viernes, 30 de noviembre de 2012

Sensacional detalle de Inception

Inception es obviamente una película con muchas capas y detalles conectados unos con otros de manera magistral: el movimiento subjetivo en un mundo se traduce en movimiento global en el siguiente, la sensación de caer que te lleva del sueño al nivel anterior, las reacciones del subconsciente cuando se siente atacado...
Hoy, a través de una página de humor llamada Cracked.com, me he encontrado un detalle que todavía no conocía y que se suma a todos los anteriores para realzar aún más si cabe la calidad de esta gran película. Vean este video:


¡Qué delicioso detalle! El tema principal de la banda sonora no es más que una variación ralentizada (recordáis que el tiempo pasa a diferente ritmo dentro de los sueños, ¿verdad?) de la canción que los personajes usan para reconocer el momento de despertar. Así, Nolan nos situa permanentemente dentro del mundo de los sueños pues oímos constantemente la canción de Edith Piaf. Grande. Si Inception me parecía una de las grandes películas de los últimos años, ahora todavía más.

jueves, 29 de noviembre de 2012

Assassin's Creed 3 o la pérdida del rumbo


Cuando la gente de Ubisoft sacó el primer Assassin's Creed, estaba seguro que este juego, a pesar de algunos defectos, se iba a convertir en una franquicia de éxito que yo iba a disfrutar largo y tendido. Básicamente había dos resistentes pilares sobre los que construir una saga divertida, interesante y cautivadora. Los dos pilares son la jugabilidad del parkour o free run que está tan de moda y un argumento de ciencia-ficción con infinitas posibilidades.
Lamentablemente, en el transcurso de varios juegos, esta franquicia ha caído en picado. Si no me equivoco, esta enésima iteración ha tenido buenas ventas igual pues así funciona el mercado, pero el juego es cada vez peor. En la parte argumental, ni esta tercera parte ni las anteriores han sabido aprovechar todo el potencial narrativo de la idea primordial que la movía, la posibilidad de revisitar los recuerdos de tus antepasados a través de la memoria genética, pero eso no supone ninguna tragedia pues el elemento clave en todo juego es,  sin duda alguna, la jugabilidad. En este punto es donde Assassin's Creed 3 ha fracasado profundamente.
Para empezar, la elección del escenario: la guerra de independencia, me parece un completo error pues la arquitectura propia de la época no permite la fluidez de movimientos, la libertad de escoger tu propia ruta ni las espectaculares persecuciones de los juegos anteriores. Y ahí no acaba la cosa, los controles parecen más lentos que antes y el personaje protagonista se desenvuelve con mucha menos soltura y agilidad ante los obstáculos. Igual que en los varios GTAs, siempre ha sido divertido liarla y huir de la policía durante el máximo tiempo posible, en los AC siempre era divertido huir de los guardias por tejados y callejuelas pero ahora ya no lo es.
Si yo estuviera al mando de semejante leviatán, le daría dos o tres vueltas de tuercas, emplazaría la acción en  una ciudad futurista o post-apocalíptica para tener la libertad de configurar un escenario ideal para el parkour y confeccionaria, o mandaría confeccionar, un sistema de navegación más analógico y con una alta velocidad de respuesta. Pero eso no va a suceder y, mientras tanto, lamento ver hundirse a una franquicia realmente prometedora. Sadface...

martes, 27 de noviembre de 2012

Cancelaciones televisivas

Toda temporada televisiva contiene los gratos momentos en que descubres una nueva ficción que resulta atractiva e interesante o en los que descubres que tu serie preferida tendrá continuidad durante, al menos, un año más. Sin lamentarlo excesivamente diré que eso no es lo que le ha sucedido a 666 Park Avenue y Last Resort. Curiosamente, ambas series me han parecido relativamente prometedoras pero no han tenido la suerte u oportunidad de poder demostrarlo. En 666, lamento la cancelación porque implica perder de vista al gran Terry O'Quinn hasta que encuentre otro papel a la altura de su talento. Por otro lado, no sé si lamentar o no la cancelación de Last Resort, pues aunque la serie en sí no estaba tan mal, tampoco llegaba a ninguna cota destacable y así, Shawn Ryan puede buscar prados más fértiles.
En fin, así es el ciclo de la vida en el mundo de la televisión, series van, series vienen y todas están condenadas a acabar en las fauces de la muerte menos Los Simpson, que seguirán emitiendo hasta el dia del juicio final. Afortunadamente, podemos seguir disfrutando de Homeland, cuyos protagonistas están "on fire"; de una temporada de Dexter en la que reencontrarse con viejas sensaciones y de los zombis y supervivientes de The Walking Dead. En el horizonte, Game of Thrones y más allá Marvel's The Shield. Bien está, ¿no?

lunes, 26 de noviembre de 2012

Horizontes Lejanos o el origen del mundo

Hace un tiempo escribí el comentario de La Plaza Elíptica, que resultó ser un grandísimo cómic que mezcla la épica de las grandes sagas de fantasía con la típica idiosincrasia española. A pesar de lo que había leído por ahí, el ganador del Premio Nacional de Cómic no iniciaba una nueva senda ni era un nuevo número uno sino que continuaba una aventura que había empezado varios tomos atrás.
Las aventuras del Capitán Torrezno empiezan en Horizontes Lejanos. Es en este tomo donde conocemos al Capitán por primera vez, donde vemos su confusión y desorientación al aparecer en un mundo extrañamente familiar y donde, en una especie de epílogo final del tomo, conocemos el origen de este fantástico mundo de referencias sociales y populares.
Este primer tomo es bastante más sencillo de leer que La Plaza Elíptica pues se dedica exclusivamente a mostrar el fantástico mundo mediante las aventuras y descubrimientos del Capitán en vez de perderse en divagaciones históricas o teológicas. Se nota en guión y dibujo que Santiago Valenzuela no tiene todavía la experiencia que demuestra en sus últimos trabajos, pero su talento está claramente presente. Composiciones complejas llenas de detalles, personajes plásticos y emotivos y una tipografia manual excelente hace de Horizontes Lejanos una lectura muy placentera en la que uno puede detenerse a disfrutar cada viñeta. Argumentalmente, Valenzuela no hace ninguna pirueta en este primer tomo pero sí construye un sendero sólido que presenta gradual y eficientemente las características únicas del escenario de la historia así como la personalidad del protagonista.
En mi mente no cabe duda, la compra del segundo volumen de las aventuras del Capitán Torrezno va a caer más pronto que tarde. Vosotros ya os apañareis...

jueves, 22 de noviembre de 2012

Space Battleship Yamato o ciencia-ficción épica estilo japonés

La nave Yamato fue un barco de las fuerzas armadas japonesas que ha logrado un estatus casi legendario por su defensa de Okinawa. Un productor japonés con buen olfató decidió usar el nombre y leyenda para crear un anime sobre una nave estelar con la misión de proteger la Tierra y así nació, Space Battleship Yamato. Con el auge de los efectos digitales, la última década ha visto innumerables mangas y anime recibir el tratamiento live-action y Yamato no podía ser una excepción.
Los primeros 5 minutos de la película nos sitúan en un penoso futuro dónde la raza humana está perdiendo una guerra contra unos desconocidos extraterrestres. Un misterioso mensaje con esquemas incorporados permite que Japón pueda construir la Yamato, una nave espacial avanzada capaz de viajar a otras galaxias y equipada con un mega cañón de la leche. La Yamato y sus valientes se embarcan en busca del origen del mensaje y hay alguna que otra batalla.
Que mi tono indolente y sin fundamento no os engañe, Space Battleship Yamato no es ninguna obra maestra pero tampoco es una basura. Se trata de una película entretenida, cargada con un ligero exceso de metraje por aquello de dar al menos dos escenas a todos los personajes que salían en el anime. A mi me ha recordado un poco a Battlestar Galactica y a El Juego de Ender sin llegar a las mismas cotas de calidad. Supongo que lo peor de todo es la comprobación de que hoy en día, todos los blockbusters se parecen, lo hagan los yanquis, los españoles o los japoneses.

miércoles, 21 de noviembre de 2012

Looper o el atractivo de los viajes en el tiempo


Las historias sobre viajes temporales molan. Es una verdad palpable y medible en la escala de molonismo de Newmant. Todavía recuerdo ver Doce Monos, donde Bruce Willis también es protagonista, con unos amigos para luego quedarnos 5 horas discutiendo sobre lineas de tiempo, paradojas, dimensiones circulares y relaciones causa-efecto. De hecho, diría que Doce Monos es la película sobre viajes en el tiempo de la generación pasada y Looper lo es para la actual. Obviamente, hay otras películas sobre viajes en el tiempo (como Jacuzzi al pasado) pero estas dos pertenecen al subgénero particular donde realmente se profundiza en temas y conceptos estrechamente relaciones con el viaje temporal en vez de usarlo como medio para otros fines, comedia en el caso del jacuzzi.
Looper es una película ambiciosa que mezcla varios ingredientes típicos de la ciencia ficción para componer unas dos horas de entretenimiento inteligente y atrevido aunque sin llegar a la excelencia. La historia gira alrededor de unos asesinos muy particulares llamados loopers. Estos asesinos se encargan de eliminar a la gente que una organización criminal del futuro envía al pasado, de esa manera la eliminación es limpia y total. El problema para nuestro looper protagonista es que, cuando se le aparece en frente su futuro yo, es incapaz de acabar con él, iniciando una cadena de acontecimientos que le llevará a conocer a una madre e hijo un tanto especiales y relacionados con una misteriosa figura que, en el futuro, está liquidando a todos los loopers. A pesar de esta sinopsis apresurada y de lo que puedan leer en las internetes, Looper no es una película excesivamente complicada. No más que la mayoría de películas sobre viajes temporales y menos que los films más frikis del género como Primer.
Además de un guión muy bien parido, complejo pero claro, Looper disfruta de varios actores de gran tonelaje y de una dirección firme, limpia y con sentido del espectáculo. Las secuencias de acción son entretenidas pero además, resultan lógicas consecuencias del desarrollo de la trama, no piezas autónomas ensambladas a golpe de martillo. Looper es una excepción en el panorama hollywoodiense, una película inteligente, alimentada por una premisa interesante y realizada con gusto y personalidad. Antes de irme a casa a comer, sólo me queda recomendarla.

lunes, 19 de noviembre de 2012

Dark Souls o jugando a la antigua usanza


Dark Souls es un action RPG que ha conseguido gran notoriedad por traer de vuelta la dificultad de los juegos de unos años atrás. Dark Souls es implacable y casi cruel en muchos momentos. Los enemigos son difíciles y la penalización por morir es muy alta, sobretodo en comparación la mayoría de juegos que salen al mercado últimamente. Curiosamente, ese nivel de dificultad es uno de sus más poderosos atractivos pues genera en el jugador una necesidad de superar el obstáculo que otros juegos jamás alcanzan.
La historia de este RPG es sutil, ambigua y "ambiental" en tanto que no hay personajes o secuencias que expliquen la trama. Sí, hay pequeños indicios aquí y allí de lo que sucede en este mundo cuidadosamente diseñado pero, en mi opinión, Dark Souls tiene más ambientación que historia. Para algunos, eso será un defecto pero yo estoy disfrutando muchísimo de las localizaciones y, sobretodo, del diseño de los monstruos, aunque nadie me explique de dónde salen. En serio, los monstruos son geniales.
El tercer elemento encumbrador es el sistema de combate. Ágil, táctico, serio, verosímil y muy divertido son algunos de los adjetivos que se me ocurren. El sistema de Dark Souls permite crear personajes ligeros que esquviven los ataques enemigos y busquen la espalda para atacar o personajes pesados con escudos gigantes y espadas a dos manos. En resumen, desde el gran y viejo Blade: Edge of Darkness que no disfrutaba tanto de un sistema de combate.
Dark Souls no es un juego para todo el mundo, pues aquellos con poca tolerancia al fracaso acabarán frustrados con una rapidez inaudita (quizá no pasen del nivel tutorial) pero aquellos capaces de disfrutar y saborear esa crueldad tan típica de los juegos de antaño, lo van a pasar muy bien.

jueves, 15 de noviembre de 2012

Misfits S4 o el moribundo ganso


Todo el mundo sabe que productores y ejecutivos de casi todas las industrias del entretenimiento no tienen ningún tipo de remordimiento en exprimir cualquier ganso de dorados huevos hasta que no queda más que el tuétano por vender. Así, el brillante ganso suele degenerar en una especie de patito feo que apenas se mantiene en pie, vil sombra del que fue.
Más o menos, eso es lo que ha pasado o está pasando con Misfits, aunque no tan radical. En esta cuarta temporada, han añadido dos personajes nuevos al buen Rudy y al sosainas de Curtis, el único que aguanta desde la primera temporada. Rudy sigue siendo el más entretenido e interesante de todos ellos.
Misfits ha abusado demasiado de las tramas autoconclusivas con jóvenes afectados por la tormenta y ha llegado al punto en que la única alternativa que le queda es tomárselo a broma y funcionar como una especie de parodia de sí mismo. El problema que tiene esa senda es que toda las historias que se cuentan pierden gravitas y no llegan al espectador con tanta potencia como antes.
Como anécdota, en el tercero y último episodio emitido, apareció un tercer Rudy que parecía que podía dar un meneo importante a la serie pero por desgracia acabó siendo una trama autoconclusiva más que desaprovecha a un gran antagonista en potencia.

martes, 13 de noviembre de 2012

Scalped, ha sido un honor...

Sí, como todas las cosas buenas de esta vida, la serie de Vertigo Scalped de Jason Aaron y R.M. Guéra ha llegado a su fin. Scalped ha sido una de las series estrella de la colección desde sus inicios y ha mantenido un nivel de calidad envidiable hasta que ha llegado a su lógica y potente conclusión.
Para los que no la conozcan, Scalped es una serie noir y violenta ambientada en las reservas americanas, lugares llenos de crimen y miseria.
Este breve artículo no es más que un humilde homenaje a una gran serie que acaba. Scalped, Aaron y Guéra, ha sido un honor y un placer leer vuestra historia. Ahora, a por la siguiente.

lunes, 12 de noviembre de 2012

The Watch o comedieta Rated R


The Watch es un producto audiovisual típico de la factoría hollywoodiense. Nacido de la brillante mente creativa de un ejecutivo de la Fox, se reunieron los productores y guionistas, le dieron unas vueltas al mejunge, le pusieron un impermeable para que no le salpicaran ciertos acontecimientos trágicos y lo pusieron a la venta. El resultado final es una comedia para adultos llena de gags escatológicos en la que un grupo de pringados suburbanos se enfrentan a unos aliens que ha recibido un 17 sobre 100 en Rotten Tomatoes (las mejores críticas que ha recibido son del estilo "no es buena pero hay películas peores").
Para ser completamente honestos, admito que solté alguna que otra carcajada gracias a los 4 actores principales, que dominan el tempo de la comedia y tienen buena química entre ellos. De hecho, la razón por la que me decidí a ver The Watch es la presencia de Richard Ayoade, más conocido como Moss en The IT Crowd. Uno sólo puede esperar que alguien más se de cuenta del gran talento de este señor y que le veamos en películas de más calibre.
En fin, The Watch es una de esas películas muy limitadas, que sólo vas a poder disfrutar si la ves con los amigotes y unas cuantas cervezas para ayudar a bajarla. A los coleccionistas completistas de Ben Stiller les encantará.

viernes, 9 de noviembre de 2012

¿Porqué tienen que llamarlo World War Z?



Aunque ese camión de la basura saliendo de la nada puede ser cosa del montaje del trailer y en general, esta película acabe por cumplir algunas promesas que hace y resulte ser algo digno de ver... ¿porqué lo llaman World War Z? ¿Para qué gastar el dinero en comprar una propiedad intelectual que vas a ignorar casi por completo en su adaptación? Por lo visto en el trailer, el único punto en común con la novela es el apocalipsis zombi a nivel mundial y ese concepto es de dominio público. Quizá los problemas que se dice han tenido en el rodaje de esta película tengan algo que ver con este sinsentido.

Saga: otro pedazo de cómic de Brian K. Vaughan

Además de los consabidos trabajos que cualquier autor de éxito acaba haciendo para Marvel y DC, Brian K. Vaughan, otro de esos calvos con talento del mundo del cómic, ha realizado dos series originales y de gran calidad: Ex-Machina y Y: the last man. Ahora ya podemos añadir una tercera serie para confeccionar un verdadero trío de ases y su título es Saga.
Saga es una historia que mezcla ciencia-ficción (con sus naves espaciales, planetas variados y guerras galácticas entre razas enfrentadas) y la fantasía (hay fantasmas, magia, espadas brillantes y gatos parlantes) en una extraña mezcla sorprendentemente uniforme y atractiva. Los protagonistas de Saga son Marko y Alana, dos miembros de las dos razas "principales" que se enamoran y deciden desertar para dejar atrás el conflicto absurdo que debería enfrentarles. Saga empieza con el nacimiento de Hazel, hija de Alana y Marko que hará las veces de narrador ocasional, y continúa con una larga huida mientras nobles y cazarecompensas los persiguen por todo el planeta.
Además de la originalidad de las razas, planetas y planteamientos y de la indudable calidad gráfica de Fiona Staples en los lápices, el mayor éxito de Saga son los diálogos y los verosímiles personajes que los articulan. Todos los personajes de Saga hablan y se comportan como seres reales y cercanos; teniendo en cuenta que varios de ellos son robots aristocráticos con televisiones por cabeza, el trabajo de Vaughan está cercano a la proeza intelectual.
De momento, en España sólo ha aparecido el primer tomo recopilatorio de Saga pero desde ya os aseguro que se trata de una obra indispensable para los amantes del cómic y la ciencia-ficción.

martes, 6 de noviembre de 2012

Brave o el cuento tradicional visto por Pixar


Como les ocurre a muchos artistas de talentos, Pixar vive bajo la sombra de su propio éxito y, desde hace unos años, todas sus películas han recibido el mismo comentario: "Está chula pero no es tan buena como Wall-E". A pesar de que se trata de un muy buena película, lo mismo le ha pasado a Brave, pero ahora que nos hemos quitado de en medio las odiosas comparativas vamos al tajo.
Brave cuenta la historia de una princesa escocesa amante del tiro con arco y los bosques. Su madre pretende que se convierta en una mujercita y prepara la reunión de los clanes para buscarle marido. Mérida, así se llama la protagonista, no piensa en casarse ni mucho menos y busca la ayuda de una excéntrica bruja para que le ayude a cambiar su destino, maldición familiar mediante. Para mí, el elemento más desagradable de toda la película es ese ansia por incluir una moraleja, una lección vital que pretende ayudarnos a ser más felices y tal. Supongo que se trata de algo inevitable en el cine de hoy en día, igual que los efectos digitales o las explicaciones innecesarias, pero no deja de molestarme. Por otro lado, lo que ha hecho Pixar con Brave es crear un cuento clásico al estilo Grimm pero con un punto de modernidad y todos sabemos que esos cuentos tienen una clara tendencia hacia el moralismo.
Aparte de eso, el resto de la película me parece altamente disfrutable: desde el estilo y animación de los personajes (la cabellera peliroja de Mérida es espectacular) hasta los momentos cómicos (los trillizos son muy divertidos) pasando por la banda sonora. Vamos, el nivel de excelencia de Pixar sigue ahí, en lo más alto, aunque en esta ocasión la historia trenzada no llegue tan hondo como la de los dos silenciosos robots.

lunes, 5 de noviembre de 2012

Total Recall o con eso me conformo

Ya he hablado varias veces de las bondades y maldades de las expectativas  de la influencia que tienen en el disfrute o no de una película. Es fácil adivinar que, en el caso de Total Recall, remake del clásico homónimo dirigido por Verhoeven y protagonizado por "Swarchi", las expectativas estaban muy bajas. Es lo que suele suceder en esta fiebre de remakes de grandes de grandes películas: el nuevo film tiene un presupuesto mucho mayor que el original, varias estrellas en sus papeles protagonistas, espectaculares secuencias de acción a rebosar de CGI pero ni un ápice del espíritu o la fuerza de la obra original.
Aún así, en este caso, encontré este remake bastante entretenido a pesar de la falta de originalidad o sagacidad de la peli de Verhoeven. Las secuencias de acción están muy bien planteadas y todo lo demás sirve como decoración, adornos y elaboradas elipsis que nos llevan de la persecución con coches magnéticos hasta la pelea en los tejados. Por señalar algo, además de los FX, diría que la Beckinsale es la mejor de la película en su papel de agente despiadada, pero tampoco es que la mujer tenga un elaborado papel con el que trabajar.
No es peor ni mejor que John Carter, quizá un poco mejor que la última Resident Evil y sus vacíos de guión no llaman tanto la atención como los de Prometheus pero aún así, esta Total Recall (2012) pertenece al ancho y poco riguroso grupo de los blockbusters de acción de domingo.

martes, 30 de octubre de 2012

The Walking Dead S03 empieza fuerte


Este año, como no me veo manteniendo la regularidad que se merece, no voy a escribir el artículo semanal de The Walking Dead pero sí me gustaría comentar el gran arranque de temporada. De momento, han estrenado tres episodios y todos ellos han sido interesantes. El primero de todos empezó con una larga secuencia sin diálogo que, personalmente, me encantó.
En esta tercera temporada, Rick y los demás han llegado a una localización clave en los cómics y es de esperar que pasen toda la temporada, quizá más, en la famosa cárcel que pudimos atisbar al final de la segunda temporada. Los guionistas han tomado la buena decisión de hacer pasar unos meses entre temporadas, de manera que vemos cierta evolución en el grupo de supervivientes. Rick es mucho más "dictatorial", su mujer está mejorando su actitud, Daryl sigue integrándose poco a poco... Ninguna queja por ese flanco.
Tras breves vistazos en los dos primeros episodios, Andrea y Michonne consiguen el protagonismo que merecían en el tercer episodio en el que también aparecen un par de personajes nuevos, muy bien escritos e interpretados. Por desgracia, tengo una espinita clavada con Michonne. En los cómics es uno de los personajes más interesantes pero en la serie, al menos de momento, resulta un poco plano. Quizá es porque la actriz no tiene mucho material con el que trabajar, habrá que esperar y ver.
En general, podemos estar contentos con The Walking Dead. a mi entender, están manteniendo un estándar de calidad bastante elevado, los episodios son entretenidos y las audiencias acompañan lo suficiente para que la fe en la continuidad de esta serie esté justificada. Long live to zombies!

lunes, 29 de octubre de 2012

Catch. 44 o cómo ser Tarantino


Catch. 44 es un thriller protagonizado por Malin Akerman, Bruce Willis y Forest Whitaker en el que un grupo de chicas asaltan una cafetería abandonada para cazar al competidor del mafioso que las ha contratado aunque casi nada es lo que parece.
Aaron Harvey, relativamente desconocido en Hollywood es el director y guionista en lo que probablemente supone su trabajo más comercial hasta la fecha. En Catch. 44, el estilo elegidome recuerda poderosamente a el Tarantino de Reservoir Dogs o Pulp Fiction pero con más moderación en los diálogos y buscando una fotografía más artística.
El resultado final es una película entretenida sin más, un thriller no lineal con un par de personajes excéntricos y una trama bien trenzada. Hay algunas buenas ideas que no acaban de explotar pero el conjunto es bastante sólido

miércoles, 24 de octubre de 2012

Dishonored o el rol camuflado


Cada vez comento menos juegos en el blog porque me da la sensación que la mayoría de lectores no son muy aficionados a los juegos, pero este Dishonored merece una mención por recuperar esa sensación de libertad y de iniciativa propia con tanta fuerza.
Dishonored te pone en la piel del guardaespaldas de la emperatriz durante unos breves minutos hasta que una conspiración te convierte en un vengativo guerrero sobrenatural con varios objetivos y muchas maneras distintas de acometerlos. Ese catálogo de opciones es probablemente la pieza clave del juego pues tú decides si quieres ser sutil y sigiloso o violento y frontal; decides si quieres matar o si prefieres pasar desapercibido como un fantasma, usar las callejuelas, las alcantarillas, los canales o los tejados. Todas esas posibilidades otorgan a un juego que habría que calificar como juego de acción en primera persona, esos matices de rol que tantos jugadores saben apreciar.
Otro de los elementos fundamentales en el éxito de este juego apadrinado por Bethesda, es la ambientación y localización de la historia. Arkane Studios, los creadores, han inventado un nuevo mundo y, sobretodo, una ciudad imaginaria llamada Dunwall que evoca al mejor steampunk. Dunwall ha sido diseñada y construida con mucho mimo y atención al detalle; no sólo es una ciudad orgánica y verosímil en sus formas y colores (explorarla usando el poder de teleportación Blink es una gozada), sino que hay docenas y docenas de libros, notas de audio y conversaciones que amplían los ya anchos horizontes del juego y que insuflan vida a un escenario mucho más vital que lo que estamos acostumbrados a encontrarnos hoy en día en nuestro PC.
Además de estas dos grandes características: opciones y ambientación, Dishonored consigue un alto nivel en el resto de elementos que dan forma a un juego: el engine gráfico es resultón y consigue generar a unos personajes interesantes y característicos, el movimiento del protagonista es fluido y liberador, el audio excelente y el guión más que adecuado.
Los que no son jugones no empezarán hoy, los que sí lo sean tienen que probar Dishonored.

lunes, 22 de octubre de 2012

Aro Tolbukhin: en la mente del asesino o extraña ficción documental


Aro Tolbukhin pertenece a ese peculiar género que es el falso documental. He puesto "extraña" en el título porque incluso dentro del campo falso documental, los directores y guionistas Agustí Villaronga, Lydia Zimmermann y Isaac P. Racine toman una serie de decisiones que complican mucho la definición y categorización de esta película. Como ya adelanta el título del film, este falso documental pretende abrir las puertas de la mente de un perturbado asesino acusado de quemar vivas a 7 personas y que posteriormente confiesa el asesinato de 17 mujeres más.
Aro Tolbukhin está compuesta por imágenes de archivo reales o muy bien falsificadas (indígenas viviendo en las junglas de Guatemala, la guerra y las guerrillas...), imágenes de archivo falsas en las que aparecen los protagonistas de la historia (el propio Aro y una monja con la que establece cierta cercanía), unas entrevistas a estos mismos protagonistas y una amplia cantidad de recreaciones. Estas recreaciones resultan confusas pues, al contrario de lo que suele suceder en la gran mayoría de documentales falsos y verdaderos, construyen escenas muy cinematográficas e íntimas, poco objetivas. De hecho, más que recreaciones parece que en Aro Tolbukhin se mezcle el falso documental de una historia concreta con una adaptación para ficción de esa misma historia.
Cosas raras aparte, la realización de Aro Tolbukhin es sutil y muy eficaz. Los actores pasan por los personajes reales que representan y hay ciertas secuencias de gran poderío emocional. A pesar de estos logros, el regusto final que se me quedó tras ver la película se basa principalmente en esa extraña complejidad que avanza sin rumbo exacto.

viernes, 19 de octubre de 2012

Insomnia: el thriller y la culpa


Insomnia es el título original de una película noruega de 1997 así como lo es de su remake yanqui en 2002. La película que vi ayer es el remake, dirigido por el aclamado Nolan tras la fantástica Memento y protagonizada por Al Pacino, Robin Williams y Hillary Swank. Como Twin Peaks, Insomnia empieza con el asesinato de una joven en un lugar remoto, en este caso es Alaska. Huyendo de ciertos problemas con Asuntos Internos, dos detectives de Los Angeles llegan al lugar para echar una mano a los policías locales del lugar. Todo el asunto se complica cuando, perdido en la niebla, uno de los detectives dispara al otro y decide encubrir el accidente.
Aunque Insomnia no es uno de esos thrillers sorprendentes y originales con giros impredecibles, se trata de un película realizada con mucho mimo, cuidado por los detalles y una factura general de muy alto nivel. No se trata de dar brincos en el sofá sino de contemplar la gran dirección de Nolan y las interpretaciones sosegadas de Pacino haciendo de astuto policía torturado (un papel que le hemos visto hacer cientos de veces y que siempre clava) y Williams haciendo de astuto escritor desequilibrado (Robin Williamas hace muy bien de loco). Swank tiene un papel bastante reducido en comparación y con mucha menos chicha que los otros dos. Por su parte, Cristopher Nolan consigue que las dos horas de película pasen con fluidez, mezclando imágenes subjetivas y oníricas para meternos en el pellejo de los personajes y sembrando toda la información con sutileza y claridad. Insomnia es el tercer film de Nolan y fue el primero que dirigió para la Warner Bros. Es una suerte que el gran talento que demostró en sus primeras y más humildes producciones no se haya diluido al sumergirse de lleno en las turbias aguas de la gran industria hollywoodiense. Se conoce que el próximo proyecto de Nolan es Man of Steel, la próxima película de Superman, dirigida por Zack Snyder, donde Nolan ha hecho las veces de productor y guía espiritual. Si Marvel ha hecho bien en poner su universo cinemático en las manos de Joss Whedon, DC no se ha equivocado eligiendo a Nolan para que lleve las riendas del suyo.

jueves, 18 de octubre de 2012

666 Park Avenue o entre el cielo y el suelo

666 Park Avenue es la nueva serie del gran Terry O'Quinn, más conocido como John Locke por losties de aquí y allá, para la ABC. Los protagonistas de esta serie son una pareja joven que consiguen un trabajo como encargados de mantenimiento de un gran y lujoso edificio de apartamentos. El giro sobrenatural es que el edificio parece estar poseído y su dueño, Terry himself, se dedica a tramar tentadores pactos como si fuese un demonio clásico.
Una vez más, lamento que el formato escogido por esta serie sea el de los episodios de tramas autoconclusivas más el obligado arco mitológico de temporada. Siguiendo con las tendencias contagiosas, las tramas episódicas son las menos interesantes de todas y corren el riesgo de hacerse inverosímiles pues sus protagonistas, hasta el momento, han sido siempre habitantes del dichoso edificio, el Drake. En cambio, el misterio central de la serie tiene mucho potencial y amplia capacidad para crecer con conflictos místicos entre las fuerzas del bien y del mal.
Para mí, el atractivo principal de esta serie, además de explorar los aspectos mitológicos del Drake, es disfrutar de la interpretación de Terry O'Quinn del diabólico y sibilino dueño del edificio. Este calvo sexagenario tiene la capacidad de imprimir un punto humanitario al personaje incluso cuando se dedica a condenar almas. Por otro lado, no hay otro capaz de dibujar esa sonrisa tan rematadamente amenazadora y arrebatadora. El otro personaje que llama la atención es la mujer de diablo, interpretada por Vanessa Williams, que parece que apoya y sigue el juego de su marido pero que esconde sus propios secretos. El resto de personajes, incluidos los dos protagonistas, son bastante más planos aunque la verdad es que  no han tenido mucho material para brillar.
666 Park Avenue es otra serie de misterio con tintes sobrenaturales que pretende atrapar a las grandes audiencias igual que Terry O'Quinn hace con los habitantes del Drake. El tiempo dirá si lo consigue.

lunes, 15 de octubre de 2012

The Sunday Sitges Marathon Movies

Al igual que el año pasado sobre estas fechas, ya ha acabado el Festival de Cine Fantástico de Sitges. Algún día, cuando me salgan los dólares de las orejas, podré disfrutar de este festival, que parece hecho a mi medida, como Dios manda, atendiendo a presentaciones y estrenos. Hasta entonces, creo que tendré que limitarme a las maratonianas sesiones del último domingo del festival. En esta ocasión sólo pude ver tres películas por problemas internos, dolorosos retortijones, pero considero que fue una sesión bastante aprovechada aunque quizá no tanto como la del año pasado.
La primera película que vi, tercera de la maratón, se titula Maniac, remake del clásico y violento slasher de William Lustig. Maniac cuenta la historia de un asesino en serie profundamente perturbado interpretado por Elijah Wood. El director es Franck Khalfoun y los guionistas y padrinos son Alexandre Aja y Gregory Levasseur. Sinceramente, no soy muy fan del género pero esta Maniac tiene una peculiaridad que la hace un poco más interesante: casi todo el metraje del film se compone de plano subjetivos. Khalfoun utiliza unos recursos muy bien planificados para situarnos en la mente del homicida con muy buenos resultados. También es cierto que ese tipo de cámara puede ser un poco mareante pero el experimento formal y algunas ideas argumentales y visuales de la película hacen de Maniac una película recomendable incluso para aquellos que no frecuentan los slashers, el terror ni el gore.
El segundo film fue Grabbers, una película de monstruos con amplias dosis de comedia realizada en Irlanda. El monstruo es un extraterrestre compuesto principalmente de tentáculos, el escenario una solitaria y desconectada isla frente la costa irlandesa y los protagonistas una pareja de policías municipales. De las tres películas de la jornada, ésta fue la más normal y directa. Grabbers es una película de entretenimiento bien realizada y con puntillas de guión muy divertidas y muy bien escritas. Para que os hagáis una idea, uno de ganchos de la película es que el monstruo no tolera el alcohol en la sangre de sus víctimas y a mitad película, los habitantes de la isla organizan un fiesta con barra libre en el único bar que hay; lo que siguen son una docena de abuelos borrachos, cura incluido.
John Dies At The End es la última película de Don Coscarelli y fue la última de la maratón. Por trailers y demás, mis expectativas estaban bastante altas y la sensación final que me dejó el film fue dulce y amarga a la vez. La mejor versión del argumento que puedo dar sería algo así: David y John, viejos amigos, descubren una nueva droga que le permite ver e interactuar con una nueva dimensión que pretende invadir nuestro mundo y que sólo ellos pueden combatir. Esta breve frase se queda corta lo mires como lo mires pues John Dies At The End es una locura de principio a fin. Algunos de los despropósitos que articulan la trama resultan realmente divertidos, originales e inesperados (la transformación de un pomo de puerta en un pene para evitar que los protagonistas escapen es brillante) pero el conjunto final es demasiado caótico y psicotrópico.

miércoles, 10 de octubre de 2012

Cuento Haiku: La anciana papeleta

Un hombre y una mujer ayudan a una anciana, arrugada y reducida, a acercarse a la mesa electoral. La anciana lleva la temblorosa mano extendida, con el DNI y la papeleta, como el ciego que tantea. Cuando llegan a la mesa, la anciana hace el gesto de meter el DNI en la urna pero la mujer la corrige. Cuando ya se van, una joven que miraba se cruza en su camino y pregunta a la anciana:
-¿A quién ha votado usted?
- Pues a Franco, por supuesto.
El hombre parece abochornado y la mujer, enfadada, está a punto de decirle algo a la joven cuando ésta se adelanta.
-Asumo que han votado al PP...
-Vete a la mierda.

martes, 9 de octubre de 2012

Vegas: mafiosos contra cowboys


Tras la cancelación de No Ordinary Family, Vegas supone el retorno del gran Michael Chiklis aka Vic Mackey al mundo de la televisión en el papel protagonista de Vincent Savino, un mafioso de Chicago que llega a Las Vegas para poner orden. En la otra esquina del cuadrilátero tenemos a Dennis Quaid como Ralph Lamb, un ranchero reclutado por el alcalde para ejercer de sheriff y limpiar la ciudad. El ring también es importante en sí mismo pues no se trata de la ciudad que conocemos sino una representación, imagino que bastante fiel, de lo que era Las Vegas en 1960. Hasta el momento, dos episodios, 1960 no se diferencia mucho de 2010 más allá de la inútil lucha por evitar que la ciudad se coma el campo y los ranchos.
A diferencia de otras series, los dos episodios que he visto no me bastan para emitir un juicio categórico sobre esta producción aunque así, a primera vista, es interesante, entretenida y no te hace sentir estúpido. Entre los secundarios tenemos a Carrie-Anne Moss aka Trinity y al padre de la defenestrada Terra Nova pero sin duda, la estrella del show, muy a pesar de guionistas, directores o Dennis Quaid es Chiklis. El problema de tener una única estrella es que difícilmente va a ser capaz de cargarse toda la serie sobre los hombros para llevarla hasta las puertas del éxito.
Personalmente, tengo un interés muy subjetivo en esa época concreta de la historia de los USA y eso ya me tiene convencido para verla, pero me temo que a Vegas le va a faltar una pizca extra de varios ingredientes, sobretodo tramas y desarrollo de personajes, para llegar a alcanzar las cotas de calidad a las que aspira. Veremos si con el transcurso de los episodios, Vegas es capaz de crecer o si por el contrario se queda agarrada a lo establecido en estos dos primeros episodios.

lunes, 8 de octubre de 2012

La publicidad podría ser así

Adiós a los cascos con cuernos

Hace poco llegó a las librerías especializadas el último tomo de Northlanders, la serie de Vertigo creada por Brian Wood sobre vikingos. Cuando digo último lo digo de verdad, el tomo llamado La Trilogía Islandesa es y será el tomo final de esta serie que no ha disfrutado de los laureles que merecía. Northlanders no ha llegado a convertirse en la gran serie que vaticinaba sus primeros números pero siempre ha mantenido un nivel de calidad bastante elevado basada en la fidelidad histórica, personajes potentes y complejos y, por supuesto, vikingos. Como con los ninjas, si añades vikingos a casi cualquier cosa, siempre mejora.
La Trilogía Islandesa explica la historia de la colonización de esa isla helada por parte de los vikingos que escapan de la unificación de Noruega. Brian Wood cubre una franja de unos 400 años dando todo el protagonismo a un clan ficticio que lucha por imponerse en la isla del hielo.
Mi gran decepción personal y subjetiva con esta serie es que Wood decidiera construir una serie de relatos separados entre sí en vez de unificar todas las ideas, personajes y hechos históricos en una única y gran historia. Obviamente, no habría sido posible contar las variopintas historias que Wood ha narrado en los 50 números de esta serie pero la posibilidad de seguir a un clan o una población vikinga a través de los siglos me resulta mucho más atractiva que la desconectada suma de relatos interesantes pero inconexos que ha acabado siendo Northlanders.
El rasgo más significativo de esta serie es la fidelidad histórica y todo aquel que se sienta mínimamente interesado por el extraño y frío mundo de los vikingos debe leer Northlanders. Aprender es bonito.

jueves, 4 de octubre de 2012

Los catalizadores del cambio

Ayer acabé de leer la serie de Transmetropolitan y, como ya comenté por aquí, se trata de una serie muy interesante. Los dos o tres últimos volúmenes son especialmente atractivos por lo actual de su argumento. Tras haber pasado su mirada por varias áreas de la sociedad humana, Warren Ellis se centra en la figura del Presidente de los USA. En este futuro descalabrado, el Presidente es un personaje vil y asqueroso cómo pocos pero sus actividades como presidente no lo sitúan tan lejos de otros presidentes por todo el mundo, y concretamente del nuestro, el Sr. Rajoy.
Spider Jerusalem tomo como cruzada personal, destruir la presidencia y echar al presidente corrupto del gobierno. Su arma es, por supuesto, el periodismo gonzo. A través del periodismo, Spider hace en realidad de policía de los poderosos; se dedica a reunir pruebas y a exponerlas en periódicos o páginas web. La avalancha de información contrastada hace que la gente se alce contra el poder que les oprime y exprime.
En nuestro mundo y país, la esperanza de que la prensa: dividida, corporativizada y amiguista sea el catalizador del cambio que tantísima gente está deseando resulta una esperanza subatómica. Entonces, ¿qué queda? ¿Qué elemento podría iniciar el desahucio de los corruptos, avariciosos y mentirosos filibusteros que ostentan el poder hoy en día? ¿Qué tiene que suceder para que empecemos a educar a nuestros descendientes para que sean mejores que nosotros? Yo no lo sé pero me gustaría descubrirlo algún día.
Entretanto, os recomiendo leer Transmetropolitan y deseo que vosotros también lo recomendéis a otros. Nunca se sabe...

miércoles, 3 de octubre de 2012

La Chispa de la Vida o exageraciones de una sociedad enferma

Álex de la Iglesia es uno de mis directores españoles favoritos gracias a películas como Acción Mutante, El Día de la Bestia y 800 Balas. La Chispa de la Vida, protagonizada por José Mota y Salma Hayek, es la última película que ha dirigido aunque ya está con las manos en otra masa. El rasgo por el que más aprecio a este horondo y genial cineasta es su dedicación a hacer sus propias películas. Cierto es que de vez en cuando le ha dado por probar cosas distintas, como hizo en los Crímenes de Oxford, pero aparentemente siempre sigue el camino que dictan sus pies; igual que Wes Anderson, por cierto.
La Chispa de la Vida cuenta la historia de un publicista en paro que en su día disfrutó de los laureles del éxito gracias a la campaña de Coca-Cola homónima pero que hoy en día vive al borde de la quiebra y la desesperación. Cuando su último intento de conseguir trabajo sale mal, Roberto visita el hotel donde pasó la luna de miel con su esposa, Luisa. Por desgracia el hotel ya no existe pues han encontrado las ruinas de un anfiteatro romano y Roberto tiene la mala suerte de caer y clavarse un hierro en la cabeza. Pronto, una marabunta de prensa, médicos, bomberos, políticos y curiosos se reúne alrededor de Roberto, que no puede ser trasladado al hospital por la gravedad de la herida.
De la Iglesia utiliza el recurso de la exageración mostrar varias facetas de ésta decadente sociedad nuestra, donde el morbo, la fama y el egoísmo encuentran el caldo de cultivo perfecto para crecer sin límite ni control. Técnicamente, la película es más que correcta y tiene un buen guión. Como muchas otras películas de De la Iglesia, no es una comedia al uso aunque está plagada de momentos cómicos, negros como el azabache la mayoría de ellos. Para mí, la mayor sorpresa del film es la interpretación de José Mota, con el que disfruto bastante en sus gags y sketches pero que en esta película cumple con nota en en otros aspectos más dramáticos y sutiles.
A pesar de todos los puntos positivos, a La Chispa de la Vida le falta esa pizca de genialidad y brillantez que tienen otras de sus películas y que tan difícil es de definir o encontrar. Esta película no es otra obra maestra que añadir a la filmografía de nuestro querido director vasco pero sin duda se trata de una buena e interesante película que española que deja en ridículo a muchas de las películas yanquis con las que nos bombardean semana tras semana.

martes, 2 de octubre de 2012

Moonrise Kingdom o el sueño de una escapada


Wes Anderson es uno de esos directores que ha decidido no subirse al carro de las grandes producciones hollywoodienses para seguir haciendo exactamente las películas que quiere hacer. Sus films tienen siempre ese toque casi ceremonial que atestigua la presencia de verdadero amor por el cine.
Moonrise Kingdom cuenta la historia de un niño y una niña que deciden escapar juntos así como la de los adultos que intentan encontrarles. Por supuesto, como sucede con las buenas películas, el resumen no cuenta nada en realidad así que luego dejaré el trailer. El verdadero meollo de la película está en una realización muy personal y en unos actores sutiles e interesantes. Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray y el resto de actores "estrella" brillan como no pueden hacerlo en los blockbusters yanquis pero las estrellas supernova de la película son Jared Gilman y Kara Hayward. Ambos interpretan a los niños protagonistas con una calma maravillosa, con un punto adulto en sus conversaciones y una energía que sin duda llega al espectador.
Después de ver miles de películas sin identidad, industrializadas en todos sus procesos, se agradece profundamente sentir la visión particular de un director que no sigue lo patrones establecidos sino que se apoya en aquellas herramientas concretas que le sirven para esta película en concreto: ese narrador extraño que augura el desastre, la fotografía brumosa y desaturada, el ritmo, la ambigüedad...
Por otro lado, Moonrise Kingdom no cae en la trampa de la inaccesibilidad ni resulta pretenciosa en ningún momento. La película se disfruta sin aburrirse ni enfadarse, no quiere ser una obra de arte sino entretenimiento del bueno, del que te hace pensar y que, de vez en cuando, te pone de puntillas en la cuerda floja esperando que Anderson no sea capaz de enseñarte según qué cosas.
¿Podéis imaginar que sucedera si absolutamente todas las películas: adaptaciones, secuelas, pelis de acción o comedias románticas si hicieran con este cariño y personalidad? Sería tan bonito...

lunes, 1 de octubre de 2012

Revolution o rellenando el molde

Revolution apareció rodeada de una gran expectación gracias al equipo creativo: JJ Abrams (Lost, Star Trek), Jon Favreau (Iron Man) y Kipke (Supernatural). Semejante constelación de estrellas tenía que acabar en una serie de altas audiencias o eso se decían todos. Hasta la fecha se han estrenado dos episodios y creo que no les ha ido mal pero aún es pronto para decir si tendrá éxito o no.
Por mi parte, considero que estos dos episodios son material suficiente para empezar a comentar, así que a eso vamos. Revolution gira alrededor de un evento fantástico e inexplicable: la electricidad deja de funcionar. Quince años después del fin del mundo tal y como lo conocemos, se han establecido milicias y "nuevos estados" por todo Estados Unidos mientras que la gente sencilla ha vuelto al campo para poder sobrevivir. Es un panorama post-apocalíptico relativamente conocido pero con cierto potencial. En el centro de este nuevo mundo tenemos a una familia estrechamente relacionada con el suceso inexplicable y el arranque de la serie se centra en el rescate de uno de los miembros de la familia que ha sido secuestrado por una milicia.
Revolution usa, como tantas otras series, el molde generado a partir del éxito de Lost pero no añade ningún ingrediente innovador ni original. Tenemos el misterio central y las tramas que desarrollan ese misterio, también tenemos a un grupo de protagonistas conectados entre ellos que incluyen una chica guapa, el friki inteligente, el tio duro, el interés romántico... Lo típico, vamos.
Evidentemente, no soy muy optimista en cuanto a lo que esta serie pueda aportar más allá de un entretenimiento bien realizado pero, aunque poco plausible, la posibilidad de sorpresa está ahí. De momento, Revolution tiene los ingredientes para ser una serie de televisión entretenida y poco más. Lo mejor de la serie en estos dos episodios es la imponente presencia de Giancarlo Espósito de Breaking Bad, y por ende, su personaje, mano derecha del villano principal.

viernes, 28 de septiembre de 2012

martes, 25 de septiembre de 2012

De la grandeza

Hay muchas cosas que podría explicar para poner en contexto el fragmento que me dispongo a copiar, pero creo que bastará con decir que Ender, Pipo y Libo son humanos y Raíz y Humano son extraterrestres que pertenecen a una especie subdesarrollada con tribus enfrentadas entre ellas. Atención, que es importante.

¿Qué esperabas que hiciera este hermano?-pensó Ender-. Su gente siempre se había medido contra las otras tribus. Su bosque no tiene cien o quinientas hectáreas: es más grande o más pequeño que el bosque de la tribu del este o del sur. Lo que tengo que hacer ahora es el trabajo de una generación. Tengo que enseñarle un nuevo modo de concebir la grandeza de su propio pueblo.
-¿Es grande Raíz?- preguntó Ender.
-Claro que sí. Es mi padre. Su árbol no es el más antiguo ni el más grueso, pero ningún padre ha tenido nunca tantos hijos tan rápidamente después de ser plantado.
-Así que en cierto sentido, todos los hijos que ha tenido son aún parte de él. Cuantos más hijos tiene, más grande es -Humano asintió lentamente-. Y cuanto más consigas tú en tu vida, más grande harás a tu padre, ¿no es cierto?
-Si sus hijos hacen bien, entonces sí; es un gran honor para el padre árbol.
-¿Tienes que matar a todos los otros grandes árboles para que tu padre sea grande?
-Eso es distinto. Todos los otros grandes árboles son padres de la tribu, y los más pequeños son aún hermanos.
Sin embargo, Ender pudo ver que Humano estaba ahora inseguro. Se resistía a las ideas de Ender porque eran extrañas, no porque fueran erróneas o incomprensibles. Estaba empezando a comprender.
-Mira a las esposas. No tienen hijos. Nunca podrán ser grandes como es grande tu padre.
-Portavoz, sabes que son las más grandes de todas. La tribu entera les obedece. Cuando nos gobiernan bien, la tribu prospera; cuando la tribu se multiplica, entonces las esposas son también fuertes...
-Aunque ninguno de vosotros sea hijo suyo...
-¿Cómo podríamos serlo?
-Y sin embargo aumentáis su grandeza. A pesar de que no son vuestra madre ni vuestro padre, crecen cuando vosotros crecéis.
-Todos somos la misma tribu.
-Pero, ¿porqué sois la misma tribu? Tenéis diferentes padres, diferentes madres...
-¡Porque somos la tribu! Vivimos aquí en el bosque, y...
-Si viniera otro cerdi de otra tribu y os pidiera que le dejarais quedarse y ser un hermano...
-¡Nunca le permitiríamos ser un árbol padre!
-Pero intentasteis que Pipo y Libo lo fueran.
Humano respiraba ansiosamente.
-Eran parte de la tribu. Del cielo, pero les hicimos hermanos e intentamos hacerles padres. La tribu es lo que nosotros creemos que es. Si decimos que la tribu son todos los Pequeños del bosque, y todos los árboles, eso es lo que es la tribu. Incluso algunos de los árboles más antiguos provienen de guerreros de otras tribus, caídos en batalla. Nos convertimos en una tribu porque decimos que lo somos.
Ender se maravilló por la mente de este pequeño ramen. Cuán pocos humanos eran capaces de comprender esta idea, o dejar que se extendiera más allá de los estrechos confines de su tribu, su familia, su nación.

Fragmento de "La Voz de Los Muertos"
por Orson Scott Card


viernes, 21 de septiembre de 2012

Transmetropolitan o periodismo gonzo en el futuro

El periodismo gonzo se caracteriza por enarbolar el subjetivismo por bandera hasta el extremo de incluirse a uno mismo dentro del reportaje. El creador y máximo exponente de este estilo de periodimso fue Hunter S. Thompson, el escritor de Miedo y Asco en las Vegas. Warren Ellis se inspiró en la figura de este extravagante reportero para crear a Spider Jerusalem, un excéntrico y lunático periodista que debe abandonar un exilio autoimpuesto para volver a la Ciudad a cumplir unos contratos. Lo escribo en mayúsculas pues la Ciudad es el segundo protagonista de Transmetropolitan. Hasta donde he leído (unos 20 números) y exceptuando el primero de todos, todas las tramas y peripecias de la serie ocurren en una ciudad indeterminada y futurista que pretende ser el reflejo gamberro e hiperbólico del mundo entero.
El talento de Ellis queda patente desde el primer momento y la cantidad de ideas, grandes y pequeñas, que aparecen continuamente en el comic, resulta casi abrumadora. El trabajo de Ellis tiene el gran apoyo de Darrick Robertson que, a pesar de no poder mostrar en infinito detalle todo lo que imagina en cada panel como sí hacía en Hard Boiled, sigue manejando la narrativa y las emociones de los personajes como un maestro.
Aunque estoy disfrutando mucho de este cómic, y lo que todavía me queda, a menudo me encuentro pensando en cual sería el resultado si Ellis se lo hubiese tomado un poco más en serio. Que conste que no es una crítica, estoy seguro que Ellis realizó la decisión consciente de no ser demasiado moralista y maquilla toda la crítica social y política con una amplia dosis de macarrismo, mala leche y humor negro.
Transmetropolitan es ya una obra de culto y ofrece una visión del futuro imposible de ignorar cuando uno se plantea hacia dónde nos dirigimos. Además, Spider Jerusalem es uno de los grandes.

jueves, 20 de septiembre de 2012

Ender el Xenocida y Hijos de la Mente: otra saga que se acaba

La sorpresa, el encuentro de algo desconocido e impredecible, suele magnificar la mayoría de sensaciones, sobretodo en el mundo de la ficción. Una de las razones básicas para que la regla de "segundas partes nunca fueron buenas" funcione tan bien como lo hace es que la sorpresa, la originalidad y frescura de la primera parte está intrínsecamente ausente en la segunda. Es inevitable. Las excepciones a esta regla suelen aparecer en forma de segunda parte que amplia y profundiza en conceptos que la primera parte no acabó de redondear o, como en el caso de la saga de Ender, porque la segunda parte difiera tanto de la primera que parezcan obras completamente separadas.
Aún así, la regla de la sorpresa se sigue aplicando y probablemente, esa es la razón principal por la cual Ender el Xenocida y Hijos de la Mente, tercera y cuarta parte de la saga, no me hayan impactado tanto como la fabulosa Voz de los Muertos. Evidentemente, no quiero decir que esta segunda mitad de la saga sea peor que lo anterior ni mucho menos; de hecho, si has leído y disfrutado de la Voz de los Muertos considero un deber moral leerse estos otros dos libros del gran Orson Scott Card. En ellos, se mantiene ese estilo basado en diálogos complejos e inteligentes que, además de avanzar la trama, exploran cuestiones filosóficas, metafísicas y científicas con un tono casi didáctico y accesible. La multiplicidad de puntos de vista  radicalmente distintos pero igual de verdaderos ofrece un panorama colorido y muy interesante. Casi todos los momentos importantes de la historia son descritos y comentados por varios personajes con visiones de la vida muy distintas y personalidades a menudo enfrentadas.
Otras sorpresa con la que me he encontrado mientras investigaba a Orson es que el hombre se considera mormón. Siempre es una alegría tener que reconfigurar algunas de las propias creencias gracias al aprendizaje y así he tenido que añadir un apéndice a aquello que creía saber de los mormones pues Orson muestra una claridad mental, una comprensión de la naturaleza humana y una sabiduría que no creía posible en un grupo social tan lleno de reglas y estrictas creencias.
La saga de Ender, sobretodo los tres últimos libros, es un canto a la vida y a la profunda exploración de la misma a través de la inteligencia y la empatía que ningún amante de la ciencia-ficción y de la buena literatura en general debería perderse. Orson ha seguido escribiendo en este universo que ha creado dentro de otra saga llamada de las sombras que me propongo leer.

martes, 18 de septiembre de 2012

Resident Evil Retribution: cuando una adaptación fiel no es un éxito

Resident Evil Retribution, la quinta película en esta franquicia, debe ser una de las mejores adaptaciones conceptuales de un videojuego al cine. Lamentablemente, no se trata de un piropo. Básicamente, el guión de la película es: Alice ha sido capturada y unos tipos la ayudan a escapar. Este elaborado y complejo guión sirven para establecer la serie de "set pieces" o secuencias de acción que conforman la película: Alice contra unos cuantos zombis, Alice y Ada contra dos super-zombis, Alice y Ada contra los soldados, los rescatadores contra los soldados zombis, Alice y los rescatadores huyendo de un bicharraco, Alice contra el bicharraco y la pelea final. Creo que no me he dejado ninguna. En fin, igual que en un videojuego, la película se compone de diferentes fases que el espectador tiene que ir soportando.
Por supuesto, el apartado técnico está a la altura de lo que se espera pero como con Snow White and the Huntsman las coreografias y la acción en general no son tan sobresalientes como para olvidar todo lo demás.

viernes, 14 de septiembre de 2012

La Voz de los Muertos o bendita sorpresa

Descubrir algo por primera vez y reconocer que se trata de una maravilla es una de las experiencias fundamentales de la existencia humana. Personalmente, vivo para esos momentos así que no puedo hacer otra cosa que dar las gracias a Orson Scott Card por escribir un pedazo de libro como La Voz de los Muertos.
Pocos días atrás, comenté Los Juegos de Ender y cómo el mismo libro cerraba sus puertas a la secuela más obvia, aquella que no sólo continua la trama original sino que sigue las mismas estructuras y ritmos de la obra anterior. Orson se decidió por un tipo de secuela que no abunda demasiado, aquella que toma los recursos necesarios de la obra original para crear algo completamente distinto, mayor, más complejo, mejor y más profundo. Si Los Juegos de Ender se podria considerar como una gran novela de ciencia-ficción mayormente dirigida a un público joven, La Voz de los Muertos es sencillamente una gran novela.
La Voz de los Muertos gira alrededor del encuentro con una nueva especie inteligente y explica todas las dudas científicas, morales y teológicas que aparecen a medida que los conocemos más y más. Me resisto a explicar más sobre la trama pues irremediablemente saquearía el final de Los Juegos de Ender y no me gustan los spoilers.
El argumento del descubrimiento permite a Orson realizar multitud de reflexiones filosóficas y humanistas que los personajes, que vuelven a caracterizarse por su amplia sabiduría, discuten en elaborados diálogos o complejos monólogos interiores. Orson se zambulle en cuestiones como la naturaleza de la vida, la percepción que tenemos de ella, las relaciones entre los individuos de una comunidad... Luego, utilizando la particular idiosincracia de la raza alienígena que ha creado, Orson plantea paradojas y acertijos originales y condenadamente interesantes. Por si lo anterior no fuera suficiente, Orson maneja la intriga como un maestro y es difícil apartar el libro para dormir cuando la respuesta a alguno de tantos y tantos misterios podría encontrarse en la siguiente página.
Aunque la lectura de Los Juegos de Ender da una visión y comprensión más completa de Ender, el protagonista de ambas novelas, tampoco se trata de un requisito obligatorio para disfrutar de La Voz de Los Muertos, que debería ser de lectura obligatoria para todos los niños en todos los colegios del mundo.

jueves, 13 de septiembre de 2012

Prometheus o el toque de la corrupción

Prometheus era una de las películas más esperada de este año pues significaba el retorno de Ridley Scott a la franquicia que le dio fama y que cautivó la imaginación de millones de personas: la saga Alien. Por desgracia, ya no estamos en 1979; Ridley no es el mismo Ridley y la industria ha cambiado mucho.
La nave Prometheus es una nave científica de exploración que pertenece a la corporación Weiland, dos científicos que creen haber descubierto uno de los secretos más importantes de la humanidad convencen al Sr. Weiland para que les deje la nave para visitar un planeta donde se supone encontrarán a una especie extraterrestre mucho más avanzada.
La película resulta entretenida y tiene algunas buenas ideas pero enseguida resulta evidente que está llena de lagunas argumentales que probablemente se deban a los mal dirigidos deseos de los dioses del dinero que controlan Hollywood. Aunque la trama principal es relativamente sencilla y lineal, casi todos los detalles que dan forma y cuerpo a esa trama contienen incoherencias entre sí y vacíos que quizá esperen llenar en la hipotética segunda parte. Todos tenemos claro que en una película de Hollywood, los científicos jamás actúan como tales ¿pero es necesario que se comporten como los participantes de un reality?
A pesar de todo, como he dicho, la película resulta entretenida, porque esos realitys no menoscaban ciertas imágenes espectaculares o algunas ideas sorprendentes pero esa falta de coherencia profunda, de consistencia interna... el sacrificio de todas esas cosas en favor de los conceptos más circenses me puede.
En su origen, Prometheus probablemente era un guión interesante pero entonces llegó Hollywood, con su toque corruptor para añadir salsa picante y colorante artificial. Así, la película se convirtió en una amalgama de ideas que no acababan de encajar bien pero que llevarían a suficiente gente al cine.

lunes, 10 de septiembre de 2012

Sound of Noise o terrorismo musical


Sound of Noise es una perla blanca en el mundo del cine. Esta producción sueco-francesa al cargo de Ola Simonsson y Johannes Stjärne Nilsson brilla con gran instensidad durante la hora y media que dura. Sin pudor, mezcla drama con comedia, cine policíaco con actuaciones musicales para gestar una película original y muy interesante.
La trama gira alrededor de Amadeus Warnebring, un policía con un trauma serio con la música. Su mundo se descontrola cuando aparecen en escena un grupo de terroristas musicales dedicados en cuerpo y alma a hacer música con la ciudad.
Hoy estoy un poco espeso pero la película no tiene ninguna culpa pues es una película redonda y maravillosa que jamás podría haber salido de factoría de salchichas de que es la mayor parte de Hollywood hoy en día. Esta película queda altamente recomendada para la posteridad.

viernes, 7 de septiembre de 2012

Snow White and the Huntsman: ¿para qué?

Snow White and the Huntsman es obviamente una adaptación del famoso cuento de los hermanos Grimm pero también es un buen ejemplo de cómo funciona Hollywood hoy en día. Se trata de una película con un generoso presupuesto y buena producción, algunas buenas ideas perdidas en la avalancha de tópicos y cosas vistas mil veces, actores de renombre sin el material necesario para demostrar que tienen algo más que renombre y una gran campaña publicitaria. Realizada a consciencia para mayores de 13 años, esta nueva versión del famoso cuento no aporta nada de nada, así, en general. Su supuesto punto fuerte son algunas de sus "espectaculares" escenas pero con que no hayas vivido bajo una piedra durante los últimos años habrás visto cosas mejores o, al menos, iguales. Para colmo, deciden incluir un par de inútiles toques religiosos que... En fin, no la veáis.

miércoles, 5 de septiembre de 2012

Dark Shadows: homenajes que no cuajan

Dark Shadows es la adaptación que ha hecho Tim Burton de la serie homónima de 1966. La serie original puede definirse como una telenovela gótica en la que, poco a poco, fueron apareciendo más y más elementos sobrenaturales y de ciencia-ficción. Como no podía ser de otra manera, al pequeño Tim Burton le encantaba esa serie llena de melodrama y personajes tenebrosos y recientemente le dio por realizar su homenaje en forma de adaptación al cine que ha pasado sin pena ni gloria por las salas de medio mundo. La obra original, que no he visto, era desconocida para la gran mayoría del público y la película en sí misma, no es para echar cohetes. Resulta entretenida, tiene algún momento muy bien pensado, visualmente Burton sigue en forma aunque aquí está más contenido de lo habitual y nadie puede negar el carisma de actores como Johnny Depp, Michelle Pfeiffer y la nueva y encantadora Chloë Moretz. Por desgracia para Dark Shadows, esos elementos ya no son suficientes para ser un éxito de taquilla pues hoy en día, la mayoría de películas que Hollywood regurgita los contienen. Siendo lo que es, difícilmente iba a ser un éxito de crítica pues ni el guión, común y sencillo con la excepción de los diálogos "antiguos" de Depp, ni la dirección, Burton hace un trabajo muy estándar con pocas señas de su identidad autoral, resultan sobresalientes.
Dark Shadows tiene como protagonista absoluto a Barnabas Collins, el joven heredero de una poderosa familia que en 1760 cae bajo la maldición de una bruja que lo convierte en vampiro y lo encierra durante casi 200 años. Cuando en los 70, unos obreros lo liberan por accidente, Barnabas volverá a la antigua casa familiar para ayudar a lo que queda de una peculiar familia Collins al borde de la desesperación.
El típico juego del hombre fuera de su tiempo resulta divertido con Depp y el ácido personaje de rebelde adolescente de Moretz tiene algunas buenas frases, pero en general, Dark Shadows resulta sólo entretenida. Por si acaso y como viene siendo costumbre, la trama de la película deja las bases para la franquicia potencial en un giro que se ve venir a la legua pero debido a la naturaleza caprichosa de la industria del cine en Hollywood y a la pobre recepción en taquilla, es imposible predecir si habrá secuela o no. En todo caso, esa hipotética secuela tampoco promete demasiado.

jueves, 30 de agosto de 2012

Chew tiene el perfecto punto de sal


Recientemente he tenido la oportunidad de adquirir los otros tres tomos que existen en España de Chew y no lo he dudado ni un instante. Para mayor placer del que suscribe, Chew sigue en gran estado de forma desarrollando lentamente pequeñas tramas y sorprendiendo al lector con nuevos personajes, nuevos cabos sueltos y nuevos nudos para trenar todas las tramas. El único temor que me acomete es que sus autores estén jugando demasiadas cartas demasiado rápido y se encuentren en la difícil situación del callejón con ninguna salida buena excepto cerrar la serie demasido pronto. En el cuarto tomo, se husmea en el aire que va a haber grandes acontecimientos y se vislumbra luz al final del túnel que es la mitología de Chew. En fin, de momento, todo va viento en popa y el viaje merece la pena.

miércoles, 29 de agosto de 2012

El Juego de Ender o los juegos son el futuro

El Juego de Ender es una novela de ciencia-ficción escrita por Orson Scott Card que ya han leído millones de personas por todo el mundo. Este clásico narra las peripecias de Ender, un niño superdotado que es reclutado por el ejército para participar en un brutal programa de entrenamiento para la formación de oficiales con la esperanza de que sea capaz de hacer frente a una inminente amenaza extraterrestre. Si esta novela apareciese hoy en día, en la era de las franquicias, en vez de en 1985; se convertiría en dos o tres buenos tochos que los productores de Hollywood matarían por la opción de compra. Los juegos de Ender tiene todos los elementos necesarios para ser un Harry Potter en el espacio: un grupo de jóvenes pero talentosos protagonistas, un escenario peculiar, interesante y peligroso, numerosos conflictos entre personajes y una amenaza global y latente para ponerlo todo en perspectiva.
Yo, que soy amante de las sagas y que me encanta engancharme a historias en las que tengo miles de páginas por delante, casi echo en falta que Orson no lo hiciera así en su día. Los Juegos de Ender que él escribió no llega a las 400 páginas y el tramo final va especialmente rápido. Así, en vez de dilapidar páginas y páginas, elaborando todo lo que sucede alrededor de Ender, el lector se centra casi exclusivamente en él y le sigue en su viaje iniciático. Orson tiene un estilo conciso, poco dado a la descripción, personal y rápido que encaja perfectamente con la historia narrada.
Uno de los temas principales de la novela son los juegos y el uso que le dan los que están al mando para educar a Ender. Orson muestra las bondades así como los defectos de los juegos en una reflexión que se extiende por todo el libro. Apasionado de los juegos como soy, es un placer leer un tratado tan interesante como adictivo sobre uno de mis temas favoritos.
Jejeje. A pesar de lo dicho, El Juego de Ender sí tiene una continuación aunque por lo poco que he leído al respecto no es una secuela al uso y por eso no lo tengo en cuenta en mi reflexión sobre las franquicias. En cualquier caso tengo intención de echarle un ojo en cuanto pueda así que ya os contaré. Ah, sí, El Juego de Ender acaba con una frase de 4 palabras sencillamente genial. Disfruten del final de verano.

lunes, 20 de agosto de 2012

What I Have To Offer

Charlie Kauffman es uno de mis guionistas favoritos, probablemente el que más me gusta en la industria del cine. Creo que ha sido en los pasados premios Baftas que realizó un discurso impresionante que podéis leer aquí en inglés. Un autor ha colgado en Vimeo en montaje con el fragmento más potente del discurso que cuelgo a continuación. Por desgracia está en inglés y no hay subtítulos pero vale mucho la pena.



P.D: Sí, ya he vuelto. En breve espero retomar los comentarios y demás. Yo soy todo lo que tengo que ofrecer.

miércoles, 8 de agosto de 2012

Me voy, os dejo pero no os abandono

Hace menos de una semana no pensaba que iba a hacer campamento este verano pero al final, un hueco entre faenas (que pronto tendré que explicar) y unas llamadas tentadoras me hicieron cambiar de opinión. Tengo fe en que estos diez días me quiten el sabor de boca de los últimos diez que pasé la navidad pasada y tampoco estaría de más que me dieran una buena alegría. En fin, escribo para comunicar que hasta el 24 o 25 (un par de días previos, los diez y otro par de recuperación) no volveré a pasar por el blog. Enjoy the summer!!

viernes, 3 de agosto de 2012

Life in a Day: the crowdsourced documentary

Life in a Day es un experimento audiovisual llevado a cabo por Ridley Scott, Youtube y LG Corp en el que pidieron a los usuarios de Youtube que grabaran su rutina el dia 24 de Julio de 2010 y les mandasen la grabación. En total, recibieron unas 4500 horas de material (lo cual es una auténtica burrada) y, gracias a un numeroso grupo de personas que se encargaron de clasificar, seleccionar y editar el material, surgió un documental de hora y media sobre la vida.
Aunque se puede decir que hay unos pocos "afortunados" con más tiempo en pantalla que los demás, el documental se compone de breves segmentos audiovisuales que muestran el día a día de la gente desde ciudades cosmopolitas hasta los rincones más exóticos del mundo. Life in a Day sigue dos líneas estructurales: una es el transcurso del día desde la medianoche, las 00:00 del 24 de julio, hasta las 23:59 del mismo día. Así, el docu empieza de noche, vemos gente durmiendo, enseguida llegamos al despertar, aseo matinal, desayuno, etc... La otra línea narrativa se basa en tres preguntas que los usuarios debían responder, en este orden: ¿Qué llevas en los bolsillos? ¿Qué es lo que más amas? ¿Que es lo que más temes?
Life in a Day es uno de esos documentales en los que el espectador sacará irremediablemente una conclusión propia, quizá cercana a la de muchos otros, pero tan propia e individual como el espectador mismo. Para mí, el documental responde con un rotundo "Esto y mucho más" a la ancestral pregunta "¿Qué es la vida?". Como cualquier buena representación de un concepto tan amplio e inabarcable, el documental muestras retales de la cotidianidad más palpable junto con momentos emotivos de gran belleza sin olvidar las tragedias diarias y los disparates más terroríficos. Life in a Day mezcla drama, comedia, terror, intriga e incluso fantasía con una facilidad y coherencia pasmosa.
Sin duda, se trata de un documental inspirador aunque no pretende descubrir ningún misterio milenario ni revelar los secretos sobre el universo. Life in a Day podría incluirse en la siguiente Voyager que lancen al espacio para que los extraterrestres que la encuentren conozcan de primera mano cómo es la vida en la Tierra. En fin, yo lo he disfrutado muchísimo y ese estilo de intenciones turbias me ha recordado a otro de mis documentales favoritos: Baraka. Si os gustan los documentales, tenéis que verla; si no os gustan los docus por ser demasiado adoctrinadores, tenéis que verla; si no lo vais a ver, más perdéis.

miércoles, 1 de agosto de 2012

Chew o cómo hacer cómic comercial

De un tiempo a esta parte, Image se ha alzado sin lugar a dudas con el premio gordo que es convertirse en la tercera editorial de los USA por detrás de las monolíticas e inamovibles Marvel y DC. El método a seguir es sencillo: ofrecer buenos contratos a autores reconocidos, diversificar el catálogo y la calidad. Uno de esos cómics que ha ayudado a encumbrar a Image es Chew, de John Layman y Rob Guillory.
La premisa que da pie a Chew es la siguiente: la gripe aviar mató a 23 millones de personas y consecuentemente la carne de ave, sobretodo pollo, ha sido completamente prohibida. Para luchar contra el tráfico y contrabando de pollo, se crea una nueva agencia gubernamental con plenos poderes, la FDA. En medio de este tinglado tenemos a Tony Chu, un polícia con un extraño poder; Chu es cibópata y recibe impresiones psíquicas de todo lo que come. Sabe que pesticidas usaron en la manzana que desayuna, cómo murió la vaca de la hamburguesa que cena y a quién ha matado el sospechoso al que le está royendo la cara. Gracias a su talento, pronto será contratado por la FDA y ahí empiezan de verdad sus problemas.
Chew mezcla con mucho arte una versión comestible de los clásicos héroes con poderes con las historias de policías o detectives de toda la vida; y para acabar de redondear el conjunto, añade una gran dosis de humor con un punto escatológico que no asquea y una pizca de locura superheroica clásica: conspiraciones, secretos, invasiones y demás... Por una parte me recuerda a Powers aunque también tiene ese valioso talento para crear un universo loco y coherente tan típico de Invencible.
Original, divertido, interesante y capaz de engancharte como las pegajosas tiras matamoscas, Chew supera con mucho a la mayoría de cómics que he leído de las dos grandes editoriales en los últimos tiempos. Mientras Marvel y DC siguen agarradas a sus personajes ancestrales y a sus estrategias comerciales, Image las está superando en calidad y cualquier de estos días, los lectores de cómics abrirán los ojos y los últimos serán los primeros.

martes, 31 de julio de 2012

La Plaza Elíptica o la gran saga española

Santiago Valenzuela ganó el premio nacional del cómic 2011 con La Plaza Elíptica, el séptimo tomo de una saga que ha decidido llamar Las Aventuras del Capitán Torrezno. Al enterarme, busqué información sobre el cómic y lo que leí siguió llamando poderosamente mi atención. En el pasado Salón del Cómic de Barcelona, me puse a ojear el volúmen y las increíbles ilustraciones cerraron el trato. Luego, multitud de avatares del destino y la cotidianidad han impedido que lea este cómic hasta hace bien poco. Ahora que la lectura está hecha, doy por seguro que leeré el resto de tomos de esta saga que, en ciertos momentos, maneja los mismos engranajes que la fantástica Canción de Fuego y Hielo.
Las aventuras del Capitán Torrezno suceden en un mundo diminuto circunscrito a un sótano cuadrado con una única apertura al exterior que hace las veces de astro solar. En ese mundo diminuto, un ladrillo puede constituir una ciudad, una mesa provoca un área de sombra sin igual y los insectos se convierten en monturas para los hombres que lo habitan. Este mundo creado por Valenzuela resulta interesante y atractivo al instante pues conjuga elementos ficticios con elementos reales de manera brillante: un mechero es arma de asedio infalible.
Antes de decidirme a comprar el cómic, descubrí que La Plaza Elíptica funcionaba como una especie de reboot o reinicio de la saga del capitán Torrezno pero me temo que eso no es verdad, o a mi no me lo parece. El argumento de este cómic parece beber directamente de los cómics anteriores y en ningún momento se nos explica cómo ni porqué Torrezno, que proviene del titánico mundo real, ha llegado al mundo en el sótano. A primera vista, eso es una putada, como casi todo el mundo, prefiero empezar las historias por el principio. Pero luego, a medida que lees el cómic y pasas de las primeras y un tanto duras páginas, la historia que Valenzuela cuenta te atrapa. Ahora que ya lo he leído, tengo claro que buscaré el resto de volúmenes y empezaré a leer las aventuras del capitán Torrezno desde el principio.
Para acabar, sólo quiero decir que La Plaza Elíptica tiene uno de los dibujos más evocativos y geniales que he visto en mucho tiempo. En general, Valenzuela tiene un estilo muy interesante, claro, detallista y expresivo. Pero cuando le da por marcarse una de esas amplias y casi Escherianas ilustraciones es cuando rompe el molde.
La Plaza Elíptica, con la explosión promocional que es el premio nacional de cómic, se ha convertido en la puerta de entrada, por tardía que sea, a una saga fantástica de gran calibre en la que merece la pena detenerse.

lunes, 30 de julio de 2012

Rambo 4: no está el horno para bollos

En un ataque de autoflagelación impulsado por la curiosidad y por un estado cerebral típico de domingo, me decidí a ver la cuarta parte de Rambo. Un tiempo atrás, cuando Stallone aún no se había convertido en la figura mediática que es hoy, el bueno de Silvester salió de la pobreza gracias a una peli porno y encontró el éxito con Rocky, una gran película. En aquella época, Sylvester ya disfrutaba interpretando tíos duros y musculosos pero sus películas no eran sólo eso. La primera película de Rambo, llamada First Blood, era más thriller que película de acción y no estaba localizada en ningún país extranjero lleno de carne de cañón con ínfulas tiránicas, sino en los USA donde un veterano de Vietnam no es capaz de encontrar la paz. A pesar de todo, Sly descubrió con esa película su verdadera vocación y desde entonces no ha dejado de hacer películas de acción.
Por desgracia, para cuando llegamos a Rambo 4, el espíritu comercial, la mala influencia de los éxitos de los últimos años y la falta de originalidad y riesgo en Hollywood se superponen para hacer de Rambo 4 una película olvidable y torpe. Para cuando acaba la película, te quedas con la sensación de que has visto un prólogo muy largo y vacío, lleno de sangre, entrañas y miembros cercenados, eso sí. Es una lástima que Sly no decidiera quedarse con aquel estilo sobrio y tristón de Rocky o First Blood, pero qué le vamos hacer, cualquier tiempo pasado fue mejor.

jueves, 26 de julio de 2012

Breaking Bad S05 o el final de los maestros

Breaking Bad, esa fantástica serie sobre un profesor de instituto diagnosticado de cáncer que decide pasarse al negocio de las drogas, ha llegado a su quinta y última temporada en un estado de forma sencillamente fenomenal. De momento han aparecido dos episodios: el primero me dejó un poco descolocado pues en vez de presentar el nuevo status quo tras el brutal fin de la temporada 4, sigue la historia como si sólo hubiese pasado una semana en vez de varios meses con un episodio de trama muy autocontenida, un capítulo donde Walt y compañía tienen una misión que se resuelve antes de que acabe. El primer episodio me sorprendió pero creo que Gillian, el creador, no quería perder tiempo en presentaciones pues las peculiaridades de la nueva situación se irán conociendo poco a poco en los capítulos posteriores.
Ya en el segundo capítulo, Breaking Bad vuelve a barrer el suelo con sus contrincantes haciendo una demostración de enorme talento tanto en la dirección, en el guión, en las interpretaciones de los actores... en todo. Obviamente, mi campo es el guión y cuando estoy inmerso en una ficción me cuesta muchísimo fijarme en los detalles de la dirección u otros campos, pero con Breaking Bad no es así. Al igual que sucedía con The Shield, BB tiene un estilo muy personal de dirección que encumbra aún más alto si cabe la historia de Walter White.
A falta de unos pocos capítulos más hasta llegar al final que Gillian tiene preparado para nosotros, yo ya he incluido esta serie en el la lista Top de las mejores series y si tú, lector, consideras que te gusta el audiovisual y las ficciones no puedes dejar pasar la oportunidad de ver Breaking Bad pues tampoco hay tantas cosas que sean mejores.

miércoles, 25 de julio de 2012

The Dark Knight Rises o el fin de la era Nolan

La tercera parte de la trilogía de Batman realizada por Cristopher Nolan ya ha llegado a los cines de medio mundo y, por supuesto, está reventando taquilla. Tras la magnífica The Dark Knight, Nolan se encontraba ante la difícil tarea de dar el broche final a una trilogía que muchos consideran como la biblia de las películas de superhéroes. En mi opinión, TDKR no consigue superar a TDK pero se trata de una buena película que no resta valor a los éxitos de la franquicia. Es cierto que Nolan se pasa un poco con las suposiciones que obliga a hacer al espectador y la suspensión de la credibilidad se tensa al máximo pero esta tercera película parece estar más dirigida a los aficionados a los cómics y al personaje que las otras dos, a modo de pequeño homenaje que los geeks entenderán.
El mayor obstáculo de TDKR era superar la inigualable actuación de Heath Ledger como el Joker en el film anterior y aunque el Bane de Tom Hardy está bastante logrado no llega a los niveles de aquel Joker lunático. A pesar de las críticas que aparecieron con los primeros trailers, la voz de Bane es lo que más me ha gustado pero lamento que hayan decidido usar una máscara tan grande pues impide que Hardy nos muestre las expresiones de Bane. Por su parte, Anne Hathaway está sorprendentemente bien en su papel de Selina Kyle, aka Catwoman, pero le faltan algunas secuencias más para demostrar de lo que es capaz.
Lo que menos me ha gustado de la película son unos giros de guión tipo Deus Ex Machina que, durante el desenlace de la película, abaratan todo lo que hemos visto anteriormente y que no eran estrictamente necesarios.
En fin, la era del Batman de Nolan ha acabado. En el horizonte aparece Man of Steel y me pregunto si DC y Warner decidirán rebootear la franquicia Batman con la Liga de la Justicia en mente o si plantearán el resto de películas que hayan de venir con el Nolanverso como punto de partida.

lunes, 23 de julio de 2012

Canción de Fuego y Hielo: Danza de Dragones

Habréis notado que en el título de este artículo no hay acompañamiento o el típico "... o ..." pero es que siendo que pretendo escribir unas pocas líneas sobre el último volumen aparecido de la enorme saga de Geroge RR  Martin, los acompañamientos sobran. Por si alguien no se ha enterado soy un fan acérrimo de la Canción y ya me cuesta distinguir la calidad individual de cada una de las partes pues estoy tan inmerso y disfruto tanto de todos y cada uno de los pasajes que todo brilla como el oro para mí. Danza de Dragones no ha sido excepción y no miento si digo que lo he leído en tres o cuatro buenas sesiones. El libro sigue las aventuras y desventuras de los personajes que hemos estado conociendo y aún nos presentan a algunos más. Ese mundo inventado sigue creciendo y enriqueciéndose poco a poco, en cada capítulo, descripción y diálogo. En fin, no tengo mucho más que decir al respecto excepto animar a todo el mundo a que empiece a leer la saga. El tamaño de los libros puede desanimar a cualquiera pero, a no ser que pertenezcas a ese pequeño segmento de la población que se engancha con la Canción (pa gustos colores), enseguida pensarás que no son suficientemente gordos y cuando llegues al final de Danza de Dragones, como me pasó a mí, llorarás por no poder seguir leyendo. Para calmar las ansias, yo he decidido leerme la otra pequeña saga ambientada en Westeros: Las aventuras de Dunk y Egg, ya os contaré cómo me ha ido. Si esperar casi un año para la tercera temporada de Game of Thrones parece un suplicio, imaginad lo que puede ser esperar tres o cuatro años para el siguiente tomo: Winds of Winter. Sólo de pensarlo, me pondría a llorar otra vez.