenimiento diseñada específicamente para atraer a teenagers varios durante el fin de semana.

Real Steel o el Rocky de los metales blandos

Real Steel, una de las últimas películas del taquillero Hugh Jackman es una especie de adaptación de Rocky aumentando la cantidad de decibelios gracias a la substitución boxeadores por robots boxeadores y reduciendo la complejidad e interés en el resto de campos. Incluso la trama, de boxeador en horas bajas a retar al campeón, se sucede prácticamente igual que en la mejor película de Stallone, añadiendo solamente la relación padre-hijo que sustituye la historia de amor de Rocky. No nos equivoquemos, la historia de amor está, de ahí el "añadiendo", pero es uno de esos complementos clásicos de Hollywood y sigue tan vacío como siempre.
El único aspecto que ha mejorado es la espectacularidad pues los combates entre los diferentes merchandising, perdón, digo robots boxeadores, tienen el sello de calidad técnico también clásico en las grandes producciones. Lo del merchandising tiene su coña porque durante la película ves más a menudo, el logo de HP, ordenadores y tal, que el de Real Steel, el nombre del famosísimo torneo de robots boxeadores que da nombre a la película. Por otro lado, actores hacen lo que pueden y el niño tiene su gracia pero los papeles son meros figurines y no dan para más.
Tras haber leído varias veces seguidas lo de robots boxeadores seguro que la combinación de palabras empieza a sonarte rara. Es normal, lo de los robots boxeadores es digno de un cómic de El Bruto y aunque la película consigue que te lo tomes más o menos en serio, enseguida queda claro que Real Steel no pretende más que entretener con sus combates llenos de CGI. Por un momento parece que director y guionistas se plantearon abordar el tema típico de ciencia-ficción sobre robots que adquieren consciencia pero al final todo se queda en la imitación de los movimientos. Imagino que eso hubiera quitado protagonismo a Hugh.
En fin, entretenimiento palomitero para noches de domingo 100% sin adulterar. Aquellos con fobias o alergias, se pueden ir retirando.

Némesis: con el escándalo por bandera

Recientemente, he leído el famoso Némesis de Mark Millar. Su celebridad, más allá de la propia fama que ostenta el autor, se debe a una declaraciones un tanto polémicas que emparentaron al personaje de nuevo cuño con Batman y el Joker, nada más y nada menos. Hay que admitir que la premisa del cómic y personaje homónimo se podría resumir tal y como él lo hizo: ¿Qué pasaría si Batman fuera el Joker? O lo que es lo mismo, vamos a crear a un personaje tan rico y con tantos recursos y habilidades como Batman con la mentalidad psicópata de los más viles villanos. De hecho, los paralelismos con Batman se suceden uno tras otro.
El resultado es un cómic que prefiere sorprender y escandalizar a sus lectores para generar una lectura entretenida, que lo es, antes que explorar cualquier faceta más compleja que pueda surgir de la premisa establecida. Némesis es un hijo de su padre, Millar, quien ya puso a un villano como protagonista en Wanted, así que no esperaba más que lo que he encontrado, una lectura adecuada para pasar el rato y que permite disfrutar del espléndido arte de McNiven que sólo flojea en pocas viñetas aunque casi siempre sea con los rostros de los personajes.
Los seguidores de Millar seguro disfrutarán de este cómic y aquellos prejuiciosos que digan que los cómics son para niños alucinarán con algunos de los momentos de Némesis. El resto pueden disfrutarlo a aborrecerlo según costumbres y aficiones varias. Lo que está claro es que a estas alturas, uno ya sabe lo que va a encontrarse.

Kiss Kiss Bang Bang: el humor es más fuerte que la tragedia

Kiss Kiss Bang Bang sería una película de cine negro con todos sus ingredientes: narrador en off, tragedias, perdedores, chicas guapas, violencia, muerte... si no fuese por el profundo baño de comedia que lo impregna y cambia todo.
Esta película, escrita y dirigida por Shane Black, cuenta la historia de Harry (Robert Downey Jr.), un ladrón de poca monta que, tras un giro del destino, se encuentra en Los Ángeles a punto de convertirse en el próximo actor estrella hasta que presencia un asesinato en compañía de un detective privado gay (Val Kilmer). La aparición del amor de su infancia y su relación con el caso no hará más que complicar las cosas para el pobre Harry. Como he dicho, la trama es una clásica y elaborada trama de misterio típica del cine negro.
Aparte de la trama y de algunas características como el narrador en off, el resto de elementos de la película no pertenecen al género negro sino a la comedia negra con toques de metaficción en tanto que el protagonista se dirige al espectador en varios momentos. Curiosamente, Shane Black consigue que esta mezcla de comedia negra funcione muy bien en el marco del cine negro, gracias a las interpretaciones de Downey y Kilmer que bordan sus respectivos papeles. Kiss Kiss Bang Bang es una apuesta arriesgada que funciona mejor de lo que parece y que entretiene sin resultar estúpida ni engreída. Hoy en día, eso es una hazaña nada desdeñable.

Bunraku o un cuento de acción

Mezclar el spaguetti western con las películas de samurais no es un alarde de originalidad pues esa combinación ya se ha ejecutado en sus muchas formas: por inspiración (Los 7 samurais - Los 7 magníficos) o directamente por fusión (Sukiyaki Western Django o The Warrior's Way). Bunraku pertenece a este segundo grupo de películas y está muy próxima a Sukiyaki en concepto y estilo.
La historia de Bunraku es sencilla pues no es más que un marco en el que encajar el resto de elementos. Un misterioso cowboy y un honorable samurai llegan a una ciudad controlada por una banda de maleantes al servicio del Leñador, jefe mafioso local, en un mundo en el que tras una terrible guerra, las armas de fuego han sido prohibidas. Gracias al Barman, ambos personajes asaban por encontrarse y unen sus fuerzas para acabar con el Leñador. Como veis, es la clásica historia del forastero(s) que llega para salvar el pueblo del malo de turno.
El resto de elementos que he mencionado antes compone una larga lista de inspiraciones, homenajes y filias varias que el director y guionista Guy Moshe ha querido plasmar en la película y que van desde el curioso e interesante apartado artístico (la ciudad, localizaciones, escenarios y transiciones tienen un look inspirado en el papier-mâché utilizado en el bunraku, un tipo de teatro de marionetas japonés) hasta las muchas y variadas secuencias de acción (¡el plano secuencia del asalto a la prisión con musiquita de videojuego mola!). La cantidad y heterogeneidad de estos elementos hace que algunos de ellos, como la presencia de una supuesta Femme Fatale o algunos diálogos llenos de filosofía barata, se diluyan y pierdan fuerza pero, en general, sirven para componer un cuadro pintoresco que entretiene en casi todas sus escenas.
A Bunraku le faltan varios hervidos para convertirse en una de esas películas de acción cuya calidad es indiscutible incluso entre los detractores del género pero no deja de ser una apuesta interesante y de mayor calidad que la mayoría de chuscos con los que suelen agraciarnos los que se dedican a las películas de acción.

Uruloki: la página esencial sobre cine de género

Desde que quité la reducida y obsoleta mini sección de links del blog, siento de vez en cuando que tengo una pequeña deuda para con todas las páginas web que miro a diario y que no sólo me proveen de la tan ansiada información sino que me inspiraron y me inspiran a seguir y mejorar mi propio blog. Así, hoy quiero dedicar el artículo de hoy a Uruloki, la mejor página española para estar al día de todas las noticias sobre cine de género (siempre que uso este concepto me refiero a la ciencia-ficción, fantasía y acción). Por si no me habían ganado con sus actualizaciones diarias y repletas de datos, el nombre del blog es un homenaje a Tolkien y eso siempre da puntos.
Los que se decidan a visitarlo hoy, podrán disfrutar de una bonita entrevista a Nacho Vigalondo, el director de Extraterrestre además de todo el resto de noticias de la semana. Si ya conocías Uruloki, brindemos por ello. Si no lo conocías, ya me lo agradecerás más tarde.

Joe el Bárbaro o Alicia en el mundo de los cómics

Los lectores de cómics se pueden en dividir en dos grupos claramente diferenciados, los que opinan que Grant Morrison es un gran guionista y los que opinan que es un petardo. Yo, sereno y moderado como pocos, soy uno de los afortunados lectores capaces de aguantar de puntillas en el filo de la navaja y mantener una opinión abierta y templada sobre el autor escocés. En fin, vamos a dejarnos de rodeos que hay un cómic que comentar.
Como explicó el guionista, Joe el Bárbaro es su versión de la mezcla entre El Señor de los Anillos y Alicia en el País de las Maravillas aunque, como ha quedado patente en el título, a mí me parece una historia mucho más cercana  a la novela de Carrol que a la de Tolkien.
Joe the Barbarian cuenta la historia de un chaval con diabetes que sufre una crisis que le produce unas alucinaciones relacionadas con lo que le sucede en el mundo real: si se deja un grifo abierto en la fantasía aparece un río, un perro entra en su casa y un monstruoso cerbero les ataca en la alucinación. Esa relación entre realidad y fantasía es quizá el punto más flojo aunque es probable que se deba a mis altas espectativas en ese tema concreto. Siendo Morrison, esperaba que los momentos finales del cómic revelaran un giro sorprendente donde la interacción entre las alucinaciones provocadas por la falta de azúcar y los problemas de la vida real del teenager fuese algo más que un reflejo.
Durante el desarrollo de la trama, disfruté de algunos personajes divertidos y originales, localizaciones imaginativas y recursos utilizados con habilidad pues aunque Joe the Barbarian no sea la obra más rompedora de Morrison, sin duda se nota que el hombre calvo tiene muchas tablas. En el apartado artístico tenemos a Sean Murphy cuyo dibujo, aunque en algún momento es un pelo demasiado caótico, define perfectamente a personajes y acción con un estilo muy adecuado para la heterogénea mezcla de paisajes fantásticos, momentos oscuros y secuencias épicas.
Resumiendo, Joe the Barbarian no es una compra obligada ni aunque seas un fan de Morrison pero si te gustan la historias basadas en mundos fantásticos y los Viajes del Héroe, disfrutarás de las aventuras del joven Joe.

Skyrim o Bethesda sigue buscando el RPG perfecto

Desde este artículo sobre el gran Fallout 3 hasta hoy Bethesda nos ha obsequiado con Fallout: New Vegas junto a Obsidian, otra gran entrada en la espectacular saga post-apocalíptica, y recientemente con Skyrim, el quinto juego de The Elder Scrolls, otra saga fantástica que sigue haciendo felices a los roleros de medio mundo. Resulta obvio que Bethesda sigue tras el RPG perfecto y aunque en cada juego parece dar un par de pasos atrás, sin duda también da una docena adelante.
Skyrim, como todos los Elder Scrolls, está ambientado en un mundo fantástico habitado por criaturas mágicas donde monstruos y héroes conviven con molineros, cazadores, nobles, sabios, comerciantes y pescadores. Skyrim es un juego que hace muchas y muchas cosas bien, demasiadas como para ponerme a enumerarlas pero que puedo intentar resumir. Skyrim ofrece un mundo muy muy grande que el jugador puede explorar a placer sin apenas límites y una libertad casi total para hacerlo de la manera que prefiera. Cada jugador puede escoger ser un personaje bondadoso, encantado de ayudar a los demás y decidido a enfrentar cada problema con una enorme hacha a dos manos; por otro lado, también es perfectamente viable encarnar a un malvado nigromante con ansías de poder o a un ladrón escurridizo que prefiere evitar cualquier enfrentamiento directo. El ancho mundo a explorar y la amplia libertad para hacerlo no serían cualidades tan notables sin la profunda y compleja interacción que el jugador tiene con cada uno de sus elementos y, más importante todavía, que éstos tienen entre sí. Una de las experiencias más satisfactorias consiste en relajarse y observar cómo una manada de lobos ataca a un ciervo o unos bandidos a un puesto fronterizo de manera completamente natural y no preparada: sencillamente unos se han cruzado en el camino de los otros y, a veces, estas cosas pasan.
Naturalmente, no todo es perfecto. Bethesda todavía tiene algunas asignaturas pendientes como la escasa profundidad del combate, la estúpida estupidez de la IA en algunas situaciones, los bugs y glitches que proliferan en sus juegos y alguna que otra cosa más que dedicados modders mejorarán poco a poco.
Supongo que mi entusiasmo es prueba de la aplastante superioridad de los pros frente a los contras de este gran juego así que dejaré aquí este comentario pero si os he picado la curiosidad, os sugiero que busquéis por la red algunas de las historias que los jugadores de todo el mundo están creando para sí mismos pues ellas dan fe de todo lo que he dicho.

Battlefield 3 o el Rey del Multiplayer

El título nobiliario de Rey del Multiplayer se lo pongo yo, pues otros jugones podrían nombrar otros juegos que en su opinión superan al recién llegado Battlefield 3; pero con varias horas de juego puedo afirmar que las grande batallas del Battlefield 2 han vuelto a nuestros PCs.
Battlefield 3 vuelve a ofrecer gigantescas batallas en las que los jugadores pueden usar todo tipo de vehículos (tierra, mar y aire indiferentemente) además de varias combinaciones de armas para abatir y vencer a los jugadores enemigos. Frostbite, el engine, vuelve a mostrar sus bondades en esta nueva versión mejorando más si cabe lo visto en Bad Company 2. Uno podría estar comentado las grandezas y los pequeños defectos del modo multiplayer de Battlefield 3 durante horas y horas, pero me limitaré a señalar que es la experiencia multijugador más variada, estratégica y divertida del mercado actual sin ninguna duda.
Por otro lado, la campaña es una decepción. En este modo, tan obligatorio según las leyes de los FPS actuales, DICE no consigue ofrecer una experiencia de calidad a pesar del esfuerzo que han dedicado a imitar el estilo del Modern Warfare. Probablemente ahí radique su mayor error pero hay que entender que el enorme peso de las pasadas ventas de la franquicia enemiga pesa mucho en las espaldas de los desarrolladores de videojuegos. Todavía no he jugado el modo cooperativo aunque es de esperar que se trate de un curioso y más o menos entretenido añadido al modo multijugador: núcleo, pilar y esencia de toda la saga Battlefield.
Ya sé que he escrito un escueto y poco detallado comentario de este gran juego ¡pero de algún lado tendré que sacar las horas para jugarlo!

Parábola: la unión de dos titanes

Stan "The Man" Lee y Jean "Moebius" Giraud son dos de los nombres más reconocidos en el mundo del cómic. Stan Lee es uno de los padres fundadores de la Marvel actual y especialista en cameos en cualquier producto relacionado con superhéroes. Moebius es uno de los dibujantes más influyentes y el responsable del apartado gráfico de El Incal, una obra maestra del cómic europeo. Hace ya varios años, ambos colaboraron en un cómic sobre Galactus y Estela Plateada que unió a estos dos grandes talentos en lo que ahora es un bonito tomo de tapa dura publicado por Panini Comics.
La trama de Parábola sucede en un universo paralelo, que es aquel lugar dónde van los guionistas cuando no quieren verse esclavizados por la famosa continuidad, y trata sobre la segunda visita de Galactus a la Tierra. En su primera visita, Galactus acabó por prometer no hacer daño a la humanidad y Estela Plateada se quedó a vivir entre nosotros. Esta vez, Galactus aparece como una figura divina que pretende desestabilizar a la humanidad para que se destruya a sí misma. La trama "religiosa" de Parábola pretende ser muy seria e importante y esa aspiración diluye ligeramente el resultado final pues nunca llega a las cotas de interna reflexión que Stan Lee, el encargado del guión, parece esperar. Las disertaciones filosóficas sobre religión, libertad, fanatismo y deber no son excesivamente potentes aunque el guión en sí mismo, diálogos y situaciones, está muy escrito e hilvanado. Antes de juzgar el aspecto literario con demasiada rigurosidad hay que tener en cuenta que he dicho "varios años" me refería al 1988.
Al mando de los lápices tenemos al maestro Moebius y aquí sí que no hay queja o reclamación posible. Moebius es un monstruo del dibujo y en Parábola, aunque probablemente no sea su momento cumbre, cumple con creces. Los dibujos de Galactus y especialmente de Estela Plateada son brillantes, la acción es clara y fluida, los personajes son reconocibles y expresivos... No sé, me siento un poco inútil intentando analizar el arte de Moebius. Disfruten de sus dibujos y ya está.
Parábola es un cómic histórico. Como en muchas otras cosas, su importancia reside más en las anécdotas que hay alrededor de la obra (la unión de dos titanes de la industria) que en la obra en sí pero a pesar de todo, sigue siendo un cómic curioso y muy interesante que un aficionado no puede perderse.

¡No lloréis!

Con la tentación de escribir un artículo mucho más sangrante al respecto de estas últimas elecciones, me limitaré a decir que ahora que el PP va a gobernar durante un mínimo de 4 años en este país nuestro podemos regocijarnos en una posibilidad: el auge en fuerza y reconocimiento del movimiento del 15M, una de las pocas esperanzas por el verdadero cambio, que en un escenario más tranquilo y moderado corría el peligro de morir de cansancio y desencanto. El que no se consuela es porque no quiere.

Un Mundo Feliz o un Huxley pesimista

Este es uno de esos artículos que he estado posponiendo sin ninguna razón sólida así que ya toca quitárselo de encima. Un Mundo Feliz es la quinta novela de Aldous Huxley y junto con "1984" de George Orwell es la novela distópica por antonomasia. De hecho, ambas novelas son la máxima representación de las dos corrientes de pensamiento más habituales en el desarrollo de futuros distópicos. Mientras Orwell teme el poder y autoridad de los gobiernos para arrebatarnos nuestra libertad, la pesadilla de Huxley consiste en una sociedad que voluntariamente sacrifica su libertad a cambio de una felicidad moderada, vacía y artificialmente estable.
Aunque la novela de Orwell en su día me impactó más que la de Huxley, ahora me parece que Un Mundo Feliz es un retrato mucho más terrorífico y más cercano a la realidad.
Un Mundo Feliz narra la historia de Bernard Marx, un individuo que empieza a cuestionar los pilares sobre los que se ha construida esta sociedad ideal en la que todo el mundo es feliz. Sus dudas le llevarán a viajar hasta una reserva dónde los humanos que todavía se reproducen de manera natural viven como si fueran cavernícolas. Allí descubrirá a un joven nacido entre los dos mundos que se convertirá en una celebridad en el mundo industrializado donde Ford es adorado como si fuera Dios.
El estilo literario de Huxley es curioso y un poco complicado. Como muchos otros autores, hay innumerables referencias que hacen de su mundo un lugar más realista y verosímil pero que pueden complicar la lectura debido a la gran cantidad de conceptos técnicos y nombres inventados. Por otra parte, Huxley desafía constantemente las espectativas del lector: los personajes casi nunca hacen lo que uno espera y no se comportan como los héroes o protagonistas de la mayoría de historias. Sobretodo en la parte final de la novela, intentaba adivinar lo que iba a suceder a continuación para verme equivocado en cada página. También hay que decir que teniendo en cuenta el triste, excéntrico (me recordó al final de El Perfume de Süskind) y pesimista, es más que natural ser incapaz de predecirlo.
Un Mundo Feliz está repleto de poderosas imágenes pero sin duda, el tramo que más me sorprendió es ese inicio de novela en la que Huxley describe como son "cultivados" los humanos en este mundo suyo. Los embriones, en lugar de estar en la barriga de la madre, viajan en tarros por cintas transportadoras que se mueven con extrema lentitud. Día tras día, los tarros recorren diferentes tramos de cinta en los que se suceden diferentes procesos bioquímicos diseñados para definir con total exactitud las características físicas y mentales del sujeto que va a surgir del tarro. Excelente y turbadora visión.

El asombroso Cabeza Tornillo y otros objetos extraños: Más Mignola, por favor.

Cuando leí Hellboy por primera vez, sentí como la serpiente de la envidia se enroscaba poderosamente en mí. El tipo este, Mike Mignola, hacía exactamente lo a mí  me gustaría hacer: acción, aventuras, fantasía sobrenatural, ciencia-ficción retro y, para colmo, un dibujo sensacional. ¡Y todo lo hacía él! Desde entonces he devorado todo Hellboy que me ha pasado por delante, AIDP incluída.
Se entiendo entonces que al ver el nombre de las dos emes junto a un título tan sugerente, no dudase ni un segundo en agenciarme el tomo negro de tapa dura que ha publicado Norma Editorial. El asombroso Cabeza Tornillo contiene un par de historias breves ya publicadas (y galardonados) junto con algunas dibujadas para la ocasión.
Las historias de este tomo son muy variadas: desde el héroe pulp que es Cabeza Tornillo hasta reinvenciones de cuentos populares con "Abu Gung y las judías mágicas" pasando por extrañas fábulas como "El mago y la serpiente". Uno de los detalles que me ha gustado más es la interconexión que existe entre cada una de las historietas, sobretodo mediante personajes mencionados anteriormente o figuras que ya han aparecido. Otro punto en común entre los cuentos y diferenciador con el resto de la obra de Mignola es el humor casi-absurdo que impera en este tomo. Como ejemplo diré que hay un terrible demonio encerrado en un nabo milenario. Sí, un nabo; la hortaliza esa, vamos.
Creo que todo aficionado al cómic conoce ya a Mike Mignola y si te gustan sus cómics, éste también te gustará. El asombroso Cabeza Tornillo también puede ser un buen punto de entrada para aquellos con menos experiencia en viñetas y bocadillos por su carácter auto-contenido y unitario. Básicamente, otro gran cómic de un autor que es ya gigante.

Heroes of Might and Magic 6 o el fantástico ajedrez

En un extraño e incomprensible intento por modernizar el nombre de esta mítica franquicia, el verdadero título con el que este juego ha aparecido en las tiendas de medio mundo no es el que aparece en el título de este artículo pero ay de aquellos que menosprecien el poder de la nostalgia y de las tradiciones pues oirán los lamentos de los seguidores hasta en sus más dulces sueños. En fin, en este afortunado caso, la sexta entrega de Heroes of Might and Magic sigue fiel a los valores de la saga y el leve cambio de título no es más que un nimio detalle.
La retahíla de HMM siempre han tenido una jugabilidad parecida dividida en dos secciones: el mapa de campaña y el mapa de combate. En el mapa de campaña, cada jugador o IA controlada por el ordenador, puede mover a sus héroes por un mapa plagado de recursos que recoger, criaturas con las que luchar, edificios que ofrecen valiosos bonus o atributos, ciudades que conquistar y, por supuesto, los héroes de los demás jugadores. Cuando te encuentras a uno de ellos o decides enfrentarte a algún grupo de criaturas de las que salpican el mapa de campaña, el juego cambia de escenario para entrar en el mapa de combate.
El combate, igual que la campaña, funciona por turnos en los que cada una de las criaturas de tu héroe puede moverse por la cuadrícula que compone el mapa, atacar a otra criatura o usar alguna de sus habilidades especiales. Este sistema de combate por turnos es muy estratégico y está más cerca del ajedrez que de la mayoría de videojuegos que hay hoy en día en el mercado.
Hoy en día es impensable encontrar un videojuego sin un modo historia y HMM 6 no es una excepción. La trama gira alrededor de un grupo de hermanos que tras la misteriosa y trágica muerte de su padre, un poderoso Conde, se ven forzados a separarse para encontrar su lugar en el mundo. Aunque el modo historia no sea una maravilla narrativa, ofrece una buena excusa para explorar cada una de las facciones disponibles para el jugador y puede atraparte lo suficiente para gastar horas y horas en este juego.
Heroes of Might and Magic 6 no es un juego que vayas a jugar por sus espectaculares gráficos o por su absorbente historia sino por su elaborado sistema de combate por turnos. Si te gusta la estrategia old school, este es tu juego.

Conan o las bondades de las bajas expectativas

Cuando se estrenó esta nueva adaptación del mítico personaje de Robert E. Howard, las críticas fueron tan malas que uno de los guionistas confesó en un artículo que habían herido sus sentimientos. Así, se entenderá que mis expectativas para con esta película estuvieran a ras de suelo. Como suele suceder en estos casos, Conan no me ha parecido una película tan terrible. La falta de subtítulos en mi visionado puede haber ayudado.
Aunque se dice que cualquier personaje, trama y escenario puede convertirse en una buena historia en manos de un artesano con talento, una superproducción yanqui sobre Conan siempre va a ser un tipo de película muy concreta y esperar más es pedir peras al olmo. La trama del nuevo Conan sigue los tópicos del género al dedillo e incluye todos los elementos esperados: Conan nace en medio de una batalla y siendo muy joven ya tiene un domino innato del arte del combate. Un día, aparece el villano de turno, acompañado por sus coloridos y variados guardaespaldas que Conan irá venciendo de uno en uno a lo largo del metraje, hija-bruja incluida, para recuperar un pedazo de una máscara mágica que el padre de Conan oculta. Nuestro héroe será testigo de la muerte de su padre y jurará venganza. El malvado plan de Zim continúa con el sacrificio de una joven, guapísima por supuesto, que será rescatada (y tal y tal) por Conan. A pesar de todo, la acaban capturando y así se llega a la batalla final. El espectador exigente siempre puede pedir más, pero siendo lo que es, la historia es correcta pues al menos toca todas las notas que el aficionado espera oír.
El nivel del resto de elementos, artísticos y técnicos, no es muy elevado en ningún momento pero tampoco llega a los abismos que esperaba encontrarme. La mejor actuación es la del joven Conan pues el resto de personajes están exagerados y aparecen demasiado próximos al cómic pulp. La dirección y fotografía siguen los cánones de las películas de acción en Hollywood con planos muy cortos para las peleas y un acabado general con muy poca personalidad. Los efectos especiales son decentes pero faltos de espectacularidad.
En fin, Conan es una película de acción y fantasía con espadas, brujería, monstruos, sangre, músculos y chicas guapas. Ir al cine esperando cualquier otra cosa es un acto ingenuo y casi romántico hoy en día pero si estás preparado y te apetece un poco de Conan, obtendrás lo que buscas.

Hell on Wheels o el nacimiento de una nación

Aprovecho el título de la famosa película de Griffith porque encaja como anillo al dedo. La nueva serie de AMC está ambientada justo después de la Guerra Civil Americana  y pretende ser un retrato amplio y completo de la convulsa época. Hell on Wheels cuenta la historia del homónimo pueblo itinerante que tiene la misión de construir la línea de ferrocarril que unirá el Este de los USA con el Oeste. Temáticamente, los paralelismos con Deadwood son evidentes aunque luego, en la ejecución, Hell on Wheels no llega, de momento, a las mismas cotas de calidad.
El protagonista principal de Hell on Wheels es un ex-soldado del ejército confederado, los perdedores de la Guerra Civil que busca venganza sobre los hombres que mataron a su esposa. Toda esa información está bien camuflada en unos diálogos con cierta chispa pero que todavía necesitan un poco más de trabajo. El episodio piloto, único emitido hasta el momento, además de presentar al vengador se dedica a introducir al resto de personajes que nos guiarán en esta truculenta aventura desde el magnate que dirige la empresa hasta los negros que cavan las "trincheras" por donde pasará el tren, pasando por el indio convertido, la reciente viuda o incluso los indios que matan a su marido.
Hell on Wheels tendrá que mejorar mucho para superar a Deadwood pero sólo con pulir algunos detalles tiene el potencial de convertirse en una muy buena serie que reuna a todos los aficionados al western alrededor del televisor. Yo, desde luego, le voy a dar una oportunidad y no creo que me decepcione.

Once Upon a Time: Cuentos de hadas y misterios en televisión

Criticada por algunos por aprovechar el concepto de los cómics Fábulas de Vértigo justo cuando se consideraba adaptarlos para televisión, hace tres semanas llegó a las pantallas una nueva serie titulada Once Upon a Time. Esta nueva serie creada por dos guionistas y productores de Lost trata sobre los míticos personajes de los cuentos de hadas más famosos: Blancanieves, el Príncipe Azul, la Reina malvada, Pepito Grillo, Caperucita Roja, etc... Como es natural, estos personajes viven en el Bosque Encantado hasta que una terrible maldición ejecutada por la Reina los transporta a todos hasta un pueblo recóndito y apartado en nuestro gris mundo. Allí vivirán sin conocer los finales felices y sin recordar quién son en realidad hasta que Emma, una mujer de recursos, sea arrastrada hasta allí por un niño que dice ser su hijo y que afirma que ella es hija de Blancanieves y el Príncipe Azul, la única persona capaz de romper la maldición.
Hasta la fecha han aparecido 3 episodios de OUaT y poco a poco le voy cogiendo el pulso. Como la amplía mayoría de series generalistas, OUaT tiene dos frentes abiertos: el desarrollo de los personajes y el gran misterio. Ambas cuestiones avanzan en cada capítulo que, más o menos, es auto-contenido con una trama principal que empieza y acaba, con frecuentes flashbacks que nos cuentan el trasfondo de los personajes en el mundo fantástico del Bosque Encantado. Ninguno de los personajes es especialmente memorable pero aún es pronto para juzgarles tan severamente. Por otro lado, el arco de temporada es curioso pues no se trata de un único gran misterio sino de pequeñas incógnitas que están en el aire aunque creo que por poco tiempo.
Por supuesto, la serie tiene algunas cosillas como la relación entra la Reina y su hijo adoptado: él la trata mal porque ella es la mala pero no está claro si ella lo quiere y si lo quiere, ¿cómo aguanta esas impertinencias?
OUaT ha empezado bastante bien y hasta donde sé, la audiencia la está acompañando pero hasta dentro de unos cuantos capítulos no sabremos si llegará a buen puerto o no. Como siempre, ya os contaré.

PD: A pesar de lo que pueda parecer, la foto de arriba no la he hecho yo sino que es una imagen oficial de la cadena. Vaya tela...

Sangre Armenia: la política de la sangre

Guy Vidal y Florenci Clavé son los autores de este cómic "de aventuras" de marcado corte político sobre el genocidio de los armenios a manos de los turcos. He usado las comillas porque a pesar de las intenciones de sus autores, me cuesta clasificar este cómic en el género de las aventuras. Hay peleas, huidas y tiroteos pero la marcada carga de crítica política y descripción histórica de esos tristes eventos le quita todo el protagonismo a las secuencias de acción que viven los personajes. De hecho, quizás es esa voluntad que equilibrar todos los ingredientes lo que hace flojear el conjunto final. Las 48 páginas del formato "álbum francés" se me antojan escasas para contar una historia de esta magnitud en la que, además de crear un trayecto intrigante y emocionante para los personajes, se quiere reflexionar sobre un evento histórico, sus causantes, las razones, las excusas y todo lo demás. Sangre Armenia peca de ser demasiado ambicioso, con demasiados personajes y situaciones que al final acaban atropellándose.
En la parte plástica, Clavé hace un gran trabajo dibujando personajes diferenciables y muy expresivos, decorados detallados y naturales y articulando una narrativa fluida. El uso de los negros profundos me recuerda mucho al expresionismo y acaba por coronar al dibujo como la estrella más brillante de este cómic.
A pesar de no estar tan bien construido como me gustaría, la crítica al olvido de las grandes tragedias pasadas es una reivindicación que resuena en mi interior y que, junto al excelente dibujo de Clavé ha convertido Sangre Armenia en un buen cómic a añadir a mi querida comiteca.

Adiós Nathan, hola Rudy: Vuelve Misfits

Tras la pérdida de su mayor estrella, muchos se preguntaban si la tercera temporada de Misfits conseguiría mantener el nivel de calidad anterior y la respuesta es un afortunado sí. Para que nos vamos a engañar, la llegada de Rudy no ha conseguido que olvidemos al grandísimo Nathan pero el personaje, además de ser bastante parecido, tiene su gracia. Por otro lado, lo que no puede ser, no puede ser y además es imposible así que hay que acostumbrase a Misfits sin Nathan.
Por el momento, se han estrenado dos episodios y ya puedo asegurar que Misfits sigue en forma. Evidentemente, la sorpresa de los primeros episodios ya ha desaparecido pero aún sigue siendo una serie original, deslenguada, atrevida y muy entretenida. Aún así, no todo son flores. Ahí en la distancia, uno puede empezar a vislumbrar los problemas que podrían surgir si los guionistas no se ponen las pilas. ¿Con cuantos superpoderosos villanos adolescentes se pueden cruzar por casualidad antes de que empiece a oler a mal? Caer una reiteración excesiva de los patrones que han funcionado hasta ahora sería un grave error y en esta temporada tienen que buscar nuevas rutas para que toda la historia no pierda verosimilitud.
Hasta que eso suceda, si sucede, permtiros el lujo de disfrutar de una serie de adolescentes con poderes hecha como dios manda.

Punta Escarlata: Intenciones desvaídas

La ausencia de esta serie de los lugares comunes en mis cibernéticas rondas de vigilancia y la falta de gancho han conseguido establecer un nuevo récord en la serie que he tardado más en acabar en relación a su número de episodios. Punta Escarlata se compone de 9 episodios que narran las peripecias de dos policías nacionales que investigan las muertes de unas jóvenes en un pequeño pueblo costero. A primeros de setiembre empecé a verla y he tardado dos meses en acabarla.
Si leéis mis primeras impresiones veréis que aunque no había razones para exaltarse, en general, Punta Escarlata cumplía más o menos con decencia en todos los campos primordiales. Lamentablemente, mis impresiones finales deberían bajarle un punto o dos la nota final si me dedicara a eso en este blog.
A pesar de la estabilidad de las cuestiones técnicas y artísticas, la trama, parte fundamental de esta serie de misterio, se ha ido llenando de agujeros e incoherencias que ha ido restando enteros al resultado final: personajes cuyas acciones son inexplicables, giros retorcidos y gratuito, saltos en el hilo de la investigación, etcétera, relaciones injustificadas... Al final, la potencia que podía tener un Twin Peaks a la española se ha quedado a medio camino y ha ido desapareciendo poco a poco.
La serie ha tenido un éxito moderado como era de esperar así que finalmente no supone ni un gran adelanto ni otra excusa para que los productores no inviertan en ficción para televisión. A pesar de la copia, plagio, homenaje de una escena mítica de The Wire, Punta Escarlata ha pasado por nuestros televisores sin mucha pompa y así es como se va.

From Dust: jugando con los elementos

Descubrí este juego casi por casualidad, en una de esas escasas (¡Gracias a dios!) ocasiones en las que pierdo el tiempo navegando por entre las infinitas aguas del Youtube. Enseguida me sentí atraido hacia él y por fin he podido jugarlo.
From Dust es un juego de estrategia basado en la manipulación de los elementos: agua, tierra, lava... para conseguir que tu tribu de pequeños hombrecillos prospere y acabe por llegar al portal que les lleva del mundo en el que están hacia el siguiente en lo que comúnmente se conoce como niveles. La trama del juego es abstracta y poética hasta que casi podemos decir que no existe. Para colmo, la poca información que el juego pone a disposición del jugador sobre el mundo, sus reglas y sus habitantes se despliega ante el jugador de manera completamente textual y desligada de la jugabilidad.
La jugabilidad. Como en todos los juegos del mundo, ahí es donde radica la clave de todo el asunto. From Dust utiliza un conjunto de reglas fielmente basadas en las del mundo real: la interacción entre los elementos y las leyes de la física. Si dejas ir un puñado de agua en la ladera de una montaña, el agua bajará por la pendiente y si se encuentra con fuego, lo apagará. Cuando la lava se enfría, crea rocas. El agua se lleva lentamente la tierra del cauce de los ríos. Etcétera.
Este estilo de juego tipo puzzle mezclado con "God Game" está muy logrado, es original y es técnicamente impecable. De hecho, mientras jugaba se me pasó por la cabeza más de una vez que algunos profesores podrían utilizar el engine de From Dust para enseñar el funcionamiento de mareas, volcanes, erosión y otro fenómenos geológicos.
Para mí, From Dust fue una necesaria pausa ante los géneros que suelo jugar más a menudo, además de un divertimiento inesperado así que este juego ya tiene la etiqueta de "Recomendado".

Buscando Trabajo: Una breve luz

La excusa que tengo pensada para todos estos días sin artículo en el blog se resume en un golpe de suerte que me tuve alejado del ordenador durante los 3 primeros días y que provocó un estado vacacional en el puente que siguió. Pero las "vacaciones" improvisadas ya han acabado y aquí estamos.
Por otra parte hay que admitir que la excusa es buena porque el mentado golpe de suerte fue, en realidad, una oportunidad de trabajar en la producción de un anuncio. Gracias a un amigo, me ofrecieron trabajar durante 4 quizá 5 días de runner para un productora de Barcelona.
Todo el asunto fue genial pues ya empezaba a notar el síndrome de abstinencia de rodajes y me dio la ocasión de conocer gente y estar involucrado en algo relacionado con mi carrera y mis gustos. Me da miedo guardar la esperanza de que, como muchos me dijeron durante esos días, ese trabajo se tratara de un primer paso y que, a continuación, empezarían a llegar otras ofertas parecidas.
Por supuesto, sigo lejos de mi objetivo de ganarme la vida contando historias pero quizá me estoy acercando a ganarme la vida con algo que me gusta y eso ya es un gran paso.

Super: Rídiculos seres humanos

En los últimos dos años, tres equipos distintos de realizadores decidieron seguir una senda muy similar: la del superhéroe realista, una persona "normal" decide enfundarse un traje y luchar contra el crimen. La primera de ellas, tras una desconocida Special estrenada en 2006, es Defendor, la película protagonizada por Woody Harrelson que se pudo ver a finales de 2009. Tras la exitosa adaptación Kick-Ass en 2010, llegaría a los cines la independiente Super, de James Gunn.
Super cuenta la historia de Frank, un perdedor que ha sido humillado durante toda su vida. Lo mejor que le ha sucedido en la vida es casarse con Sarah pero su matrimonio tiene unas grietas muy serias que acaban en siniestro total cuando ésta vuelve a engancharse a las drogas y a su camello Jock. Tras una visión pseudo-religiosa, Frank decide crear un superhéroe para luchar contra el mal y recuperar a su esposa.  Por el camino, conocerá a una fanática de los cómics que se convertirá en su Robin y le ayudará a enfrentarse al peligroso Jock.
La película de James Gunn está más próxima a Defendor que a Kick-Ass y el asunto del superhéroes es relativamente periférico en comparación con el viaje espiritual del protagonista. Durante este viaje, Gunn retrata a todos los personajes con una generosa medida de ridiculez y un punto de absurdismo que me transmitió unas sensaciones un tanto extrañas cuando la parte final del film parece dar la vuelta a los conceptos que se han mostrado anteriormente. Además del humor rídiculo, la película se caracteriza por mostrar las escenas de acción con crudeza, dureza y realismo. Frank no sabe pelear y no tiene ningún estilo pero por torpe que sea, cuando golpea a un tipo que se ha colado en el cine con una enorme llave inglesa, el resultado es sangriento y chocante. Sorprendentemente, en el clímax de la película Frank realiza algunos movimientos realmente hábiles y dignos de un vigilante experimentado. Luego, en el desenlace, Gunn describe la moraleja de la historia y se deshace del barniz tontorrón que ha cubrido la película para acabarla con ternura y amabilidad. Creo que este cambio de premisas en la parte final de Super es la causante de las malas críticas que ha recibido pero a mí no me desagradó del todo.
Aunque la dirección y guión de la película no sobresalen especialmente y cuentan con algún que otro desliz (mayormente el desequilibrado uso de la infografia), Rainn Wilson (¿cómo mola tanto el nombre de Rainn?) y Ellen Page llevan sobre sus hombros toda la película gracias a sus excelentes interpretaciones.

El día de la noticia

Casi me siento obligado a escribir un breve artículo sobre la gran noticia del día de hoy. ETA anunció ayer que abandonaba la lucha armada. Se trata de una gran noticia pues, si todo va bien, aquellos que viven acompañados de un escolta, bajo el peso del impuesto revolucionario o amenazados por las bombas podrán volver a vivir sin miedo. Lo que me escama es cómo los grupos y actores colectivos varios siguen empeñados en utilizar toda y cualquier noticia o evento para avanzar su egoísta agenda. Pero hoy es un día para la alegría, todo parece indicar que ETA no volverá a matar y es seguro que Gadafi no lo hará.

Empieza la segunda temporada de The Walking Dead

The Walking Dead, la mejor y única serie de zombis del panorama televisivo yanqui ha vuelto. Tras un pre-temporada tumultuosa que acabó con el abandono de Frank Darabont como director del proyecto, ayer se estrenó la segunda temporada con un episodio extendido que sigue exactamente dónde lo dejó la finale pasada. Rick y el grupo de supervivientes abandonan Atlanta en dirección a Fort Branning con la esperanza de que allí puedan encontrar refugio. Como no podía ser de otra manera, enseguida se encuentran el primer obstáculo en forma de carretera bloqueada más una manada de zombis.
Esta nueva temporada no augura cambios significativos a pesar de la despedida de Darabont, padre fundador. Los recursos y mecánicas de esta segunda premiere son básicamente los mismos que la temporada anterior y aunque eso es más que suficiente para mantener entretenidos y enganchados a millones de espectadores, yo incluido, no pierdo la esperanza en ese paso siguiente que podría convertir a The Walking Dead en una serie referencia. En mi humilde opinión y para variar, ese salto cualitativo se daría con unos guiones un poco más elaborados y libres, que exploren las personalidades de los personajes y los cambios que el holocausto final provocan. Puestos a pedir, también me gustaría ver un estilo de realización un pelín más cinematográfico y más personal: planos más amplios y composiciones más elaboradas.
Como en la temporada pasada, el trabajo de actores y maquilladores siguuen siendo los elementos más significativos en el apocalipsis zombi. En cuanto los guionistas ofrecen la posibilidad de lucirse en una escena de alto contenido dramático, los actores se calzan su botas de interpretar y siempre están a la altura con actuaciones sutiles pero potentes. Por otro lado, los efectos de maquillaje siguen a un nivel de excelencia altísimo y los zombis son más crudos, reales y terroríficos que nunca.

Cine Maratón en Sitges

Ayer domingo estuve en Sitges disfrutando de una maratón de 5 películas que empezó a las 15:30 y acabó a las 23:45. Creo que nunca me había pegado una sesión como esa antes y aunque al final estaba un poco mareado y me dolía el culo de estar sentado, pensaba que iba a ser bastante más duro. Lo más probable es que la maratón fuese soportable debido a la calidad de las películas que en breve paso a reseñar.

El auditorio abrió sus puertas con Detention, una parodia sobre "slashers" (terror tipo Scream y Sé lo que hiciste el último verano) que resultó ser muy divertida. La película de Joseph Kahn gira alrededor de un asesino que ataca a un grupo de teenagers castigados en el instituto. Lo que en principio parece una trama tipiquísima acaba convirtiéndose en una rocambolesca, surrealista y absurda aventura que incluye un poquito de todo (ciencia-ficción, terror, gore, romanticismo, etc). Detention abusa de un montaje hiperactivo fruto de la herencia del videoclip del director para crear un escenas en crescendo en las que no paras de reír. Llena de referencias y homenajes, esta comedia sorprende y hace reír en grandes cantidades; ¿qué más se puede pedir?
La segunda película era la sorpresa de la jornada y ciertamente destacaba entre tanta película de fantasía y terror. Killer Joe, del mítico William Friedkin (El exorcista y French Connection), es una película neo noir, violenta y extraña que utiliza una trama criminal clásica enmarcada en un escenario al que no estamos acostumbrados. McConaughey interpreta a un detective que trabaja como asesino en sus ratos libres, un personaje magnético y poderoso con una debilidad, Dottie, una joven un tanto especial (su madre intentó ahogarla cuando era un bebé) con una familia disfuncional y atascada. Killer Joe tiene un ritmo pausado pero incesante, como un diplodocus, y sus escenas se van acumulando unas encima de otras sin remedio como en las mejores películas de cine negro hasta llegar a un final demoledor y fantástico.
Esta maratoniana sesión de domingo no podía ser perfecta así que alguien decidió colarnos una película francesa llamada Livide que se llevó el premio al mejor diseño de producción. La primera mitad de la película sucede con los típicos artificios de las películas de terror: los protagonistas se cuelan en una casa, dejan de actuar como personas normales, ignoran los sucesos extraños, se separan y acaban jodidos. Personalmente, nunca he sido muy fan de las películas de terror y aún detesto más aquellas cuyos protagonistas no actúan como personas sino como personajes de película de terror. ¿Todavía no han aprendido que no hay que separarse? Esas conductas tan forzadas, esclavas del guión, me sacan completamente de la película. Reconozco que hay amantes del género que es precisamente eso lo que quieren ver y el diseño de arte de la mansión donde ocurre la acción es ciertamente acertado. Entonces llegamos a la parte final de la película, pretenciosa, innecesaria y gratuita que acaba por defenestrar cualquier intento de disfrutar esta película.
Justo el otro día, comentaba mi nueva tendencia a revisitar algunas películas y así quiso el azar que la cuarta película fuese The Troll Hunter. Ver esta película en pantalla grande, con un equipo de sonido potente y espectacular es una gozada. No tengo mucho más que añadir a lo que ya dije en su día, el segundo visionado no se me hizo pesado en absoluto, al contrario, mentalizado como iba, me reí aún más con las sutiles escenas de absurdismo burocrático y disfruté de la espectacularidad e inmersión de esta historia de trolls.
La deliciosa guinda de esta maratón no era otra película que Extraterrestre de Nacho Vigalondo. Fiel a su estilo, Vigalondo recurre a un reducido grupo de actores, localizaciones y medios en general apoyados en un guión intelingente y una dirección muy hábil. Extraterrestre es una comedia, mitad romántica, mitad absurda, sazonada con un punto de ciencia-ficción y una pequeñísima dosis de drama para dar fuerza al conjunto, la última película del cántabro vuelve a demostrar que un buen guión, una dirección sólida y uno buenos actores es todo lo que se necesita para hacer una gran película. Se dice en la red que el próximo proyecto de Vigalondo será la adaptación de un cómic de supervillanos del famoso Mark Millar así que todo parece indicar que la carrera de Nacho Vigalondo ya está en una merecida fase de despegue y desde aquí le deseo lo mejor.

Nikita: la evolución de un concepto

Todo empieza con una sensacional película: Nikita (1990) de cuando Luc Besson dirigía sensacionales películas de acción y intriga en vez de contentarse con escribir los guiones de mediocres películas de acción y espectáculo (ver Colombiana). Ya en los 90, los yanquis se dedicaban a los remakes con pasión y en 1993 aparece Point of No Return de John Badham que, como la original, tiene un éxito considerable.
En 1997, unos astutos productores deciden que la historia de Nikita tiene potencial para convertirse en una serie de televisión y así nace la ya mítica La Femme Nikita. En tiempos remotos, cuando aún no seguía ninguna serie con la fidelidad que ahora me caracteriza, Nikita era una de las pocas series que intentaba pillar de vez en cuando para ver algún episodio. Este post no está dedicado a la serie protagonizada por Peta Wilson así que no voy a extenderme, sólo decir que ese ambiente opresivo, paranoide y conspiratorio en el que no puedes confiar en nadie ni en nada me encantaba.
Diez años después de su cancelación en el 2000, la CW aprueba un piloto basado en la famosa y reticente asesina y la saga vuelve a ponerse en marcha. Cuando la estrenaron, a pesar del cariño que le tengo a la serie original, no me planteé seguirla pues desconfiaba de lo guionistas, directores y productores podrían hacer con el personaje y su historia. Hace unos días, contemplando el enorme vacío que había dejado el final de Breaking Bad, me decidí a darle una oportunidad con desigual resultado.
La nueva Nikita sigue la historia donde la vieja Nikita la dejó tras escapar de la malvada organización para la que había estado trabajando pero aunque usan muchos nombres y conceptos reciclados de la versión noventera, es complicado recuperar esa unión que se creó entre espectador y personajes. Aunque parezca una tontería, el principal obstáculo es la diferencia entre las dos Nikitas; una morena y excesivamente delgada Maggie Q no está a la altura de la rubia y magnética Peta Wilson.
Dicen por ahí que las comparaciones son odiosas y tienen mucha razón pues la mera existencia de Nikita1997 y sus éxitos juegan en contra de Nikita2010. Donde aquella era compleja y oscura, ésta es lineal y ligera, sin apenas una identidad reconocible, Nikita no aporta ningún elemento nuevo al género de espías y, lo que es peor, se deshace de los mejores elementos de su predecesora. La buena noticia es que no hay muchas series de acción sobre espías en televisión así que como mínimo, Nikita amplía el abanico de posibilidades.

Persons of Interest o más de lo mismo

Voy a posponer el artículo que tenía pensado para hoy para hacer el comentario de Persons of Interest, una serie que se estrenó el pasado 22 de setiembre y que ha estrenado tres episodios hasta la fecha. Este serie capitaliza el concepto de extrema vigilancia que se puso de moda tras los atentados del 11S en los USA para contar una historia de vigilantismo y redención muy ligera y cómoda.
Persons of Interest cuenta la historia de Mr. Finch, un misterioso multimillonario que ha creado un ordenador que recoge la información de todas las cámaras de seguridad, mails, llamadas, chats y demás; una especie de Gran Hermano digital que es capaz de procesar todas esa cantidad ingente de información para prevenir otro terrible atentado. El giro de tuerca está en que dicha máquina es tan potente que también "predice" el resto de crímenes violentos que son considerados irrelevantes por la CIA y la NSA. Mr. Finch, que parece tener un oscuro secreto en su pasado, siente la necesidad de ayudar a prevenir esos crímenes irrelevantes y para ello, contrata los servicios de John Reese, un ex espía de la leche que ha sido dado por muerto y que dedica su tiempo a emborracharse sobre cartones en callejones de mala muerte. Como un Equipo-A post-moderno, estos dos ángeles de venganza se dedican a deshacer entuertos episodio a episodio.
Aunque el rollo Gran Hermano gubernamental tiene cierto interés, la trama general de PoI es clásica y se ha visto en incontables ocasiones en tantas otras variaciones El Equipo-A, Macgiver, Human Target, Breakout Kings y tantas otras series de episodios autoconclusivos en los que los protagonistas ayudan a la víctima o cazan al malvado de turno episodio tras episodio. Para colmo, la trama de temporada tampoco tiene mucho gancho que digamos ya que, de momento, parece que se resume en conocer el pasado de los dos protagonistas. Las tramas de los episodios están bien escritas pero tampoco llegan sorprender por su originalidad o frescura como por ejemplo sí hacía Human Target. Además, con la gente que acaba muriendo en cada episodio, ¿cómo es que no apareció su número de la seguridad social?
Lo mejor de la serie sin ninguna duda, son los dos actores protagonistas, el apasionado Jim Caviezel en el papel del súper agente y el perdido y gran Michael Emerson en un rol con obvios paralelismos con Benjamin Linus que, una vez más, le va como anillo al dedo. Pero incluso ahí tengo quejas pues me parece que se trata de un plantel demasiado reducido teniendo en cuenta que los otros personajes recurrentes son dos polícias que apenas tienen un par de escenas en cada episodio. Cuando surge, la magia en este tipo de series se debe siempre e inevitablemente a la química que hay entre los personajes protagonistas (de nuevo, Human Target es un gran ejemplo o el Equipo-A). No es que la dinámica entre Mr. Finch y Reese sea aburrida pero tampoco es ninguna montaña rusa y la ausencia de otros personajes que aporten su granito de arena puede convertirla en algo repetitivo y estancado.
Como ya es costumbre, a pesar de tan ácida crítica, imagino que acabaré por ver una ración considerable de episodios pero no espero ver ningún cambio positivo, al menos hasta la segunda temporada, dónde, con un poco de suerte, verán por donde flojea Persons of Interest y quizá hagan algo por remediarlo. Hasta ese momento, PoI es otra serie de intriga y acción, accesible como pocas pero con poco gancho.

Homeland o el extraño thriller

Para poder reseñar esta nueva serie del canal Showtime, me he querido esperar hasta el segundo episodio. La razón es sencilla: el piloto me gustó mucho pero me dejó un poco intranquilo en cuanto al desarrollo de los episodios siguientes. Con el segundo capítulo ya en la maleta, me siento más preparado para emitir un juicio sin miedo a retractarme en dos semanas.
El piloto de Homeland empieza con la protagonista, Carrie, una analista de la CIA, sonsacando información a un terrorista iraquí que está a punto de ser ejecutado: un prisionero de guerra ha sido convertido. Esta frase cobra importancia vital cuando un comando de las fuerzas especiales encuentra al otro gran protagonista de Homeland, el Sargento Nicholas Brody, un francotirador que fue capturado 8 años atrás. El gobierno americano lo trata como un héroe para levantar la moral de la opinión pública y no quiere oír ni una palabra sobre las oscuras teorias de Carrie. Por supuesto, la analista de la CIA, obsesiva e inestable, decide proseguir con su investigación sin ningún tipo de autorización y tras instalar cámaras y micros en el hogar de los Brody, se dedica a analizar con lupa todos y cada uno de los pasos del recién rescatado sargento.
En un primer momento, parecía que Homeland iba a basarse en los encontronazos entre los dos protagonistas (ella le acusa y él se defiende) y en la ambigüedad de las verdaderas intenciones de Nicholas (esta semana parece que es el terrorista y la siguiente parece que no). Ambas opciones han sido tratadas varias veces en el cine y, en mi opinión, no pueden mantener la trama de una serie de televisión más allá de los tres o cuatro primeros episodios pero Homeland no va por ahí. En general, los thrillers suelen tener una pregunta como foco principal de su trama: ¿Quién mató a Roger Rabbit?, ¿Cual es el secreto de Nicholas?, etcétera. En cambio, estoy convencido de que esta serie no va a funcionar así. Para que la trama, los personajes y la serie tenga sentido (espero que no consideréis esto un espoiler) Brody tiene que haber sido convertido.
El meollo de Homeland reside en la ausencia de blancos y negros y en la exploración de los complejos y sutiles matices de gris de los dos personajes protagonistas y su cohorte de secundarios. Ya en el segundo episodio, la obsesión de Carrie, "la buena", le lleva a mentir y arriesgar la vida de una de sus informantes mientras que, por otro lado, exploramos la psique torturada y deshecha de un hombre que ha pasado por mil infiernos y que de repente está de nuevo en casa.
Aún no tengo del todo claro cómo se va a desarrollar Homeland semana tras semana pero estoy casi convencido de que va a ser digno de ver. En los pasados dos episodios los guiones, dirección y actuaciones de los actores han estado a un muy buen nivel y gracias a Dexter, Showtime tiene mi confianza así que poco a poco veremos en qué queda esta ambiciosa serie.

Action heroes

Sólo un breve momento para mostraros esta foto. A pesar de lo que podáis opinar, The Expendables 2 está en proceso.

Revisitando la saga Matrix

Antes de meternos en materia, quiero hacer un pequeño inciso en relación al final de la cuarta temporada de Breaking Bad: es la hostia.
De un tiempo a esta parte he estado haciendo algo que antes no hacía nunca: volver a ver una película. Por supuesto, han habido excepciones como El milagro de P. Tinto, The Big Lebowski (dos de las mejores comedias de todos los tiempos) y con los capítulos de Lost o Game of Thrones que he querido "analizar", pero en general siempre he sido un espectador de un sólo visionado, hasta ahora. La razón por la que no hacía segundos visionados resulta obvia ante la inmensa cantidad de películas que hay por ver. Habréis notado que he entrecomillado la palabra analizar y es que, a pesar de que ése es el motivo de mayor peso para volver a ver una película, mi voracidad y ansia de ficción me impide a menudo diseccionar fría y profesionalmente esa ficción que estoy devorando por segunda o tercera vez. También me sucede a veces que las películas que me apetece revisitar no son nada del otro mundo ni tienen mucha jugo que exprimir, pero ése es otro tema.
El caso es que el fin de semana pasado le dediqué un nuevo visionado a las tres películas que componen la saga Matrix y una vez más, disfruté como un cosaco con ellas. The Matrix, la primera película de la saga es un peliculón y aunque el factor sorpresa se pierde con las otras dos películas, las secuelas cumplen a la perfección. Uno de los valores más positivos de esta saga es su territorio sumergido, la amplitud del mundo ficcional que los hermanos Wachowski crearon tiene muy pocos límtes como probaron los cortos de animación del recopilatorio Animatrix. De hecho, estoy convencido de que hoy en día, ocho años después del estreno de la tercera parte, todavía hay gente por ahí dedicada a escribir "fan fiction" ambientada en el genial universo de The Matrix.

Revolution Complex o el cómic del 15M

Aunque este cómic publicado por Norma Editorial tiene el buen sentido de no publicitarlo en portada o contraportada, lo que le honra, Revolution Complex se podría llamar perfectamente El Cómic del 15M y quizá vendería más ejemplares. Ahora que lo pienso, aunque sí les honra, no usar lo de 15M, podría ser calificado de una mala decisión empresarial pero tampoco estamos aquí para discutir eso.
Revolution Complex es una recopilación de cómics cortos sobre las manifestaciones del 15M, los indignados y la omnipresente crisis económica aunque la temática no ha sido la razón que me ha llevado a comprarlo. Todas las historietas han sido escritas y dibujadas por autores españoles de poco renombre, al menos desde mi punto de vista, pero más que suficiente talento.
Por supuesto, algunas de las historias de 4 a 6 páginas gustaran más que otras pero en Revolution Complex hay un pequeño cómic para cada lector. La mezcla de géneros y técnicas es total, pasando de la tira cómica monoviñeta a la entrevista adaptada, luego un falso trailer y más allá una disertación casi académica sobre el funcionamiento del sistema. Muchas de las historias procuran acabar con una leve nota optimista tras la desesperada situación que acaban de pintar y para mí, pesimista político de corazón, esa puntilla final me parece un pelín inocente pero entiendo que el propósito de este cómic no es hundir a los lectores más de lo que ya puedan estarlo. En conjunto me ha parecido un tomo interesante con algunas historietas excelentes que auguran un buen futuro a sus autores y a los que disfrutamos leyendo cómics.

¡No tendré jacas en bikini en mi casa!

Tenía guardado este post para un día como hoy y es que, cuando leí el siguiente artículo de El País me hizo mucha gracia. Así en perspectiva, no me parece tan divertido pero me parece un retrato peculiar de un perfil de cristiano que no debe abundar tanto. El protagonista de esta historia estuvo encantado de ceder sus terrenos para que rodaran un videoclip, un pequeño extra por no hacer nada. La rareza viene cuando el hombre se entera que el videoclip es de Rihanna y que se encuentra en paños menores (como suele) para la ocasión. Muchos habría girado la cara y dejado la mano pero este hombre les corto el rodaje y los mando a otra parte. Las citas del hombre, sobretodo la última, no tienen desperdicio alguno. Lo que sigue es el artículo completo. Por supuesto, los derechos son de El País, bla, bla, bla...

¿Rihanna desnuda?... No en mis tierras

El dueño del campo donde la cantante grababa un vídeo detiene el rodaje tras verla en bikini

EL PAÍS - Madrid - 27/09/2011

Rihanna se encontraba grabando ataviada con un bikini rojo en medio del trigal cuando el granjero Alan Graham, que resultó ser concejal del Partido Unionista Democrático y ferviente protestante, se acercó a su equipo y le prohibió que siguiera filmando en su terreno. "La joven en cuestión no estaba vestida de la manera apropiada", explicó Graham a la BBC (que, dicho sea de paso, censuró a principios de año uno de los singles de la cantante).
"Me pareció que era incorrecto y les pedí que dejaran de grabar", añadió el granjero, que explicó que se encontraba en su tractor cuando se dio cuenta de que el tráfico de la carretera que rodea su campo estaba siendo interrumpido por hordas de curiosos que miraban el rodaje. Entonces fue cuando se percató de que la cantante se encontraba en paños menores y se acercó al equipo para detenerlo.
"Mantuve una conversación con Rihanna y espero que entienda mi punto de vista", relató Graham en la radio pública de su localidad. Y añadió que, antes del incidente, no tenía ni la más mínima idea de quién era la cantante que le había pedido permiso para rodar en su trigal. "No sabía quién iba a venir. Y si me hubieran mencionado su nombre, tampoco me hubiera enterado", comentó.
Rihanna había llegado el lunes a Bangor para grabar su videoclip, pero ahora tendrá que buscar otra localización para acabarlo. "Es mi tierra", explicó el granjero y concejal. "Tengo una ética y sentí que no era correcto lo que estaban haciendo". Y concluyó: "No les deseo mal alguno a Rihanna y sus amigos. Pero a lo mejor deberían familiarizarse un poco más con Dios".

Dexter S06 o Dios en los cuchillos

Dexter is back! Sólo eso ya es una buena noticia pues siempre es un placer reencontrarse con viejos amigos. Luego, todo lo demás puede ser más o menos criticable pero como mínimo tenemos otros 12 episodios con los que disfrutar de nuestro psicópata favorito y reirnos con su monólogo interior.
El primer episodio de la nueva temporada, "Those kind of things", aclara que la serie va a seguir usando los mismos mecanismos que en años anteriores y eso, como ya han dicho en IGN, es una buena y mala noticia. Por un lado sin ánimo de repetirme en exceso, Dexter es una gran serie y la posibilidad de ver 12 nuevos episodios es una perspectiva de futuro interesante. Por otro lado, resulta un tanto decepcionante que en "Those kind of things", como en cada temporada hasta la fecha, hagan borrón y cuenta nueva "ignorando" todo lo que ha sucedido hasta entonces. Ojo, esta sexta temporada no es un reseteo ni nada parecido, me refiero al status quo de los personajes y tramas. Al final de la temporada pasada Debra estaba casi a punto de descubrir el secreto de Dexter, Quinn tenía un marrón encima considerable por la muerte de un amigo suyo, Dexter había encontrado a alguien que le comprendía... Todos esos elementos y algunos más que me he dejado estaban muy vivos y podrían haber dado mucho juego pero en esta temporada se deshacen de ellos una vez más para empezar casi en blanco, un nuevo capítulo de la vida de Dexter. Como ya he dicho, eso no es un incoveniente directo, sino una decisión más que nos permite explorar otras facetas del protagonista sin lastre ninguno.
¿Y cual es esta nueva faceta a explorar? Os preguntaréis. La primera temporada fue la presentación y origen de Dexter, la segunda fue la persecución, la tercera trató sobre la amistad, la cuarta exploró la posibilidad de camuflarse definitivamente en sociedad y la quinta dejó a Dexter buscando redención y comprensión. La sexta temporada de Dexter trata sobre la religión y las creencias. El antagonista de la temporada parece un asesino religioso con un punto sectario estilo Código Da Vinci interpretado por el comandante Edward James Olmos. Los espectadores habituales ya sabrán que a partir de ahora, cada capítulo girará alrededor de una variante del tema de la religión para que Dexter medite sobre la religión y sobre lo valores a inculcar a su hijo mientras, paralelamente, seguimos su investigación de este asesino del apocalipsis según San Juan. La posibilidad de prever, abstractamente, el contenido de futuros episodios no es un bonus precisamente pero Dexter se caracteriza por realizar estos capítulos temáticos de tal calidad que no me tiene muy preocupado. También tengo mi hipótesis sobre la "moraleja" final que pueda surgir cuando acabe la temporada, pero ésa me la guardo. Como con casi todo, con el tiempo veremos qué pasa.

Blitz: los ingleses también se corrompen

A menudo hablo de las series y películas inglesas con un punto de reverencia por su tendencia a alejarse del modelo yanqui de creación de ficciones o al menos a adaptarlo a su propia idiosincracia. Blitz es un claro ejemplo de cómo las formas y maneras americanas empiezan a calar en la industria británica.
Blitz cuenta la historia de un asesino de policías y de los dos policías encargados de capturarle. Los dos policías conforman una extraña pareja en tanto que uno de ellos es el típico tío duro y que trabaja sobre la delgada línea que separa la ley del crimen mientras el otro es un gay más respetuoso con las leyes pero más que capaz de saltarselas si la ocasión lo requiere. El asesino no es más que un psicópata bien interpretado por el Aidan Gillen de The Wire y Game of Thrones.
La película intenta presentar un retrato realista, crudo y comedido de la policía de Londres pero sólo consigue definir pobremente a los personajes protagonistas. Basada en una novela, la película adolece de una el presentación muy tosca de las características de los personajes literarios forzadas sobre los personajes fílmicos. El machismo del protagonista, al igual que sus crisis, aparecen surgidas de la nada y sin apoyo real de ninguna escena explicativa. Tampoco me ha gustado nada la inserción de la chica y de su pequeña trama amorosa cuando no aporta nada en absoluto. Por desgracia, aún hay algo peor: los agujeros e incoherencias en la parte final de la película con el único objetivo de crear una escena final sorprendente que jamás llega a sorprender. Blitz es una película del montón que cae en los mismo errores que tantas otras películas montoneras y que no consigue atrapar ni interesar al espectador con ninguno de sus pocos elementos más allá de la interpretación de Aidan Gillen (la salida del asesino de la comisaria es lo mejor de la película diría yo).

Northlanders 5: Metal

Northlanders es una serie de Vertigo que, como muchas otras, ya ha sido condenada por la falta de lectores. Brian Wood, su creador, guionista y máximo responsable ha confirmado la cancelación de la serie en el número 50, es decir, probablemente en el tomo 7. Siempre es triste ver marchar a una serie Vertigo pero honestamente, Nothlanders no ha llegado a las cuotas de calidad que se esperaba y Metal, el quinto tomo de la colección, no es una excepción.
Este tomo incluye tres historias: dos historias cortas y autoconclusivas al principio y final del cómic más la historia central que da nombre al volúmen. Las dos historias cortas no están mal para lo que son aunque tampoco consiguen resultar espectaculares ni especialmente emotivas en su desarrollo. La primera cuenta la historia de un vikingo enajenado que lleva a la tripulación de su barco hasta las costas de Groenlandia y la segunda trata de un eremita que encuentra el cadáver de una joven en el hielo e intenta desentrañar el misterio de su muerte.
La historia central del quinto tomo de Northlanders trata sobre la invasión cristiana en terreno vikingo. Un herrero con un profundo odio hacia los cristianos decide iniciar una sangrienta campaña para expulsar a los cristianos de su tierra junto a una joven que rescata de sus garras. Mi mayor problema con Metal es la falta de claridad en algunas de sus escenas aunque es muy posible que se trate de una elección deliberada para provocar una sensación de confusión y crear un ambiente onírico que encaja perfectamente con la recta final del relato. Aún así, no es este detalle el que menoscaba el cómic sino la falta de impacto y fuerza en todas las partes de la historia. No sabría identificar los elementos singulares que fallan o que no funcionan correctamente pero la sensación global que he tenido tras leer este cómic es que pasa sin pena ni gloria.

Terra Nova: gran presupuesto y pocas ambiciones

Cuando los periodistas les preguntan a los productores de Terra Nova, una nueva serie de la FOX apadrinada por Steven Spielberg, por su histórico presupuesto (más de 10 millones por el piloto y unos 4 por cada capítulo extra) ellos responden orgullosos que Terra Nova es una serie muy ambiciosa. Bueno, tras ver el episodio doble que hace las veces de piloto puedo decir sin miedo a equivocarme que Terra Nova no es una serie ambiciosa.
El argumento gira sitúa a la familia protagonista en un futuro un tanto distópico en el que la atmósfera terrestre es irrespirable y donde los humanos, limitados a dos hijos por familia (¿a qué no adivinais cuantos tienen los protas?), usan respiradores para andar por la calle. La única salvación es un agujero de gusano que lleva directamente al periodo cretácico de una linea temporal paralela, usease los juguetes preferidos de Spielberg, dinosaurios. Allí un grupo de afortunados tiene como misión crear un nuevo futuro para la raza humana. Para colmo, Terra Nova, así es como se llama el asentamiento, no está libre de problemas y misterios por si los dinosaurios no fueran suficientes. Como punto de partida para una serie de ciencia-ficción, la idea no está mal; no se trata de una gran originalidad pues ahí tenemos a Outcasts, por ejemplo, pero mezclar a humanos y dinosaurios siempre es divertido.El problema llega con la ejecución de la idea.
A excepción de los efectos visuales, que sin ser una gran maravilla abundan de manera excepcional, todo el resto de esta gran producción es estándar tirando a mediocre. Sin meternos en profundidad en todos los detalles, las dos partes que a mi más me interesan, fracasan estrepitosamente: el tratamiento de trama y personajes. Las tramas del episodio piloto son previsibles, decepcionantes y forzadas. Los guionistas usan los típicos recursos para llevar a los personajes por el camino que les interesa de una forma totalmente artifiial. Nada más empezar, al padre protagonista lo encierran por resistirse a la ley y al cabo de unos minutos se escapa sin que veamos ni cómo lo hace, sin saber ni un detalle del plan (perdón, sí sabemos algo, utiliza un cutter-laser) ni nada por el estilo: el tipo está en prisión, su mujer le visita y le pasa el cutter, siguiente plano, ya ha escapado.
Los personajes, igual que las tramas, son arquetípicos a más no poder. Los padres son gente hábil, inteligente y capaz, el hijo es un rebelde que culpa a su padre, la hija es la lista de la clase y a la niña pequeña le gusta escaparse y acercarse a los dinosaurios. El resto del personaje del plantel no presenta ningún elemento interesante, a excepción quizá del jefe del asentamiento, el comandante Taylor, interpretado por el Stephen Lang de Avatar. Taylor fue el primer expedicionario en llegar a Terra Nova y evidentemente es la clave para entender los misterios que conformarán el arco general de la primera temporada. Probablemente con la intención de echar toda la carne en el asador, ya en el piloto se da al espectador mucha información sobre estos grandes misterios y me pregunto qué tendrán los guionistas pensado para el largo plazo.
Terra Nova tiene todos muchos elementos para enganchar a su audiencia a pesar de no tener el mejor de ellos, la calidad. Habrá que ver si la propaganda da sus frutos y Terra Nova triunfa. Mientras tanto, sólo por el género, los misterios y la pequeña posibilidad de que Terra Nova alce el vuelo, seguiré mirándola y ya os contaré.

Los matices de la pureza: Parte 2

Hace una semana escribí un artículo en el que intentaba discernir cuales eran los elementos que diferenciaban a aquellas grandes series que aparentemente son inmejorables en todos y cada uno de sus aspectos. Ayer se estrenó la segunda temporada de Boardwalk Empire en los USA y a pesar del gran Buscemi, del sello HBO y del gran trabajo del equipo de producción y dirección de arte, la serie apadrinada por Scorsese no consigue generar llegar donde ha llegado The Wire, The Soprano o más recientemente Breaking Bad. ¿Porqué?
Pues la verdad es que no lo sé. En principio, Boardwalk Empire tiene todos los ingredientes necesarios para ser una serie Top pero, al menos para mí, no lo es. Me resulta curioso y como aprendiz de guionista me gustaria mucho descubrir qué falla, qué sobra o qué falta para que Boardwalk Empire funciona tan bien como Six Feet Under o The Shield. No sé, quizá es la ambientación, todo el asunto de la ley seca ha sido visitado varias veces en distintas películas pero me cuesta creer que se sólo cosa de la ambientación. Díria que se trata, al menos un poco, de los personajes. Sigo sin poder identificar cual es el problema de los personajes en Boardwalk Empire pero una vocecita me dice que ahí está la clave. ¿Son fríos, díficiles de empatizar? ¿Poco originales? Yo seguiré pensando en ello, si a alguno de vosotros le pasa como a mí y tiene alguna respuesta, no dudes en comentarlo, ¡que esto me reconcome!

Ex Machina: Fin de Mandato

¿Destino o casualidad? Hace 362 días (1 año menos 2 días) escribía un artículo sobre Ex Machina, el cómic de Brian K. Vaughan y hoy voy a escribir otro artículo dedicado especialmente al tomo final de esta curiosa serie: Fin de Mandato. Antes de meterle mano a la conclusión de Ex Machina, no quiero dejar pasar la oportunidad de elogiar esta fantástica serie y su original premisa. Cierto es también que la serie del Sr. Vaughan no es perfecta y que, en general, ha sufrido de una dislocación de sus tramas superheroicas con las puramente políticas. No tengo muchos marcos de referencia para opinar sobre tramas políticas pero Ex Machina también me ha dado la sensación de falta de profundización. Aún así, conseguir que resulte interesante leer sobre los problemas del ayuntamiento de Nueva York cuando tu personaje principal es un tipo que puede hablar con las máquinas no carece de mérito.
Fin de Mandato sufre un poco de esa dislocación que comentaba anteriormente cuando Hundred y su segundo mantienen discusiones sobre el debate anti-abortista y las pastillas del día después mientras que el lector está esperando aprender más sobre el origen de los poderes de Mitchell, verdadero y gran enigma de toda la serie. Por desgracia, este tomo no ofrece todas las respuestas que esperaba; y digo por desgracia porque se trata del último tomo de la serie, todo lo que ya no se nos cuenta jamás será contado. No os equivoquéis, Ex Machina tiene un final definitivo pero la mitología global de la serie ha sido tratada muy sutilmente y con mucho secretismo de manera que ahora, al final de este sendero, desearía conocer más detalles de esos que Vaughan tiene en su mente pero que no ha acabado de volcar en el cómic, para no saturar probablemente y para dejar un aura de misterio que muchos lectores agradecerán. Yo no lo agradezco pues mi avidez me deja con hambre si el autor no me cuenta todos y cada uno de los secretos de su historia.
Ex-Machina es una obra sólida y curiosa dentro de un panorama conformista y poco dado a arriesgar así que todos los que estéis hartos de tanto superhéroe con los calzoncillos por fuera deberíais darle una oportunidad.
FADE TO BLACK...

Deus Ex: Human Revolution o cuando la narrativa falla

Deus Ex: Human Revolution es un mix entre FPS y juego de rol, heredero de una aclamada saga y que a pesar de cosechar un buen éxito de ventas y crítica no ha conseguido llegar donde prometía. Antes de meterme en harina, os contaré que hace años tuve el inmenso placer de jugar a los dos Deux Ex anteriores. Ambos, sobretodo el primero, me sorprendieron por esa mezcla de géneros tan cohesionada y expansiva en la que, como en los mejores juegos, las historias más apasionantes las contabas tú mediante las cosas que te sucedían en pantalla, en vez de a través de secuencias cinemáticas o encuentros scriptados.
La jugabilidad de DE:HR se centra alrededor del FPS con toques de sigilo. Controlas a Adam Jensen en primera persona aunque la vista cambia a tercera pesona cada vez que te pones a cubierto, mecánica fundamental para enteder el estilo del juego. Además de la acción, DE:HR contiene un mini-juego para hackear que no está mal del todo y un muy buen sistema de diálogo con PNJ. Estos tres sistemas funcionan muy bien y crean una jugabilidad global interesante y divertida de jugar.
El aspecto artítico del juego está también muy cuidado y documentado, cada escenario tiene su propia paleta de colores así como una clara inspiración "neo-renacentista" muy detallada. Todos los medios han coincidido en aplaudir el gran trabajo de diseño que ha realizado Eidos Montreal pero yo, personalmente, encuentro que a diferencia del Fallout 3, los escenarios fallan en contar una historia concreta a través de sus detalles visuales. Además, mis gustos derivan más hacia los escenarios abiertos y no disfruto tanto de la combinación de calle, pasillo, sala tan propia de las consolas.
Por desgracia, la parte que más me ha decepcionado es una parte fundamental en cualquier juego: la narrativa. DE:HR gira alrededor de una nueva tecnología en el campo de las prótesis que permiten aumentar las capacidades de los seres humanos y de las conspiraciones que se traen entre manos las corporaciones que controlan dicha tecnología. La trama, atractiva en apariencia, cae en los tópicos previsibles de la ciencia-ficción sin molestarse en reforzar los conflictos morales que inicialmente presentan. A pesar de la inclusión de algún que otro personaje atractivo, la mayoría son bastante planos y similares entre sí aunque el peor del todos es el protagonista, que esgrime una voz monotono incapaz de emocionarse, ni siquiera cuando descubre que su amada está viva.
Esta crítica puede parecer un tanto dura y quizá no la diversión que cualquier jugón obtendrá con Deus Ex 3 pero admito a que se debe a unas altas expectativas que no han acabado de cumplirse a pesar de la calidad de este juego.